ARTE ESPAÑOL

ZURBARÁN,FRANCISCO DE (FUENTE DE CANTOS,BADAJOZ)

ZURBARÁN

 

Francisco de Zurbarán 025

Francisco de Zurbarán 025 (Photo credit: Wikipedia)

Francisco de Zurbarán 025 (Photo credit: Wikipedia)

 

Dorothea of Caesarea

Dorothea of Caesarea (Photo credit: Wikipedia)

Dorothea of Caesarea (Photo credit: Wikipedia)

 

Francisco de Zurbarán, The Birth of the Virgin...

Francisco de Zurbarán, The Birth of the Virgin, c. 1625–1630, Pasadena, Norton Simon Museum (Photo credit: Wikipedia)

Francisco de Zurbarán, The Birth of the Virgin, c. 1625–1630, Pasadena, Norton Simon Museum (Photo credit: Wikipedia)

 

Enciclopedia online

 

 

 

Zurbarán, Francisco de (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid, 1664). Pintor español, hijo de un acomodado negociante vasco establecido en Extremadura desde 1582. Entre los años 1614 y 1617 aprendió la pintura en Sevilla con el poco conocido pintor Pedro Díaz de Villanueva. En este periodo tendría ocasión de conocer a Pacheco y Herrera, maestros famosos, y de establecer contactos con sus coetáneos Velázquez y Cano, aprendices como él en la Sevilla de la época. Al cabo de unos años de aprendizaje, seguramente más fecundos en diversas enseñanzas de lo que se ha venido considerando, Zurbarán volvió a su provincia natal sin someterse al examen gremial sevillano. Este último hecho le será reprochado posteriormente. Se estableció en Llerena durante once años (1617-1628), donde se casó dos veces y fue padre muy joven. Zurbarán recibía encargos de la ciudad de Llerena y de diversos conventos e iglesias de Extremadura. Desgraciadamente se han perdido casi todas las obras de su primera etapa, pero la existencia de un taller en Llerena demuestra una actividad ya considerable. En 1626 los dominicos sevillanos de San Pablo contrataron a Zurbarán para pintar una serie importante de cuadros pero mal remunerada. Poco después, los mercedarios calzados de la Casa Grande de Sevilla le propusieron un sueldo tres veces superior para un encargo de ­semejante magnitud. Del conjunto de San Pablo se conservan el espléndido Crucificado (Art Institute of ­Chicago), primera obra fechada en 1627, y tres magníficas figuras completas de los padres de la Iglesia (Museo de Bellas Artes de Sevilla). En dos escenas de la Vida de santo Domingo (iglesia de la Magdalena, Sevilla), como en varios cuadros del importante ciclo de la Merced Calzada, se advierte la participación de diversos asistentes. Sin embargo, el portentoso San Serapio (1628, Wadsworth Atheneum, Hartford), indudablemente autógrafo, revela las cualidades propias del joven maestro: sorprendente plasticidad de las formas, armonía de las tonalidades y sabia distribución de las luces. El Museo del Pradoconserva dos de las más bellas escenas de la vida de san Pedro Nolasco, mientras que el resto se halla disperso en museos y colecciones del mundo entero. En 1629, por insólita proposición del Consejo Municipal, Zurbarán se instala definitivamente en Sevilla. En dicha fecha pinta cuatro lienzos importantes para el colegio franciscano de San Buenaventura (Musée du Louvre, París, y Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde). Empieza entonces para el pintor extremeño el decenio más prestigioso de su carrera. La fuerza expresiva de su pincelada, añadida a su obediencia a la hora de satisfacer los deseos de sus comitentes, lo convierten en el mejor intérprete de la Reforma católica del siglo de oro español. Recibe encargos de todas las órdenes religiosas presentes en Andalucía y Extremadura. Pinta para los jesuitas (Visión del beato Alonso Rodríguez, 1630, Real Academia de San Fernando, Madrid), para los dominicos (Apoteosis de santo Tomás de Aquino, 1631, Museo de Bellas Artes de Sevilla) y también para los conventos sevillanos de los carmelitas, los trinitarios y los mercedarios descalzos. El éxito de Zurbarán culminó en 1634 con una invitación de la corte, quizá sugerida por Velázquez, para participar en la decoración del salón grande del Buen Retiro. Allí pintó Zurbarán los diez «Trabajos de Hércules» para las sobreventanas y dos grandes lienzos de batallas. Once de dichas pin­turas se conservan en el Museo del Prado. De retorno a Sevilla, el maestro extremeño siguió trabajando para sus comitentes monásticos. Casi todas las pinturas de dos impresionantes series, probablemente las mejores de su producción, se han conservado. El conjunto de la cartuja de Jerez de la Frontera se halla disperso entre varios museos (Metro­politan Museum of Art, Nueva York; Museo Nacional de Poznan, Polonia; Museo de Cádiz). Los cuatro grandes lienzos del retablo mayor (AnunciaciónAdoración de los pastores, 1638,Circuncisión, 1639, y Ado­ración de los Reyes, todos en el ­Musée de Peinture et de Sculpture, Grenoble) son de una solemnidad casi litúrgica. El cromatismo resplandeciente de la indumentaria y la perfección técnica de estos lienzos pertenecen a lo mejor de su obra. De la misma calidad es la serie del monasterio de Guadalupe, único encargo importante del pintor conservado in situ. Los ocho grandes cuadros de la sacristía, pintados en Sevilla en las mismas fechas (1638-1639), representan episodios poco conocidos de la vida de los monjes jerónimos,Misa del padre CabañuelasAparición del Cristo al padre SalmerónFray Gonzalo de Illescas escribiendo, etc. En la capilla adyacente, tres episodios de la vida de san Jerónimo están pintados hacia 1645, con un estilo tenebrista que revela la fuerte influencia de Ribera. A partir de 1640, los grandes encargos van ­disminuyendo mientras que se desarrolla el mercado americano.

Francisco de Zurbarán 001

Francisco de Zurbarán 001 (Photo credit: Wikipedia)

Francisco de Zurbarán 001 (Photo credit: Wikipedia)

En 1644, Zurbarán pinta, con colaboración de su obrador, un retablo para la colegiata de Zafra, y en 1655, los tres célebres lienzos apaisados de la sacristía de la cartuja sevillana de Santa María de las Cuevas (Museo de Bellas Artes de Sevilla). A mediados del siglo, Sevilla sufrió una profunda depresión económica. Una gran epidemia de peste golpeó la ciudad en 1649, reduciendo considerablemente su población. Su hijo y colaborador, Juan, muere de este «mal de contagio». Francisco de Zurbarán aumentó entonces la producción de su obrador con series de fundadores de órdenes, de santas vírgenes o de césares para el Nuevo Mundo. En 1658, probablemente movido por las dificultades del mercado sevillano, se trasladó a Madrid donde pronto vinieron a instalarse su mujer y la única hija sobreviviente de este tercer matrimonio. En su última época hallamos varias obras aisladas, a menudo firmadas, que no pertenecen a ningún conjunto. Se trata de lienzos de devoción privada de pequeño tamaño y ejecución refinada. Se advierte entonces una evolución de su estilo, de modelado más suave y aterciopelado. El viejo pintor tuvo al parecer una buena clientela privada pero su salud decayó pronto (su última obra firmada es de 1662), y falleció en 1664 después de una larga enfermedad que empobreció a su familia. Sin embargo, no llegó a vivir en la miseria como se ha repetido demasiadas veces. En su testamento no se encuentra deuda alguna y deja unos muebles lujosos, aunque el resto de sus posesiones en Madrid sean más bien modestas. Zurbarán es, por supuesto, el gran pintor de la vida monástica que él expresa con un realismo candoroso, y una extrema sencillez. Nadie como él ha sabido traducir con tanta precisión y exactitud los diversos hábitos conventuales. Sus retratos de monjes son de una veracidad impresionante y con escasos elementos sabe expresar los más intensos éxtasis místicos. Excluye toda grandilocuencia y toda teatralidad, incluso podemos hallar algo de torpeza en el momento de resolver los problemas técnicos de la perspectiva geométrica. Tampoco le interesan los escorzos ni la sugerencia de espacios ilusionistas a la italiana. Sus composiciones severas, rigurosamente ordenadas, alcanzan un nivel excepcional de emoción piadosa. Con respecto al tenebrismo, Zurbarán lo practicó sobre todo en su primera época sevillana, no solo en sus conocidas series monásticas sino también en obras de devoción privada. Nadie le supera en la manera de expresar la ternura y el candor de los niños santos: virgencitas en éxtasis, inmaculadas muy jovencitas, niños de la espina o santas adolescentes, son otros aspectos encantadores de su talento. Su técnica excepcional para representar los valores táctiles de las telas y de los objetos hace de él un bodegonista de muy alto nivel. Bajo su pincel, los objetos sencillos alcanzan una trascendencia poética sublime (Bodegón, 1633, Norton Simon Foundation, Pasadena). Su sobriedad, la fuerza expresiva y la plasticidad de sus figuras, añadidas a sus evidentes dotes de colorista, lo sitúan en la cumbre de los maestros españoles del siglo de oro. Quizás es de todos ellos el que más conmueve nuestra sensibilidad moderna.

Español: El pintor español Francisco de Zurbar...Español: El pintor español Francisco de Zurbarán (Fuente de Cantos, 1598 – Madrid, 1664). Medallón incrustado en la fachada del Museo del ,Prado, Madrid. Français : Le peintre espagnol Francisco de Zurbaran (Fuente de Cantos, 1598 – Madrid, 1664). Médaillon incrusté dans la façade du Musée du Prado, Madrid. (Photo credit: Wikipedia)

ANDALUCIA,1550-1700. SEVILLA,GRANADA Y CÓRDOBA

En los primeros años del siglo XVI Sevilla se convirtió en el principal centro comercial del Imperio. Carecía, como Córdoba, y a diferencia de Madrid, de una Corte que centralizase la actividad artística, de modo que los encargos procedían fundamentalmente de la Iglesia y de clientes particulares.

Pope Gregory I

Pope Gregory I (Photo credit: Wikipedia)

Pope Gregory I (Photo credit: Wikipedia)

Es difícil hacerse una idea clara de los usos de los talleres sevillanos del siglo XVI, y en realidad la ciudad no se convirtió en un foco de producción artística hasta el siglo XVII, con pintores como Francisco de Zurbarán y Bartolomé Esteban Murillo. En 1660, Murillo y Francisco de Herrera el Mozo fundaron una academia de dibujo que permaneció abierta durante catorce años y por la que pasaron muchos estudiantes, lo que garantizó la pervivencia del dibujo como base de la práctica del arte.

St Hugo of Grenoble in the Carthusian RefectorySt Hugo of Grenoble in the Carthusian Refectory (Photo credit: Wikipedia)

Otros maestros se formaron en Sevilla y acabaron por hacer una brillante carrera en la capital, como Diego Velázquez, Herrera el Mozo oAlonso Cano. Si bien la movilidad de estos artistas dificulta la identificación de un estilo regional, figuras dominantes como Francisco Pacheco en Sevilla y Antonio del Castillo en Córdoba, influyeron considerablemente en los que trabajaron a su alrededor.

Francisco de Zurbarán - The Immaculate Concept...

Francisco de Zurbarán – The Immaculate Conception – WGA26069 (Photo credit: Wikipedia)

Francisco de Zurbarán – The Immaculate Conception – WGA26069 (Photo credit: Wikipedia)

 

6._Diseno_para_un_retablo
Diseño para un retablo, Alonso Cano. Pluma y tinta parda, aguada parda sobre lápiz negro, 309 x 232 mm, c. 1660 © The Trustees of the British Museum 1950,0211.16

FUENTE: http://www.museodelprado.es

 

Related articles

 

 

Estándar
MUSEO DEL PRADO

LA BELLEZA ENCERRADA – ROGER VAN DER WEYDEN

 

Philip III, Duke of Burgundy, with the collar ...

Philip III, Duke of Burgundy, with the collar of the Order (portrait in c.1450 by Rogier van der Weyden) (Photo credit: Wikipedia)

 

Philip III, Duke of Burgundy, with the collar of the Order (portrait in c.1450 by Rogier van der Weyden) (Photo credit: Wikipedia)

English: Rogier van der Weyden. Portrait of a ...

English: Rogier van der Weyden. Portrait of a Lady, c. 1460 (Photo credit: Wikipedia)

English: Rogier van der Weyden. Portrait of a Lady, c. 1460 (Photo credit: Wikipedia)

English: Descent from the Cross (Triptych of R...

English: Descent from the Cross (Triptych of Roger Van Der Weyden-15 century). Español: Descendimiento de la Cruz (Tríptico de Roger Van Der Weyden-siglo 15). Français: Descente de Croix (Tryptique de Roger Van Der Weyden-15° siècle). (Photo credit: Wikipedia)

English: Descent from the Cross (Triptych of Roger Van Der Weyden-15 century). Español: Descendimiento de la Cruz (Tríptico de Roger Van Der Weyden-siglo 15). Français: Descente de Croix (Tryptique de Roger Van Der Weyden-15° siècle). (Photo credit: Wikipedia)

Virgin and Saint John - Roger van der Weyden

Virgin and Saint John – Roger van der Weyden (Photo credit: Wikipedia)

Virgin and Saint John – Roger van der Weyden (Photo credit: Wikipedia)

St Ivo by Roger van der Weyden. Oil on oak pan...

St Ivo by Roger van der Weyden. Oil on oak panel, 45 x 35 cm, National Gallery, London. (Photo credit: Wikipedia)

St Ivo by Roger van der Weyden. Oil on oak panel, 45 x 35 cm, National Gallery, London. (Photo credit: Wikipedia)

Rogier van der Weyden, portrait by Cornelis Co...

Rogier van der Weyden, portrait by Cornelis Cort, 1572 (Photo credit: Wikipedia)

Rogier van der Weyden, portrait by Cornelis Cort, 1572 (Photo credit: Wikipedia)

Sala III

 D4151-Bello_cuadro_02

“Extreme Unction”, part of The Seven Sacraments, by Rogier Van der Weyden (1445). (Photo credit: Wikipedia)

Extreme Unction”, part of The Seven Sacraments, by Rogier Van der Weyden (1445). (Photo credit: Wikipedia)

La solemne Piedad de Roger van der Weyden, aún de pleno siglo XV, da testimonio de la transformación que tiene lugar en el siglo XVI. El orden anterior ha cambiado y Durero se presenta como un gentilhombre —ya nunca más el artista será un siervo— ante la ventana que se abre hacia la antigua frontera de los Alpes y deja ver el incierto futuro. Como Heráclito, el ser humano es ahora consciente de que «Dios es día y noche, invierno y verano, guerra y paz, abundancia y hambre». Ese nuevo sentimiento, ambiguo y caótico, tiene la culpa de que Europa no sea ya el centro del universo, como tampoco lo es, desde Copérnico, la Tierra, que ha extendido sus confines hacia el Nuevo Mundo, como evidencia Patinir en su Paso de la laguna Estigia. Que la locura no es ya sólo patrimonio extraordinario de los dioses, sino miseria de los humanos, lo comprobamos en la Extracción de la piedra de la locura del Bosco. Que seres de otro color han manifestado su presencia igualitaria se evidencia en la Adoración de los Reyes Magosdel Pseudo-Blesius, donde el Niño, además, se sitúa en un eje inestable que bascula entre David, el rey guerrero, y Salomón, el rey sabio. Los santos rehúyen mirar al espectador, conscientes de sus pecados, e incluso la imagen de Cristo, flagelado o herido, no trae el consuelo a la humanidad doliente, sino el castigo en el Juicio Final y la seguridad del Infierno, como presenta el Bosco en suMesa de los pecados capitales, cuyo fuego se multiplica a través de las numerosas imitaciones de sus seguidores, que llenarán los gabinetes del siglo XVI.

5aec5d0ef3

9b1f79862e

d6192-Fraile_mendigando_02

Related articles

 

Estándar
MUSEO DEL PRADO

MIRA DOS VECES PARA VER LO EXACTO.NO MIRES MÁS QUE UNA VEZ PARA VER LO BELLO

The Garden of Earthly Delights (c. 1480-1505) ...

The Garden of Earthly Delights (c. 1480-1505) by Hieronymus Bosch. Oil on wood triptych, 220 cm x 389 cm, now in the Museo del Prado. High-resolution version from The Prado in Google Earth. (Photo credit: Wikipedia)

The Garden of Earthly Delights (c. 1480-1505) by Hieronymus Bosch. Oil on wood triptych, 220 cm x 389 cm, now in the Museo del Prado. High-resolution version from The Prado in Google Earth. (Photo credit: Wikipedia)

Español: Estatua alegórica de la Victoria, esc...Español: Estatua alegórica de la Victoria, esculpida en mármol entre 1830 y 1836, por Valeriano Salvatierra, en la fachada del Museo del Prado, Madrid. Français : Statue allégorique de la Victoria, statue taillée en marbre entre 1830 et 1836, par Valeriano Salvatierra, dans la façade du Musée du Pré, Madrid. (Photo credit: Wikipedia)
The Holy Trinity, 1577–1579, by El Greco

The Holy Trinity, 1577–1579, by El Greco (Photo credit: Wikipedia)

The Holy Trinity, 1577–1579, by El Greco (Photo credit: Wikipedia)

It was found in Corinth and immediately purcha...It was found in Corinth and immediately purchased in Rome by king Charles III of Spain in the 18th century. (Photo credit: Wikipedia)

3b46194eb9

Magnífica copia en miniatura de la grandiosa imagen que construyó Fidias para el Partenón ateniense, obra concluida y dedicada el año 438 a.C. Esta reproducción realizada en el siglo II d.C., presenta un estilo muy depurado y próximo al del maestro, pero ha perdido todos los atributos que la adornaban: incluso la esfinge que corona su casco es una reconstrucción moderna, aunque correcta en lo fundamental.Es fácil completar idealmente la escultura a través de otras copias conservadas y de la descripción que del original hacePausanias (I, 24, 5-7): La imagen está hecha de marfil y oro. En medio del casco hay una figura de esfinge…, y a ambos lados del yelmo, grifos esculpidos en relieve….La estatua de Atenea está erguida, con peplo hasta los pies, y en su pecho tiene insertada la cabeza de Medusa en marfil. Sostiene una Victoria de unos cuatro codos y empuña una lanza. Hay un escudo junto a sus pies y cerca de la lanza una serpiente, que podría ser Erictonio. En la base de la estatua está esculpido el nacimiento de Pandora.Durante muchos siglos, la imagen del Partenón fue la más famosa e imitada de la diosa, suscitando todo tipo de alabanzas. Ya Platón, pocos años después de concluida la obra, la ponía como ejemplo del principio estético de la adecuación, observando que su autor no hizo de oro los ojos de Atenea ni el resto del rostro, ni tampoco los pies ni las manos…, sino que los hizo de marfil.A la luz de la presente copia, también podemos nosotros percibir la sencillez y armonía de sus líneas y estructuras; sin embargo, no podemos olvidar que la intención de Fidias fue acaso distinta: con su enorme tamaño, 26 codos (unos 11 metros), según la descripción dePlinio (Nat. Hist., 36, 18-19), el efecto del coloso era abrumador, mientras que la profusión decorativa de sus atributos, y del escudo en particular, deseaba asombrar ante todo por su riqueza (Texto extractado de Elvira Barba, M.A.: Escultura clásica. GuíaMuseo del Prado, 1999, p. 70).

FUENTE: http://www.museodelprado.es

Inner door at Extension of The Museo del PradoInner door at Extension of The Museo del Prado (Photo credit: Wikipedia)
English: Prado Museum, in Madrid (Spain). Espa...

English: Prado Museum, in Madrid (Spain). Español: Museo del Prado, en Madrid (España). (Photo credit: Wikipedia)

English: Prado Museum, in Madrid (Spain). Español: Museo del Prado, en Madrid (España). (Photo credit: Wikipedia)

Related articles
Estándar
ARTE ESPAÑOL, MUSEO DEL PRADO

LA BELLEZA ENCERRADA.DE FRA ANGELICO A FORTUNY

English: Prado Museum, in Madrid (Spain). Espa...

English: Prado Museum, in Madrid (Spain). Español: Museo del Prado, en Madrid (España). (Photo credit: Wikipedia)

 

Prado Museum in Madrid, by Juan de Villanueva

Prado Museum in Madrid, by Juan de Villanueva (Photo credit: Wikipedia)

 

English: Interior of the Prado Museum in Madri...

English: Interior of the Prado Museum in Madrid (Spain). Español: Interior del Museo del Prado de Madrid (España). (Photo credit: Wikipedia)

 

P04332

 

EXPOSICIÓN

 

La exposición reúne 281 obras de las colecciones del Museo del Prado que tienen como denominador común su pequeña dimensión y unas características especiales de riqueza técnica, preciosismo, refinamiento del color y detalles escondidos que invitan a la observación cercana de estos cuadros de gabinete, bocetos preparatorios, pequeños retratos, esculturas y relieves. La mitad de las obras expuestas no se han visto con regularidad en el Prado en los últimos años. Conservadas en los almacenes o depositadas en otras instituciones, han cedido el paso con humildad a otras más famosas y populares que han brillado sin perder nunca su luz en la colección permanente, aunque no por ello son menos interesantes ni menos bellas. La singularidad del Museo reside en la elevada calidad de sus colecciones, en el sorprendente buen estado de conservación de sus obras y en la variedad de lo acumulado a lo largo de los siglos por los sucesivos monarcas y por las adquisiciones conseguidas por quienes tomaron el relevo del enriquecimiento artístico de la institución desde el siglo XIX.

 

Las obras expuestas se ordenan a lo largo de diecisiete salas en las que se da prioridad a la cronología, a través de un intenso recorrido que comienza a fi nes del siglo XIV y principios del siglo XV en Italia, Francia y los Países Bajos, y culmina a fi nes del siglo XIX en España. Ese concentrado paseo sin escapatoria aviva enel espectador la conciencia del paso del tiempo, que une el pasado con el presente y descubre, además, la singularidad y riqueza del Museo del Prado actual. Por otra parte, las relaciones entre las expresiones artísticas de unos y otros países revelan similitudes y divergencias técnicas y estilísticas de la mano de artistas del máximo relieve; los diálogos entre las obras hablan de las influencias ajenas o de la reafi rmación del sentimiento de lo propio. En determinados casos, los temas toman la iniciativa y se enfoca con mayor intensidad lo representado que a los artistas y sus estilos particulares, invitando al espectador a refl exionar sobre el modo en que los pintores del norte y los del sur entienden una misma iconografía, en una visión totalizadora del arte europeo y de su significado desde la Edad Media y el Renacimiento, a través del Barroco y del rococó, hasta el naturalismo que dará paso al siglo XX.

 

FUENTE: http://www.museodelprado.es

 

3a10d40849470afc468090825e1749ad98c09ee1cca1a0326ad32853ad98P00015

 

El Prado ha hecho un especial esfuerzo en limpiar y restaurar lo expuesto para presentar las obras en unas condiciones idóneas, que permitan al espectador apreciar la belleza específi ca que encierra la pintura y la escultura de este formato. Sólo las perfectas relaciones tonales de la superficie pictórica, gracias a la transparencia de los barnices, dejan ver la precisión de las pinceladas y, con ello, el sentido y el signifi cado de las figuras y de sus acciones o la poesía de los paisajes y la punzante llamada de atención de la naturaleza muerta, el bodegón. Se puede sacar el máximo partido de la apreciación de esta pintura íntima únicamente cuando su estado de conservación deja ver la intención original del autor, tanto en las obras que se decantan por el preciosismo de la técnica, como en aquéllas cuya abstracción lleva incluso a la violencia expresiva, como en algunos bocetos.

 

La pintura de devoción da paso a los asuntos mitológicos, el paisaje aparece en el siglo XVI con personalidad propia, el retrato está presente desde los inicios y, junto a la melancolía, una de las facetas propias del arte y de todo artista, aparece la sátira y la reflexión irónica sobre el ser humano o la alabanza y la exaltación del poder, para, finalmente, dejar sitio a la vida real, cotidiana y del pueblo, que coincide con el desarrollo de la burguesía a fines del siglo XVIII.

 

P04327

 

Los artistas demuestran en estas obras su imaginación creadora, pero también su dominio de la técnica y, como siempre, su capacidad de innovación, que les lleva a introducir materiales nuevos para lograr efectos distintos. Así, a la madera inicial le sigue el lienzo, el cobre, la pizarra, la hojalata o las piedras artificiales, cada uno con su específica repercusión en la «personalidad» de la superfi cie pictórica, como sucede con el mármol, el alabastro, la madera policromada, la arcilla y el bronce, que confi guran el mensaje de la escultura.

 

Related articles

 

 

 

Estándar
ARTE ESPAÑOL

JUAN FERNÁNDEZ EL LABRADOR.NATURALEZAS MUERTAS

Español: Bodegón: membrillos, melocotones, uva...

Español: Bodegón: membrillos, melocotones, uvas y calabazas, pintura al ´çoleo realizada por Luis Egidio Meléndez y conservada en el Museo del Prado. Madrid (Photo credit: Wikipedia)

 

Francisco de Zurbarán, Santa Isabel de Portuga...

Francisco de Zurbarán, Santa Isabel de Portugal, óleo sobre lienzo, 184 x 98 cm. Museo del Prado (Photo credit: Wikipedia)

 

Philip IV with a dwarf (Palacio de Viana, Madrid)

 

Philip IV with a dwarf (Palacio de Viana, Madrid) (Photo credit: Wikipedia)

 

Francisco de Zurbarán, Bodegón or Still Life w...

Francisco de Zurbarán, Bodegón or Still Life with Pottery Jars, 1636, Oil on canvas; 46 x 84 cm; Museo del Prado, Madrid (Photo credit: Wikipedia)

Francisco de Zurbarán, Bodegón or Still Life with Pottery Jars, 1636, Oil on canvas; 46 x 84 cm; Museo del Prado, Madrid (Photo credit: Wikipedia)

 

Bodegon_uvas

 

La documentación referente a Juan Fernández localizada hasta la actualidad se limita a los siete primeros años de la década de 1630. Era conocido como el Labrador por su origen campesino y, aunque se supone que nació en Extremadura, no se sabe nada de su nacimiento o primera formación artística. Fue criado de un importante noble italiano, Giovanni Battista Crescenzi, quien ejercía una importante influencia en los asuntos artísticos de los reinados de Felipe III y Felipe IV. Crescenzi fue uno de los promotores de la naturaleza muerta y todo indica que incentivó al Labrador a que se aplicara en la representación de frutas. El género estaba en pleno desarrollo y demanda en la corte madrileña y en toda Europa. El aspecto humilde de susbodegones, tremendamente sencillos y a la vez asombrosamente realistas, debió causar gran impacto en un momento en el que estas representaciones se estaban haciendo más complicadas y barrocas.

 

Hacia 1633 Juan Fernández dejó Madrid, y según sus primeros biógrafos se retiraría al campo donde se dedicaría a “retratar” los productos naturales, con los que tendría gran familiaridad. Se dice que acudía a la corte en Semana Santa a vender sus cuadros, que eran adquiridos para las colecciones más importantes de la nobleza. Ente sus clientes estaba el embajador británico, sir Arthur Hopton, quien envió cuadros del Labrador al rey Carlos I. También poseyó alguna de sus obras la reina de Francia, Ana de Austria; con lo que fue uno de los pocos artistas españoles que fue conocido fuera de la Península en el siglo XVII.

 

Su fama se basaba en un personal planteamiento para representar flores y frutas, sobre todo las uvas, que fueron el objeto principal de sus cuadros. En sus bodegones hacía una particular mezcla de la tradición del naturalismo con unos encuadres desconcertantes. Su detallismo extremo se potenciaba con la violenta iluminación heredera de Caravaggio y la visión muy cercana de las frutas. El fondo oscuro y la ausencia de referencias al espacio los hace completamente atemporales, en especial las visiones de los racimos de uvas suspendidos, de una estética cercana a planteamientos propios del arte contemporáneo. Aunque se relaciona con la evolución del género en la primera mitad del siglo XVII, su obra supone una aportación singular para la época.

 

La enigmática personalidad del artista, alejado de la corte en su momento de mayor madurez y empeñado en un nuevo naturalismo a contracorriente de su tiempo, resulta aún más exclusiva porque se conservan muy pocas de sus pinturas. Aunque hay referencias antiguas a obras de El Labrador, en la actualidad sólo se le pueden atribuir con seguridad trece.

 

3._Bodegon_con_uvas__manzanas_y_jarra

 

Un Zeuxis moderno

 

Los racimos de uvas son objeto preferente de representación en el género de la naturaleza muerta desde su origen, a fines del siglo XVI y principios del XVII. Con ellos los artistas podían demostrar su maestría captando sus calidades, estructura o madurez. Pero, al mismo tiempo, les servían parar evocar al público culto un remoto episodio que reivindicaba la superioridad de la pintura. Según los textos clásicos, el pintor griego Zeuxis de Heraclea (siglo V a.C.) llegó a realizar con tal fidelidad las uvas que los pájaros acudieron engañados a picotear un cuadro en el que pintó estas frutas.

 

En sus primeras obras conocidas el Labrador solo utilizó uvas, presentadas de forma desconcertante. Los racimos, minuciosamente detallados, aparecen suspendidos en la oscuridad, violentamente iluminados y eliminada toda referencia espacial. Su aspecto natural y de instantánea reta al ojo del espectador de su época, evidenciando la extraordinaria capacidad mimética de su autor, suficiente para equipararlo a un Zeuxis moderno.

 

P02888

 

Naturaleza en el lienzo: primavera y otoño

 

A partir de 1633 el Labrador comenzó a pintar composiciones más complejas en las que las uvas, su verdadera marca de autor, se combinan con otros elementos. Estos bodegones reúnen siempre especies vegetales que fructifican en la misma estación, o que se conservan bien en meses posteriores. Generalmente son productos del final del verano o del otoño, que conviven con los racimos en pequeñas repisas vistas frontalmente y destacadas sobre fondos en sombra. En ellas reina un aparente desorden en el que se añade algún recipiente refinado, de materiales brillantes o coloridos, que marca un sutil contraste con la sencillez de bellotas o castañas.

 

FUENTE: http://www.museodelprado.es

 

 

 

Estos cuadros constituyen auténticas celebraciones otoñales, en las que la variedad de frutos supone una demostración de humilde abundancia. A este personal repertorio unió en 1635, por sugerencia quizás de sus clientes británicos, la representación de ramos de flores. Con ellas adquirió fama, por su frescura y sensación realista, incorporando así nuevos colores primaverales a su paleta.

 

Vase of Flowers

Vase of Flowers (Photo credit: Wikipedia)

 

Related articles

 

 

Estándar
ARTE ESPAÑOL, MUSEO DEL PRADO

LA IMPORTACIÓN DE PRÁCTICAS GRÁFICAS: CASTILLA,1550-1600

El Escorial

El Escorial (Photo credit: Wikipedia)

Herrerian façade of the Monastery of El Escorial.

Herrerian façade of the Monastery of El Escorial. (Photo credit: Wikipedia)

Monastery of San Lorenzo de El Escorial, Spain.

Monastery of San Lorenzo de El Escorial, Spain. (Photo credit: Wikipedia)

Español: El Escorial Spain Outside Photo in España

Español: El Escorial Spain Outside Photo in España (Photo credit: Wikipedia)

En 1561 Felipe II estableció en Madrid la capital de su reino. Dos años después iniciaba las obras de El Escorial, concebido como monasterio, relicario, panteón dinástico, biblioteca y depósito de su vasta colección de obras de arte y maravillas naturales. Las obras finalizaron en 1584 y requirieron de un enorme esfuerzo que congregó a ingenieros, arquitectos y artistas procedentes de diversas partes de Europa.

Los años de juventud pasados en el extranjero, donde pudo contemplar las obras de algunos de los mejores artistas flamencos e italianos, conformaron el gusto de Felipe II por el arte. Pintores de renombre en Italia, como Federico Zuccaro, Pellegrino Tibaldi y Luca Cambiaso, fueron elegidos por su facilidad para pintar al fresco y ejecutaron la mayor parte de las decoraciones murales de El Escorial. El estilo y la técnica de sus dibujos, así como el uso que hicieron de ellos para preparar sus composiciones, tuvieron un gran impacto sobre los artistas españoles que trabajaron a su lado, así como sobre las siguientes generaciones. También hubo maestros españoles que estuvieron en Italia, como Alonso Berruguete, y esta experiencia dejaría en su obra una huella profunda, visible en los dibujos que realizaron a su vuelta.

FUENTE: http://www.museodelprado.es

5ffae7ac44

CRISTO MUERTO – SOSTENIDO POR UN ÁNGEL

ec02b3fd05

SAN BRUNO RENUNCIA A LA MITRA

8._Santo_atado_a_un_arbol

SANTO ATADO A UN ÁRBOL,JOSÉ DE RIBERA

Pellegrino Tibaldi 001

Pellegrino Tibaldi 001 (Photo credit: Wikipedia)

1._Estudio_para_la_decoracion_biblioteca_Escorial

ESTUDIO PARA LA DECORACIÓN DE LA BIBLIOTECA DE EL ESCORIAL

English: Zeno of Elea shows Youths the Doors t...

English: Zeno of Elea shows Youths the Doors to Truth and False (Veritas et Falsitas). Fresco in the Library of El Escorial, Madrid. (Photo credit: Wikipedia)

English: El Escorial Spain Gardens

English: El Escorial Spain Gardens (Photo credit: Wikipedia)

Estándar
ARTE ESPAÑOL, el artista

EL ARTISTA – GOYA

goya_vicente_lopez

BIOGRAFÍA

RESUMEN

ALGUNOS ASPECTOS DE SU CRONOLOGÍA

  • 1746

    30 de marzo. Francisco José de Goya y Lucientes nace en Fuendetodos (Zaragoza). Cuarto hijo del maestro dorador zaragozano Joseph Goya y de Gracia Lucientes y Salvador, de familia de hijosdalgos aragoneses

    31 de marzo. Goya es bautizado por el vicario José Ximeno en la iglesia parroquial de Fuendetodos. Al mes de su nacimiento la familia se traslada a Zaragoza

  • 1750

    Alumno de las Escuelas Pías de Zaragoza, donde fue compañero de Martín Zapater, al que le unió una gran amistad durante toda su vida

  • 1751

    Recibe la confirmación en la parroquia de San Gil de Zaragoza

  • 1759

    10 de agosto. Inicio del reinado de Carlos III

    Aprendiz en el taller del pintor José Luzán Martínez (1710-1785), donde permanece cuatro años

  • 1761

    Llegada a Madrid del pintor bohemio Anton Raphael Mengs, paradigma del neoclasicismo, llamado por Carlos III y nombrado Primer Pintor de Cámara

  • 1762

    Corrado Giaquinto, pintor napolitano que había sido Primer Pintor de Cámara desde su llegada a España en 1753, regresa a Nápoles

    Llegada a España del pintor veneciano Giambattista Tiepolo, acompañado de sus hijos, para para hacerse cargo de las decoraciones del Palacio Nuevo

68e84a77dd

  • 1763

    Primer viaje de Goya a Madrid, donde se supone que trabajó en el taller de Francisco Bayeu

  • 1764

    4 / 15 de diciembre. Participa, sin éxito, en el concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid para obtener una pensión de pintura que ganó Gregorio Ferro

    23 de diciembre. Padrino en el bautizo de su sobrino Manuel Goya y Elizondo, en Zaragoza

  • 1766

    5 de enero / 22 de julio. Se presenta al concurso de Premios de Primera clase de Pintura de la Academia de San Fernando, sin conseguir voto. Ramón Bayeu obtuvo el primer premio

  • 1766-69

    Posiblemente vivió entre Madrid y Zaragoza. En este período se pueden fechar las puertas del armario de las reliquias de la sacristía de la iglesia de Fuendetodos (Zaragoza) con laAparición de la Virgen del Pilar a Santiago (destruido)

  • 1769

    Mengs regresa a Italia en el mes de mayo

    Goya inicia en la primavera su viaje de dos años de duración a Italia, para estudiar en la Accademia del Disegno de San Luca en Roma. El Cuaderno italiano (Museo del Prado) revela datos importantes de su estancia italiana, como las obras que vio, algunas de las que pintó en ese período y las ciudades que visitó

  • 1770

    Muerte en Madrid de Giambattista Tiepolo. De sus hijos, Giandomenico regresa a Venecia mientras que Lorenzo, sin embargo, permanece en España, donde pinta al pastel retratos e intensas escenas de personajes populares que tuvieron influencia en las primeras obras de Goya como pintor de cartones de tapices

  • 1771

    20 de abril / 27 de junio. Goya participa en el concurso de la Academia de Parma con su versión de Aníbal vencedor, que por primera vez miró Italia desde los Alpes (Fundación Selgas-Fagalde, Cudillero, Asturias), enviada desde Roma y por la que recibe una mención especial

    21 de octubre. Tras su vuelta a España y posterior establecimiento en Zaragoza, consigue su primer encargo importante: la decoración de la bóveda del coreto de la Basílica del Pilar

  • 1772

    Comienza a trabajar en las pinturas de la vida de la Virgen para la Cartuja del Aula Dei en Zaragoza, que finalizará en 1774. En la carta enviada por Goya a la Junta de la Fábrica de la basílica, el 22 de noviembre de este año, aseguraba que era “Profesor de Dibujo en esta Ciudad [Zaragoza]”

  •  
  • c97edbea94

ddebdbd241

  • 1773

    25 de julio. Contrae matrimonio con Josefa Bayeu, hermana de Francisco, en la iglesia parroquial de San Martín de Madrid. El matrimonio vive en Zaragoza

    Don José Rodríguez Moñino, embajador español ante la Santa Sede desde 1772, consigue la disolución de la compañía de Jesús. El rey le concede por ese motivo el título de conde de Floridablanca

  • 1774

    Regreso de Mengs a España

    29 de agosto. Nace en Zaragoza el primer hijo de Goya, Antonio, bautizado en la parroquia de San Miguel y apadrinado por el escultor Carlos Salas

  • 1775

    3 de enero. Goya se traslada a Madrid, según él mismo, llamado por Mengs

    Comienza su trabajo para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara bajo la dirección de Mengs y del arquitecto Francisco Sabatini, con un sueldo de 8.000 reales de vellón al año

    Realiza la serie de cartones con escenas de caza destinada al comedor de los príncipes en San Lorenzo de El Escorial, seguramente según bocetos de Francisco Bayeu

    Inicia la correspondencia con Martín Zapater

    15 de diciembre. Nace su segundo hijo, Eusebio, apadrinado por su cuñado, Ramón Bayeu. De acuerdo con el certificado de nacimiento, la familia vive entonces en casa de los Bayeu, en la calle del Reloj, nº 7 y 9

  • 1776

    13 de junio. Goya solicita, sin éxito, su nombramiento como pintor del rey

    30 de octubre. Comienza la serie de cartones para tapices destinada al comedor de los príncipes de Asturias en el palacio de El Pardo. Firma el correspondiente a La merienda (Museo del Prado), ya como obra de “invención mia”

  • (…)

3bde20c4c3

 

 

23a1eef0c6

 

 

83fbece8de

 

 

1245065187_0

  • 1812

    19 de marzo. Las cortes generales de Cádiz promulgan la Constitución española, conocida como la Constitución de 1812

    9 de junio. Goya y su hijo otorgan poder para la administración de sus bienes

    20 de junio. Muere Josefa Bayeu

    22 de julio. Victoria de Wellington contra los franceses en la batalla de Arapiles. José I abandona de nuevo la capital y se refugia en Valencia. En invierno regresa a Madrid

    28 de agosto. Goya comunica a Francisco Durán el deseo del duque de Wellington de que su retrato ecuestre, pintado por él, se muestre en las salas de la Academia de San Fernando

    28 de octubre. Testamentaría de Josefa Bayeu. Javier recibe la casa de la calle Valverde y las pinturas que se encuentran en ella

  • 1813

    2 de enero. Goya supervisa a Felipe Abas en el descubrimiento del retrato de José Bonaparte en la Alegoría de Madrid (Museo de Historia, Madrid), cubierto tras la primera salida del rey intruso

    13 de junio. Las tropas francesas abandonan definitivamente la península después de su derrota en la batalla de Vitoria

    11 de diciembre. Firma del tratado de Valençay, por el que Napoleón devuelve el trono de España a Fernando VII

  • 1814

    24 de febrero. Encargo de El Dos y El Tres de mayo de 1808(Museo del Prado), destinados a Fernando VII, para lo que el pintor solicita una ayuda que se le concede el 9 de marzo

    16 de abril. Fernando VII desembarca en Valencia. El general Elío, al mando del ejército español, presenta al rey el “Manifiesto de los Persas”, por el que los absolutistas piden al rey que detenga el proceso constitucional

    4 de mayo. Fernando VII declara nulos los decretos de las Cortes de Cádiz y la Constitución de 1812. El rey entra en Madrid el día 10 de ese mes, disuelve las Cortes y da comienzo el período absolutista, así como la persecución de afrancesados y liberales. El duque de San Carlos es nombrado Secretario de Estado

    5 de julio. Goya asiste a la primera Junta de la Academia presidida por Fernando VII

    2 de octubre. Nace María del Rosario Weiss, hija de Isidoro Weiss y de Leocadia Zorrilla, considerada sin fundamento por algunos como hija de Goya

    Noviembre. Inicio del proceso de depuración de los funcionarios de Palacio, que Goya pasa, junto con su hijo, en abril del año siguiente. Sus salarios, pensiones y derechos civiles se confirman

    15 de diciembre. El Diario de Madrid publica un elogio sobre el retrato de la duquesa de Osuna, reproducido en una estampa según un dibujo de Goya de 1794 en Galería de mugeres fuertesdel padre Pierre le Moyne, traducido al castellano ese mismo año

    Fabricación de pólvora y Fabricación de balas, bocetos del período de la guerra, adquiridos por Fernando VII (Palacio de la Zarzuela, Madrid). El duque de San Carlos (Museo de Bellas Artes, Zaragoza), Fernando VII con manto real (Museo del Prado) y El general Palafox a caballo (Museo del Prado)

  • 1815

    Leocadia Zorrilla, prima de la nuera de Goya, entra como ama de llaves en la casa de Goya, al separarse de su marido. Lleva consigo a sus dos hijos, Rosario y Guillermo Weiss

    16 de marzo. El Tribunal de la Inquisición le requiere para que proporcione información sobre la Maja desnuda y la Maja vestida (Museo del Prado), incautadas con los bienes de Godoy, por ser consideradas obscenas, pero no se conserva, si la hubo, contestación del artista

    Retrato del grabador Rafael Esteve (Museo de Bellas Artes, Valencia). Pinta La Junta General de la Real Compañía de Filipinas (Musée Goya, Castres) y el Autorretrato fechado en ese año (Museo del Prado)

  • 1816

    Inicio de los aguafuertes de los Disparates y de los dibujos delÁlbum E

    28 de octubre. El Diario de Madrid anuncia la publicación de los treinta y tres aguafuertes de la Tauromaquia, comenzados en 1815

    X duque de Osuna (Musée Bonnat, Bayona). La duquesa de Abrantes (Museo del Prado). La caridad de santa Isabel de Portugal, último encargo de la corona a Goya (Palacio Real, Madrid)

  • 1817

    Septiembre. A través de Ceán Bermúdez recibe el encargo del cabildo de la catedral de Sevilla para pintar las Santas Justas y Rufina para la Sacristía de los Cálices (in situ)

    A partir de este año, y hasta 1820, se pueden fechar los dibujos del Álbum F

  • 1818

    En torno a este año inicia la serie de los aguafuertes de losDisparates conocidos también como Proverbios

 

  • 1819

    Febrero. La instalación en Madrid de una prensa litográfica hace que Goya se interese por esta nueva técnica, que aprende entonces

    27 de febrero. Adquiere una casa de campo a orillas del río Manzanares, conocida ya entonces como Quinta del Sordo, cuyas paredes se decorarán con las Pinturas Negras

    Mayo. Encargo de la Última comunión de San José de Calasanz para la iglesia de San Antón del colegio de padres escolapios de Madrid (colección Padres Escolapios, Madrid). El cuadro se cuelga el 27 de agosto

    Invierno. Goya cae gravemente enfermo. Retrata después al médico que le atendió, el doctor Arrieta (Minneapolis Institute of Arts)

  • 1820

    1 de enero. Sublevación liberal del teniente coronel Rafael Riego en Las Cabezas de San Juan (Sevilla). El rey jura la Constitución de 1812 y se inicia el Trienio Liberal

    4 de abril. Goya asiste por última vez a una sesión de la Academia de San Fernando. Jura lealtad a la Constitución y al rey

    13 de abril. Se le denomina “el príncipe de los pintores españoles” en El Conservador

    Retrato de Tiburcio Pérez y Cuervo (Metropolitan Museum, Nueva York)

803057f8c1

  • 1823

    7 de abril. Entrada en España de los 100.000 Hijos de San Luis, bajo el mando del duque de Angulema, en apoyo de Fernando VII y del absolutismo

    23 de septiembre. Goya lega la Quinta a su nieto Mariano

    Retratos de José Duaso y Latre (Museo de Bellas Artes, Sevilla) y Ramón Satué (Rijksmuseum, Amsterdam)

  • 1824

    30 de mayo. Goya marcha a Francia, con licencia del rey de seis meses y abono de sus sueldos, para tomar las aguas en Plombières (Vosgues)

    24 de junio. Camino de París, se aloja en Burdeos con Moratín, quien estaba en el exilio desde el final de la guerra y que vivía en el colegio establecido por otro político exiliado, Francisco Silvela. En una carta del 27 de junio, Moratín cuenta que “llegó Goya, sordo, viejo, torpe y débil y sin saber una palabra de francés, y tan contento y tan deseoso de ver mundo. Aún estuvo tres días… dos de ellos comió con nosotros en calidad de joven alumno”

    30 de junio. Goya llega a París, con una carta de presentación de Moratín para Vicente González Arnao. Se instala en el hotel Favart, en el número 5 de la rue de Marivaux. Durante su estancia, el artista se relaciona con algunos de sus antiguos patronos y mecenas, ahora en el exilio. Es vigilado discretamente por la policía, que registra sus visitas a los monumentos de la ciudad

    Fin. agosto. Goya pudo ver el Salon del Louvre, donde se exhibieron, entre otras, obras de Ingres, Delacroix y Constable, y una sala estaba dedicada por primera vez a la litografía, arte de moda. Pinta los retratos de Joaquín María Ferrer y de su esposa, Manuela Álvarez Coiñas de Ferrer (colección privada, Suiza)

    1 de septiembre. Abandona París y se dirige a Burdeos en compañía de su consuegro, Martín Miguel de Goicoechea, y de la hija de éste, Manuela, y su marido Francisco de Muguiro. En Burdeos vive en la calle Esprit des Lois

    14 de septiembre. Leocadia Weiss y sus hijos, Guillermo y Rosario, llegan a Bayona. Se reúnen con Goya en Burdeos antes del día 20

    28 de octubre. Goya, Leocadia Weiss y sus hijos se instalan en una casa en el número 24-25 del Cours de Tourny

    Inicia la serie de dibujos de los Álbumes G y H, que le ocupan hasta su fallecimiento cuatro años después. Retrato de Leandro Fernández Moratín (Museo de Bellas Artes de Bilbao)

  • 1825

    13 de enero. Se prorroga su licencia por otros seis meses

    19 de mayo. Cae enfermo y los médicos diagnostican que su estado es irreversible

    4 de julio. Fernando VII le concede otro año de permiso

    30 de octubre. Reside en una nueva casa, en el número 10 del camino de la Croix-Blanche

    Noviembre-diciembre. El editor Ciprien Gaulon, en Burdeos, registra la edición de un juego de 100 ejemplares de las cuatro litografías de los Toros de Burdeos

    20 de diciembre. Escribe a Ferrer sobre las litografías de losToros de Burdeos, con la esperanza de que se vendan en París, y le anuncia que ha pintado una serie de cuarenta miniaturas sobre marfil “más como los pinceles de Velázquez que los de Mengs”

  • 1826

    30 de mayo. Tras viajar a Madrid, Goya presenta personalmente su petición de retiro. Vicente López le retrata (Museo del Prado)

    17 de junio. El rey le concede la jubilación con los 50.000 reales anuales de su sueldo, así como la licencia para regresar a Francia. Antes del 15 de julio, marcha de nuevo a Burdeos

    Retrata al banquero Jacques Galos, con quien había depositado fondos para su nieto Mariano (The Barnes Foundation, Merion, Pensilvania)

  • 1827

    Verano. Goya visita Madrid por asuntos económicos y familiares

    20 de septiembre. Figura en la aduana de Bayona camino de París, aunque tal vez se quedase en Burdeos definitivamente

    Retrato de Juan Bautista de Muguiro (Museo del Prado)

  • 1828

    28 de marzo. Su nuera y su nieto Mariano llegan a Burdeos, donde encuentran a Goya muy enfermo

    1 de abril. Escribe a su hijo Javier la que será su última carta

    16 de abril. Goya muere en Burdeos en su casa de la rue du Fossés de l’Intendence 39, hacia las 2 de la madrugada, acompañado por el joven artista Antonio Brugada y José Pío de Molina. Se le entierra junto a Martín Miguel de Goicoechea, su consuegro, en el cementerio de la Chartreuse

    21 de abril. Javier Goya llega a Burdeos y una semana después regresa a España junto con su familia, llevándose consigo todas las obras de arte de su padre que estaban en la casa de Burdeos. Deja a Leocadia Weiss los muebles, las ropas y 1000 francos

    En 1901 los restos de Goya, mezclados con los de su consuegro, son exhumados y trasladados a Madrid

    En 1919, es enterrado en la Ermita de San Antonio de la Florida de Madrid

FUENTE: http://www.museodelprado.es

 

 

Estándar