ARQUITECTURA, el artista

PIERRE FONTAINE (FRANCIA,1762-1853)

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Français : Vue de la place Dauphine et de la fontaine Percier (Charles Percier, architecte) en hommage au général Louis Charles Antoine Desaix. Dessin à la plume et encre de Chine sur papier gris, 12,5 x 11,2 cm, par Jacques François Joseph Swebach-Desfontaines (1769-1823), en provenance de la collection Hippolyte Destailleur. (Photo credit: Wikipedia)

Français : Plan du palais conçu par Pierre Fon...

Français : Plan du palais conçu par Pierre Fontaine et Charles Percier pour le Roi de Rome. (Photo credit: Wikipedia)

Cappella castellani, monum. a luisa stolberg (...

Cappella castellani, monum. a luisa stolberg (m. 1824) di luigi giovannozzi e emilio santarelli su dis. di charles percier.JPG (Photo credit: Wikipedia)

Saint-Pierre-Saint-Paul church (i.e. Saints Pe...

Saint-Pierre-Saint-Paul church (i.e. Saints Peter and Paul church) in Rueil-Malmaison (Hauts-de-Seine, France) (Photo credit: Wikipedia)

No Mans Land, Flanders Field, France, 1919 (LOC)

No Mans Land, Flanders Field, France, 1919 (LOC) (Photo credit: The Library of Congress)

British autos with cannon in France  (LOC)

British autos with cannon in France (LOC) (Photo credit: The Library of Congress)

FUENTE:

http://www.epdlp.com

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PIERRE FONTAINE

Castillo de Malmaison (fachada) (1799)

Arquitecto: Charles Percier & Pierre Fontaine
Ciudad: Rueil-Malmaison (Ile de France)
País: Francia, Europa

Rue de Rivoli (1806)

Arquitecto: Charles Percier & Pierre Fontaine
Dirección: desde la calle de Sévigné hasta la plaza de la Concordia
Ciudad: París (Ile de France)
País: Francia, Europa

Arco del Carrusel (1808)

Arquitecto: Charles Percier & Pierre Fontaine
Dirección: Plaza del Carrusel, s/n
Ciudad: París (Ile de France)
País: Francia, Europa

Biografía:


  Arquitecto y diseñador francés nacido en París. Junto a Charles Percier (1764-1838) desarrolló el llamado Estilo Imperio. Su colaboración comenzó en el año 1794 cuando se conocieron en Roma, y desde entonces su trabajo conjunto se extendió durante treinta años, interviniendo en la construcción de estructuras de prestigio como las reformas en el Museo del Louvre (gran galería), el acondicionamiento interior del Palacio de las Tullerías y el Arco de Triunfo del Carrusel (1808). Ambos incorporaron elementos del arte de la antigüedad en los diseños para su propia obra, esforzándose siempre en la armonía entre un edificio y su ajuste, un cuarto y sus características decorativas. Sus directrices quedaron plasmadas en el “Informe sobre la decoración de interiores” que publicaron en 1812. Fontaine y Percier fueron oficiales d’honneur francés de Légion por sus contribuciones al arte.

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Pierre-François-Léonard Fontaine

Pierre-François-Léonard Fontaine (Pontoise10 de septiembre de 1762 – París13 de octubre de 1853) era un arquitecto francés.

Como arquitecto oficial de Napoleón fue exponente de primera línea de la arquitectura neoclásica, y junto con su colega Charles Percier contribuyó de manera esencial al desarrollo del Estilo Imperio. Los dos se conocían desde que eran estudiantes y forjaron una larga amistad; más tarde serían sepultados en el mismo lugar.

Fontaine fue quien ideó el proyecto de la Avenida de los Campos Elíseos. Trabajó en importantes proyectos de restauración, como el del Castillo de Chambord.

Con la llegada de la Restauración, continuó su carrera como arquitecto del rey Luis XVIII de Francia.

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Rue de Rivoli as it runs along the north wing of the Musée du Louvre, Paris, France (Photo credit: Wikipedia)

The Arc de Triomphe (Arch of Triumph), at the ...

The Arc de Triomphe (Arch of Triumph), at the center of the place Charles de Gaulle, Paris. (Photo credit: Wikipedia)

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el artista, PINTORES EUROPEOS

HENRI-CAMILLE DANGER (FRANCIA,1857-1940)

Harem baths

Harem baths (Photo credit: Wikipedia)

Jean-Léon Gérôme

Jean-Léon Gérôme (Photo credit: Wikipedia)

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I believe this a higher-resolution version than has previously been available on the web. However, it has been suggested to me that in a reproduction of this date the colours would have been simulated rather than reproduced directly, and therefore may not precisely match those of the actual painting. (Photo credit: Wikipedia)

Les Lucioles (1896)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 82,6 x 112,4 cm.
Localización: Colección particular
Autor: Henri-Camille Danger

Apolo (1900)

Descripción: Dibujo.
Localización: Colección particular
Autor: Henri-Camille Danger

Fléau! (1901)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 180,5 x 144,5 cm.
Localización: Musée d’Orsay. Paris
Autor: Henri-Camille Danger

Afrodita y Eros (1917)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 203.8 x 202.5 cm.
Localización: Colección particular
Autor: Henri-Camille Danger

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English: Photography of Statue “Tanagra” by Jean-Léon Gérôme Français : Photographie de la Statue “Tanagra” de Jean-Léon Gérôme (Photo credit: Wikipedia)

HENRI-CAMILLE DANGER

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Biografía:


    Pintor academicista y diseñador de tapices francés, ganador del Premio de Roma en 1887. Alumno del muy dotado Jean-Léon Gérôme, es el artífice de una pintura por lo general desvaída y convencional, en la que exprime la manera neoclásica tiempo ha agotada; este carácter anacrónico, tanto en la técnica -anónima- como en el desgastado contenido -con cierta predilección por los asuntos mitológicos-, vincula la obra de Danger al “kitsch” decimonónico, pese a que su producción se adentre en el siglo XX. No obstante, la obra de Danger cuenta con algunas telas singulares, a juzgar al menos por la temática, de acusada rareza: la más sorprendente de ellas es la escena alegórica “¡Plaga!” (1901), en la que un gigante desnudo, maza en mano, destruye y masacra cuanto a su paso encuentra. 

FUENTE:

http://www.epdlp.com

Français : «Consummatum est», h/t, 63.5 x 98 c...

Français : «Consummatum est», h/t, 63.5 x 98 cm, Musée d’Orsay, Paris (Photo credit: Wikipedia)

Reception of Le Grand Condé at Versailles by J...

Reception of Le Grand Condé at Versailles by Jean-Léon Gérôme (1878). (Photo credit: Wikipedia)

"Summer Afternoon on a Lake" by Jean...

“Summer Afternoon on a Lake” by Jean-Léon Gérôme (Photo credit: Wikipedia)

Jean Leon Gerome

Pintor francés, dibujante y escultor
nacido el 11 de mayo de 1824 – murió 1904

Nacido en: Vesoul (Haute-Saône, Franche-Comté, Francia)
Fallecida en: Paris (Departement de Ville de París, Ile-de-France, Francia)

También conocido como:
Jean Leon Gerome
Nacionalidad:
Francés
Estudiante de:
Paul Delaroche (1797-1856), Charles Gleyre (1808-1874)
Maestro de:
Gunnar Berndtson (1854-1895), Jean Jacques Berne-Bellecour (1874 -),Charles Bittinger (1879-1970), Walter Blackman (1847-1928), Gustave Bourgain (Gustave Bourgain) (1856-1921), Dennis Miller Bunker ( 1861-1890),Mary Cassatt (1844-1926), Kenyon Cox (1856-1919), Pascal-Adolphe-Jean Dagnan-Bouveret (Pascal Adolphe Jean Dagnan Bouveret) (1852-1929), Henri Camille Peligro (1857-1937) , William DeLeftwich de Dodge (1867-1935),Charles-Henri-Carle Dupont (1872 -), Albert Edelfelt (1854-1905), Henry d’Estienne (1872-1949), Jean Louis Forain (1852-1931), Emanuel Phillips Fox(1865-1915), Antonio de la Gándara (1861-1917), Leon Glaize (1842-1932),Gabriel Guay (1848 -), Jules-Auguste Habert-Dys (1850 -), Hamdy Osman-Bey (Osman Hamdy Bey) (1842-1910), Vlastimil Hofmann (1881-1970), Vojtech Hynais (1854-1925), Ernst Josephson (1851-1906), Konstanty Laszczka (1865-1956), Jean-Jules-Antoine Lecomte du Nouy (Jean Jules Antoine Lecomte du Nouy) (1842-1923), Henry Siddons Mowbray (1858-1928), Lawton Silas Parker(1868-1954), William McGregor Paxton (1869-1941), Fernand Pelez de Córdova(1820-1899), Harper Pennington (1853-1920), William Lamb Picknell (1853-1897), Jean Francois Raffaelli (1850-1924), Theodore Robinson (1852-1896),rollo de Alfred (1846-1919), Helene Schjerfbeck (1862-1946), Julius LeBlanc Stewart (1855-1919), Abbott Handerson Thayer (1849-1921), Julian Alden Weir (1852-1919), Frederick Arthur Bridgman (1847-1928), Thomas Eakins(1844-1916), Oscar Pereira da Silva (1865 – 1939), Augusto Rodrigues Duarte(1848-1888), Emile Aubry (Émile Aubry) (1880-1964)
Información biográfica


Pintor francés, nació el 11 de mayo 1824 en Vesoul (Haute-Saône). Se fue a París en 1841 y trabajó con Paul Delaroche , a quien acompañó a Italia (1844-1845). A su regreso se exhibióLa pelea de gallos , que le ganó una medalla de tercera clase en el Salón de 1847. La Virgen con Cristo y St John y Anacreonte, Baco y Cupido se llevó una medalla de segunda clase en 1848. Expuso Baco y el Amor, Borracho , un griego del Interior y Souvenir d’Italie , en 1851;Paestum (1852), y un idilio . (1853) En 1854 Gérôme hizo un viaje a Turquía y las orillas del Danubio, y en 1857 visitó Egipto. Para la exposición de 1855 que contribuyó con un Pifferaro ,un pastor , un concierto de Rusia y un gran lienzo histórico, la Edad de Augusto y el nacimiento de Cristo . El último fue un poco confusa, en efecto, pero en reconocimiento a su capacidad de consumar el Estado lo adquirió. Reputación Gérôme fue mucho mayor en el Salón de 1857 por una colección de obras de carácter más popular: el Duelo: después de un baile de máscaras , los reclutas de Egipto cruzando el desierto , Memnón y Sesostris y los camellos de riego , el dibujo de la cual fue criticada por Edmond About . EnCaesar (1859) Gérôme intentó regresar a una clase más severa de la obra, pero la imagen no logró interesar al público. Friné ante el Areópago , Le Roi Candaule y Sócrates, Alcibíades encontrar en la casa de Aspasia (1861) dio lugar a un escándalo a causa de los temas seleccionados por el pintor, y trajo sobre él los ataques amargo de Paul de Saint-Victor y Maxime Ducamps. Al mismo Salon expuso el egipcio de paja cortar y picar a un aguafuerte de Rembrandt , dos obras muy minucioso acabado. Mejores pinturas de Gérôme son de temas orientales, entre ellos puede ser nombrado el Prisionero de Turquía y Carnicero turca (1863), Oración (1865), El Mercado de esclavos (1867), y el harén a conducir (1869). A menudo se ilustra la historia, como en Louis XIV. y Moliere (1863), la recepción de los embajadores siameses en Fontainebleau (1865) y La muerte del mariscal Ney. (1868) Gérôme también tuvo éxito como escultor, él ejecutó, entre otras obras; Omphale (1887), y el estatua del d’Aumale debido que se encuentra en frente del castillo de Chantilly (1899). Su Bellona (1892), de marfil, metal y piedras preciosas, que también se exhibió en la Royal Academy de Londres, atrajo una gran atención. El artista comenzó una interesante serie de conquistadores , labrado en oro, plata y piedras preciosas – Bonaparte entrar Cairo (1897), Tamerlán (1898) y Federico el Grande (1899). Gérôme fue elegido miembro del Instituto en 1865. Murió en 1904. Fuente: La inscripción en la artista en la Enciclopedia de 1911 Edición .

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Selling Slaves in Rome (Photo credit: Wikipedia)

Jean-Léon Gérôme 006

Jean-Léon Gérôme 006 (Photo credit: Wikipedia)

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Jean-Léon Gérôme 009 (Photo credit: Wikipedia)

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Pool in a Harem. (Photo credit: Wikipedia)

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ARQUITECTURA, ARTE EN EL SIGLO XX, el artista

HENRI DEGLANE (FRANCIA,1855-1931)

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Biografía:


  Arquitecto y académico francés nacido en París, que participó en el diseño y ejecución del Grand Palais de París. Alumno de Louis-Jules André en la École des Beaux-Arts de París, obtuvo el Prix de Rome en 1881 con el tema titulado Un palais, cercle des Beaux-Arts. La beca conseguida le permitió proseguir su formación en la Académie de France de Roma, entre 1882 y 1885. De 1896 a 1900 participó en el diseño y construcción del Grand Palais de París, siendo el encargado de la realización de las naves norte y meridional, de la nave mayor y de su parte transversal, llamada “paddock”, de las fachadas y decorados que le rodean y particularmente, de la entrada principal y el peristilo situado a ambos lados de la “nueva avenida”, futura avenida Nicolás II, después llamada Winston Churchill. Fue elegido miembro de la Académie des Beaux-Arts en 1918.

FUENTE:

http://www.epdlp.com

 

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El Grand Palais des Beaux-Arts, también llamado Grand Palais des Champs-Elysées y popularmente conocido como Grand Palais, (en español «Gran Palacio de las Bellas Artes» o «Gran Palacio»), es un edificio singular de la ciudad de París, situado en los Campos Elíseos, en el VIII arrondissement, conformando un entorno monumental conjuntamente con el Petit Palais y el Puente Alejandro III.

El Grand Palais comenzó a construirse en 1897 para albergar la Exposición Universal de 1900 celebrada del 15 de abril al 12 de noviembre del mismo año, tras un complejo proceso de gestación en el que participaron varios arquitectos,1 en el mismo lugar donde se emplazaba previamente el Palacio de la Industria, realizado para la Exposición de1855.

Destacado por el estilo ecléctico de su arquitectura, denominado estilo Beaux-Arts característico de la Escuela de Bellas Artes de París, el edificio refleja el gusto por la rica decoración y ornamentación en sus fachadas en piedra, el formalismo de su planta y realizaciones hasta entonces novedosas como el gran acristalamiento de su cubierta, su estructura de hierro y acero vista, y el uso del hormigón armado.

Como proclama uno de sus frontones,2 el Grand Palais fue concebido como Monument consacré par la République à la gloire de l’art français, «Monumento consagrado por la República a la gloria del arte francés», sirviendo como lugar de las manifestaciones oficiales de la III República Francesa y símbolo del gusto de una parte de la sociedad de la época. Con el curso del tiempo y la decadencia del estilo Beaux-Arts, el Gran Palacio fue destinado progresivamente a usos diversos como centro para salones técnicos y de exposiciones comerciales de los sectores del automóvil, de la aeronáutica, de las ciencias o del deporte, convirtiéndose en testigo de la evolución del arte moderno y de los avances de la civilización durante el siglo XX.

Desde 1937 alberga el Palais de la découverte destinado a las ciencias aplicadas y desde 1964, las Galeries nationales du Grand Palais para la exposición de colecciones provenientes de museos nacionales franceses.

Edificado sobre un terreno inestable que afectó con el tiempo a su estructura, a término de la prolongada y costosa restauración emprendida en los años 1990, su nave central fue reabierta en 2005 para la celebración de salones y exposiciones temporales variadas.3

El 12 de junio de 1975, la nave central del edificio fue catalogada como Monumento histórico, clasificación que se extendió el 6 de noviembre de 2000 a la totalidad de los 40.000 m² del Grand Palais.4

El Grand Palais albergó el 13 de julio de 2008 la cumbre de jefes de Estado y de Gobierno fundacional de la Unión por el Mediterráneo.

FUENTE:

http://es.wikipedia.org

 

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Concepción del proyecto

Vista del Puente Alejandro III con el Gran Palacio al fondo.

Tras la decisión tomada por el gobierno francés en 1892 de organizar una nueva exposición universal en 1900, la comisión preparatoria de la misma recomendó la demolición del Palacio de la Industria, construido en 1855, y la edificación de un nuevo edificio que mejorara el entorno urbanístico de la explanada donde tendría lugar el evento, de manera que pudiera abrirse una amplia vía que enlazara en perspectiva el eje de la plaza de los Inválidos con la avenida de los Campos Elíseos.6 Una vez redactado el plan, por decreto de 22 de abril de 1896 se decidió la organización de un concurso de ideas entre arquitectos para su diseño,7 pero contrariamente a lo previsto para las edificaciones de la Ópera Garnier, en 1875, o la del antiguo palacio del Trocadero, en 1878, el concurso no tuvo carácter internacional y se reservó únicamente a la participación de arquitectos de nacionalidad francesa.

Vista de la cubierta del «Gran Palacio» y de su bóveda acristalada que se eleva a 60 m de altura.

Tras un agrio debate entre los organizadores, la prensa y el gran público, no se pudo elegir a un único ganador, por lo que fue seleccionado un equipo de cuatro arquitectos para que realizaran una síntesis de sus propuestas y consensuaran un proyecto común. La dirección general se encargó a Charles-Louis Girault, mientras que los otros tres arquitectos, DeglaneLouvet y Thomas se especializaron cada uno en la construcción de las diferentes secciones del edificio:8

  • Charles-Louis Girault (Cosne-Cours-sur-Loire, 1851 – † París, 1932): Encargado de la dirección general de la obra, supervisó la puesta a punto definitiva de los planos. Debió asegurar, al mismo tiempo, la maestría de la obra del Petit Palais, después convertido en el Museo de Bellas Artes de París.7
  • Henri-Adolphe-Auguste Deglane (París, 1855 – † París, 1931): Fue el encargado de la realización de las naves norte y meridional, de la nave mayor y de su parte transversal, llamada «paddock», de las fachadas y decorado con frisos y mosaicos, que lo rodean, y en particular de la entrada principal y el peristilo situado a ambos lados de la «nueva avenida», futura avenida Nicolás II, después llamada Winston Churchill.7
  • Louis-Albert Louvet (París, 1860 – † París, 1936): Autor del plano, tuvo la responsabilidad de edificar la sección central, que conecta de manera simétrica las obras de Deglane y Thomas, incluyendo el «Salón de honor». En coordinación con Deglane, participó también en la gran escalera de honor y la decoración de la pared del fondo del «paddock».7

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ARTE ESPAÑOL, el artista, PINTORES EUROPEOS

JOSÉ DE RIBERA (ESPAÑA,1591-1652)

Puerta de Goya en la fachada norte del Museo d...

Puerta de Goya en la fachada norte del Museo del Prado de Madrid (España). Obra de Juan de Villanueva. En primer plano, monumento a Goya, realizado por Mariano Benlliure e inaugurado en 1902. (Photo credit: Wikipedia)

The Immaculate Conception

The Immaculate Conception (Photo credit: Wikipedia)

Cristo abrazado a la cruz. Óleo sobre lienzo, ...

Cristo abrazado a la cruz. Óleo sobre lienzo, 108 × 78 cm. Madrid, Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

El expolio. Óleo sobre lienzo, 106.8 × 69 cm. ...

El expolio. Óleo sobre lienzo, 106.8 × 69 cm. Madrid, Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

San Sebastián. Óleo sobre lienzo, 115 × 85 cm....

San Sebastián. Óleo sobre lienzo, 115 × 85 cm. Madrid, Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

El Gusto (1616)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 113 x 83 cm.
Localización: Wadsworrth Atheneum. Hartford
Autor: José de Ribera

El Tacto (1616)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 116 x 88 cm.
Localización: Museo Norton Simon. Pasadena. California
Autor: José de Ribera

Platón (1630)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 120 x 99 cm.
Localización: County Museum of Art. Los Angeles
Autor: José de Ribera

Arquímedes (1630)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 125 x 81 cm.
Localización: Museo del Prado. Madrid
Autor: José de Ribera

La mujer barbuda (1631)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 212 x 144 cm.
Localización: Hospital de Tavera. Toledo
Autor: José de Ribera

San Onofre (1637)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 130 x 104 cm.
Localización: Hermitage. San Petersburgo
Autor: José de Ribera

San Pedro (1637)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 205 x 112 cm.
Localización: Museo de Arte Sacro. Vitoria-Gasteiz
Autor: José de Ribera

La desollación de Marsyas (1637)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 182 x 232 cm.
Localización: Museo Capodimonte. Nápoles
Autor: José de Ribera

El martirio de San Felipe (1639)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 234 x 234 cm.
Localización: Museo del Prado. Madrid
Autor: José de Ribera

El patizambo (1642)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 164 x 92 cm.
Localización: Museo del Louvre. París
Autor: José de Ribera

FUENTE:

http://www.epdlp.com

Biografía:


    Pintor barroco español. Nació en Xátiva (Valencia) en 1591 y casi no se conocen datos sobre su primera formación artística, aunque aparece documentado en Italia, concretamente en Parma en 1611. Tras pasar por Roma, donde ingresó en la Academia de San Lucas llegó a Nápoles (1616), ciudad en la que va a desarrollar toda su carrera pictórica hasta su muerte en 1652 como el pintor favorito de los virreyes de España residentes en dicha ciudad, así como de diferentes congregaciones religiosas.

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En Nápoles fue conocido con el sobrenombre de el Españoleto, por su corta estatura. Ribera es el artista del Siglo de oro que participa de una manera más acentuada de los avances estilísticos del naturalismo tenebrista o claroscuro del pintor italiano Caravaggio, en la mayoría de sus dramáticas composiciones religiosas sus figuras destacan siempre gracias al recurso compositivo tenebrista, en el que un foco de luz dirigido en diagonal desde el exterior del cuadro crea las líneas maestras de la composición, dejando generalmente el fondo del cuadro sumido en una gran oscuridad y haciendo aparecer a los personajes muy contrastados con respecto a la luz. De esta forma, en obras como San Andrés (c. 1630-1632, Museo del Prado, Madrid), la representación del apóstol, verista, inmediata, analítica en la caracterización del rostro y el torso, destacando todo lo táctil, figurado a partir de modelos muy vulgares, presenta un claro contraste lumínico entre las zonas de luz y las de sombras. La mayor parte de sus temas pictóricos presentan una iconografía religiosa, el artista plasma de una forma muy explícita e intensamente emocional escenas de martirios como El martirio de San Felipe (1639), en el Museo del Prado, así como representaciones individuales de medias figuras o de cuerpo entero de los apóstoles (Apostolados). Sin embargo, realizó también obras de carácter profano, como figuras de filósofos (Arquímedes, 1630, Museo del Prado), temáticas mitológicas como el Sileno del Museo de Capodimonte de Nápoles de 1626 (es su primer cuadro firmado y fechado), representaciones alegóricas de los sentidos (Alegoría del tacto de 1632, Museo del Prado, conocido como El escultor ciego), y algunos retratos como Retrato de Magdalena Ventura con su marido (1631, Fundación Casa Ducal de Medinaceli, Palacio Lerma de Toledo). Por otro lado, dentro de su evolución estilística debemos destacar un segundo momento en el que Ribera, a partir de la década de 1630, abandona en parte ese tenebrismo caravaggesco tan férreo y se abre a un concepto pictórico más luminista, su paleta se aclara, aparecen en sus obras unos celajes de un vibrante azul junto a una mayor preocupación por el color, con tonalidades más variadas y una pincelada más fluida. Dicho cambio se debe a su propia reinterpretación de la pintura de Tiziano y Pablo Veronés, así como a la influencia que recibe de la pintura de Giovanni Lanfranco y a su conocimiento de la pintura flamenca, ya que tiene acceso a obras de Antonio Van Dyck y Petrus Paulus Rubens presentes en diferentes colecciones privadas napolitanas. Así, en El sueño de Jacob o en La Magdalena fechadas en 1639 y 1640 respectivamente (Museo del Prado), destacan sus típicos cielos azules de esta segunda etapa y la búsqueda de un concepto de perspectiva aérea llena de luminosidad transparente y formas evanescentes y vibrantes. Sin embargo, al final de la década de 1640, Ribera va a experimentar un nuevo cambio estilístico que le vuelve a acercar en cierta medida a las composiciones tenebristas de su primer momento pictórico sin abandonar los avances de su segunda etapa, las causas fueron sus desgraciadas circunstancias personales (una larga enfermedad que le impide casi seguir pintando y la supuesta o posible deshonra sufrida por su hija o sobrina), unidas a los graves problemas de tipo político que se vivían en Nápoles por aquellos años (la revuelta de Masaniello de 1647 contra los virreyes españoles reprimida de forma violenta). Son ejemplos de este momento La Inmaculada Concepción (1650) y San Jerónimo penitente (1652).

English: Museo del Prado, Madrid, Spain

English: Museo del Prado, Madrid, Spain (Photo credit: Wikipedia)

The Holy Trinity, 1577–1579, by El Greco

The Holy Trinity, 1577–1579, by El Greco (Photo credit: Wikipedia)

Rogier van der Weyden's c. 1435 Deposition. Oi...

Rogier van der Weyden’s c. 1435 Deposition. Oil on oak panel, 220cm × 262 cm. Museo del Prado, Madrid (Photo credit: Wikipedia)

Iglesia de la Encarnación y Museo Diocesano de...

Iglesia de la Encarnación y Museo Diocesano de Arte Sacro de Bilbao (Photo credit: agirregabiria)

Museo del Prado

Museo del Prado (Photo credit: Wikipedia)

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ARQUITECTURA, el artista, Historia del arte

RAFAEL MONEO (ESPAÑA,1937)

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Edificio Bankinter (1976)

Arquitecto: Rafael Moneo
Dirección: Paseo de la Castellana, 29
Ciudad: Madrid (Madrid)
País: España, Europa

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Ayuntamiento de Logroño (1980)

Arquitecto: Rafael Moneo
Dirección: Avenida de la Paz, s/n
Ciudad: Logroño (La Rioja)
País: España, Europa

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Museo de Arte Romano (1986)

Arquitecto: Rafael Moneo
Dirección: José Ramón Mélida, s/n
Ciudad: Mérida (Extremadura)
País: España, Europa

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Aeropuerto de San Pablo (Nueva Terminal) (1991)

Arquitecto: Rafael Moneo
Ciudad: Sevilla (Andalucía)
País: España, Europa

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Colegio de Arquitectos (1992)

Arquitecto: Rafael Moneo
Dirección: Sant Llorenç, 20-22
Ciudad: Tarragona (Tarragona-Catalunya)
País: España, Europa

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Estación de Atocha (remodelación) (1992)

Arquitecto: Rafael Moneo
Dirección: Plaza del Emperador Carlos V, s/n
Ciudad: Madrid (Madrid)
País: España, Europa

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Fundación Pilar y Joan Miró (1992)

Arquitecto: Rafael Moneo
Dirección: Joan de Saridakis, 29 – Cala Major
Ciudad: Palma (Baleares)
País: España, Europa

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L’Illa Diagonal (1993)

Arquitecto: Rafael Moneo & Manuel de Solá Morales
Dirección: Diagonal, 557
Ciudad: Barcelona (Barcelona – Catalunya)
País: España, Europa

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Ayuntamiento de Murcia (1998)

Arquitecto: Rafael Moneo
Dirección: Plaza Cardenal Belluga, s/n
Ciudad: Murcia (Murcia)
País: España, Europa

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Biografía:


  Arquitecto español, uno de los más destacados representantes de la arquitectura española contemporánea. Nació en Tudela (Navarra) y estudió en la escuela de Madrid (ETSAM) donde obtuvo el título de arquitecto en 1961. Entre 1958 y 1961 trabajó con el arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oíza y, más tarde, en 1961-1962, con Jørn Utzon en Dinamarca. Ha desarrollado una intensa labor docente, cátedra de Elementos de Composición de la escuela de arquitectura de Barcelona en 1970, profesor invitado por el IAUS de Nueva York en 1976 y en las escuelas de Lausanne, Princeton y Harvard, decano de la Graduate School of Design entre 1985 y 1990. Es autor de obras de reconocido prestigio internacional, entre las que destacan las siguientes: el edificio de Bankinter en Madrid (1972-1976) y el museo de arte romano en Mérida (1980-1986), una poderosa actuación en el casco de esta ciudad, con imponentes fábricas de ladrillo, arquerías de marcada impronta romana y un admirable tratamiento luz-espacio. Más recientemente ha construido la estación de ferrocarril de Atocha en Madrid (1984-1992), un amplio complejo urbano presidido por una gran sala hipóstila, linternas de luz y una torre en diálogo con el edificio de la antigua estación.

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Español: Espacio diáfano del interior del Edificio nuevo de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, España. (Photo credit: Wikipedia)

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English: Paseo de la Castellana (avenue) in Madrid (Spain). In the background, the Puerta de Europa (“Gate of Europe”). Español: Paseo de la Castellana de Madrid (España). Al fondo, la Puerta de Europa. Français : Paseo de la Castellana (avenue) à Madrid (Espagne). En fond, la Porte de l’Europe. (Photo credit: Wikipedia)

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English: The Utzon Center in Aalborg, Denmark, designed by Jørn Utzon and inaugurated in May 2008. (Photo credit: Wikipedia)

 

De 1998 es el auditorio del Kursaal en San Sebastián, junto a la desembocadura del río Urumea, magnífica muestra de integración con la ciudad y el paisaje, conformada por dos grandes volúmenes de vidrio sobre una plataforma general que recoge el trazado urbano. Otras obras suyas son el edificio diagonal en Barcelona, la nueva terminal del aeropuerto de San Pablo de Sevilla (1987-1991), la Fundación Miró, en Palma de Mallorca (1987-1993), y el Museo de Arte y Arquitectura de Estocolmo (proyecto de 1991), una arquitectura discontinua y quebrada que trata de adaptarse a la accidentada orografía del solar. Se podría decir que una de las principales características de Rafael Moneo es que utiliza la Historia como material de construcción. En 1996 le fue concedido el Premio Pritzker de Arquitectura, considerado el galardón más importante del mundo en este campo.

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English: Snowfall in Paseo de la Castellana (avenue) in Madrid (Spain). Español: Nevada en el Paseo de la Castellana de Madrid (España). (Photo credit: Wikipedia)

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Español: Escuela Técnica Superior de Arquitectura, Universidad Politécnica de Madrid, España. (Photo credit: Wikipedia)

Banco España Sevilla

Banco España Sevilla (Photo credit: emildom75)

FUENTE: http://www.epdlp.com

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ARTE EN EL SIGLO XX, el artista

ANTONI TÀPIES (ESPAÑA,1923-2012)

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ANTONI TÀPIES

Biografía:


Pintor y escultor español, nacido en Barcelona, uno de los líderes del informalismo español, cuya influencia será decisiva a nivel internacional. Tàpies inicia su trayectoria artística en el año 1945, tras abandonar sus estudios de derecho y después de una convalecencia por una enfermedad pulmonar que le posibilita el reposo físico y psíquico necesario para el estudio y la reflexión intelectual. Es entonces cuando se acerca a la obras de filósofos como Friedrich NietszcheMiguel de Unamuno y Arthur Schopenhauer, poetas como Edgar Allan Poe, músicos como Richard Wagner o Robert Schumann, y artistas como Vincent van Gogh o la época surrealista de Pablo Picasso. Poco después descubriría a Jean Paul Sartre, cuyo existencialismo marcaría su trayectoria vital y artística. Sobre la base del surrealismo funda en 1948, junto a un grupo de jóvenes artistas e intelectuales catalanes, el grupo Dau al Set, que plantea una opción artística y cultural vanguardista de ruptura con las corrientes convencionales que se desarrollaban por entonces en España.

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En 1950 se le concede una beca de estudios en París, donde toma contacto con las ideas revolucionarias de izquierda y con la pintura abstracta. Ese mismo año realiza su primera exposición individual. En 1951, Tàpies se desliga del grupo Dau al Set e inicia una evolución individual, optando por una línea informalista, abstracta, basada en las investigaciones sobre la materia pictórica como medio expresivo artístico, impone como valor total la materia frente a la forma. De ahí que su obra sea exponente de primer orden de la corriente matérica informalista. A lo largo de su trayectoria utiliza diversos procedimientos. En el collage mezcla elementos heterogéneos con la pasta pictórica aplicada directamente del tubo en forma de empastes gruesos y granulosos, sobre los que realiza huellas, incisiones, surcos y grietas, con los dedos y otros medios. Otras veces usa el grattage, que consiste en el rascado o rayado de superficies como cartón. El objetivo final es una pintura de relieves, orográfica, recreándose en la presentación de texturas rugosas, porosas o granulosas (matéricas en definitiva) que contrastan con superficies lisas, como se observa en su obra Blanco craquelado (1956).

 

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A partir de 1953 hace uso de la técnica denominada mixtura, consistente en la mezcla de pintura al óleo con polvo de mármol, cuya finalidad es, de nuevo, resaltar el carácter matérico de la obra, como en Negro con mancha roja (1954). Otras veces emplea el encolado de superficies. En sus obras se repiten una serie de signos e imágenes que pertenecen al universo simbólico e interior del artista, con claras alusiones al universo, la vida, la muerte o la sexualidad. Entre ellos aparecen en sus composiciones figuras geométricas, más o menos difuminadas o distorsionadas, como el óvalo (Óvalo blanco, 1957), el círculo, el cuadrado (Puerta gris, hacia 1958), más tarde el triángulo (Forma triangular sobre gris, 1961), signos como la cruz, constante a lo largo de su carrera, que puede ser griega, latina, en aspa (Gran equis, 1962), en forma de T, ésta última asociada a la inicial de su apellido, números, letras, entre otros. En este sentido cabe citar Materia negra sobre saco (1960) y Cuerdas entrecruzadas sobre madera (1960). A partir de 1962 comienza una etapa en la que se produce la integración en la obra de objetos cotidianos como cuerdas, platos (Montón de platos, 1970), paja, junto a signos antropomórficos (pie, mano, dedos), como se observa en Blanco con pisadas, que denota un interés por plasmar la huella y presencia humana en sus obras, también aparecen temas y símbolos de carácter sexual (órganos sexuales masculinos y femeninos, paja, mantas, cama…) como en Paja sobre tela. Su gama cromática ha oscilado entre el monocromatismo y colorido neutro con predominio de grises, negros, blancos y ocres y la inclusión de un colorido más vivo, con rojos, naranjas, rosas, amarillos y azules. A partir de la década de 1970 su obra presenta heterogeneidad estilística y, si bien sigue cultivando el informalismo, a veces presenta una realidad objetual integrada por la presentación de elementos cotidianos, por ejemplo en Materia gris en forma de sombrero. Tàpies ha sido considerado precursor del arte povera. Desde la década de 1950 su obra ha gozado de reconocimiento internacional, reflejado en el hecho de la organización de exposiciones sobre su obra por parte de grandes museos y galerías de arte del mundo entero. En 1958 recibió el Premio Carnegie y en 1967 el de la Bienal del Grabado de Ljubljana. Son también numerosos los estudios teóricos realizados por especialistas sobre su obra. Además, ha realizado cerámicas, tapices y esculturas, entre las que cabe destacar su mosaico de la plaza de Sant Boi de Llobregat(Barcelona), sus esculturas públicas Homenaje a Picasso y Núbol i cadira (Nube y silla), ambas inauguradas en Barcelona en 1990, y su polémico Calcetín (1992), de 18 m de largo. En 1990 se inauguró en Barcelona la Fundación Tàpies, creada por iniciativa del propio artista para fomentar y difundir el conocimiento del arte contemporáneo, así como para exponer y conservar su propia obra.

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NIETSZCHE CON SU MADRE

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BIOGRAFÍA DE ARTHUR SCHOPENHAUER 3

 

 

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ARTE EN EL SIGLO XX, el artista, PINTORES EUROPEOS

RENÉ MAGRITTE (BÉLGICA,1898-1967)

El poder blanco (1965)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 81 x 64 cm.
Localización: National Gallery of Art. Washington
Autor: René Magritte

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La gran guerra (1964)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 81 x 60 cm.
Localización: Colección privada
Autor: René Magritte

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Recuerdo de viaje III (1955)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 162.2 x 132.2 cm.
Localización: MOMA. Nueva York
Autor: René Magritte

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Madame Recamier de David (1949)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 60 x 80 cm.
Localización: Colección privada
Autor: René Magritte

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La añoranza (1940)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 100 x 80 cm.
Localización: Galerie Isy Brachot. BruselasParís
Autor: René Magritte

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La condición humana (1935)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 100 x 81 cm.
Localización: Colección Simon Spierer. Ginebra
Autor: René Magritte

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La Traición de las Imágenes (Esto no es una pipa) (1929)

Descripción: Óleo sobre lienzo.
Localización: Colección particular
Autor: René Magritte

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Intentando lo imposible (1928)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 105,6 x 81 cm.
Localización: Galerie Isy Brachot. Bruselas
Autor: René Magritte

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Los amantes (1928)

Descripción: Óleo sobre lienzo.
Localización: Colección particular
Autor: René Magritte

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Autorretrato (1923)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 44 x 36.5 cm.
Localización: Galerie Isy Brachot. Bruselas-París
Autor: René Magritte

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Biografía:


Pintor belga, figura principal del movimiento surrealista. Nació en Lessines y estudió en la Académie Royale des Beaux-Arts, Bruselas. Su primera exposición individual fue en Bruselas en 1927. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en un estilo cercano al surrealismo, que predominó a lo largo de su larga carrera. Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico. Buena muestra de su magnífico hacer es el cuadro La llave de los campos (1936, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), expresión francesa que sugiere la liberación de cualquier restricción mental o física. Aparte de elementos fantásticos, exhibía un ingenio mordaz, creando versiones surrealistas de obras famosas, como en su lienzoMadame Récamier de David (1949, colección privada), en la que el famoso retrato deJacques Louis David es parodiado, al substituir a la mujer por un elaborado ataúd. Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas.

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FUENTE :   http://es.wikipedia.org

 

Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.

Magritte dotó al Surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Biografía

Poco se conoce acerca de los primeros años de Magritte. Nació en Lessines, provincia de Hainaut, en 1898, el mayor de los hijos de Léopold Magritte, sastre y comerciante de telas, y Regina (nacida Bertinchamps). Comenzó sus lecciones de dibujo en 1910. El 12 de marzo de 1912, su madre se suicidó ahogándose en el río Sambre. Éste no fue su primer intento, pues llevaba años intentando quitarse la vida, obligando a su marido Léopold a encerrarla en su dormitorio. Un día ella escapó y estuvo perdida por días. Más tarde fue descubierta, muerta, río abajo. De acuerdo a la leyenda, Magritte, que entonces tenía 13 años, estaba presente cuando el cuerpo fue recuperado del agua, pero recientes investigaciones han desacreditado tal historia. La imagen de su madre flotando, con su vestido cubriendo su cara, puede haber influenciado una serie de pinturas de 1927 a 1928, incluyendo una de sus obras más conocidas, Les Amants, pero el propio Magritte desechaba dicha interpretación del cuadro.

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Realizó sus primeros cursos de pintura en Châtelet. En 1915 comienza a hacer sus primeras obras en la línea del Impresionismo. Entre 1916 y 1918, estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920, junto a Pierre-Louis Flouquet, con quien comparte un estudio. Tras el servicio militar trabaja temporalmente como diseñador en una fábrica de papel. En 1923 participa con Lissitzky,László Moholy-NagyLyonel Feininger y Paul Joostens en una exposición en el Círculo Real Artístico.

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Su obra del periodo 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro, muestran influencias del Cubismo, del Orfismo, del Futurismo y del Purismo.

En 1922 ve una reproducción de La canción de amor, cuadro de Giorgio de Chirico, que le impresiona profundamente, y a partir de 1926 se independiza de las influencias anteriores y basa su estilo en el de este pintor. En 1922 contrajo matrimonio con Georgette Berger, una amiga de juventud, que le sirvió de modelo para alguna de sus obras.

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En obras como La túnica de la aventura (1926) expresa su sentido del misterio del mundo por medio de la irracional yuxtaposición de objetos en una atmósfera silenciosa.

En El asesino amenazado (1926), el espacio perspectivo deriva de De Chirico y de los decorados de los primeros melodramas cinematográficos. En este mismo año se une a otros músicos, escritores y artistas belgas, en un grupo informal comparable al de los surrealistas de París.

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En 1927 se establece en las cercanías de París y participa, durante los tres años siguientes, en las actividades del grupo surrealista (sobre todo, se relaciona con ÉluardBretonArpMiró y Dalí). Aporta al Surrealismo parisino un resurgimiento del ilusionismo. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de debate.

En 1928 participa en la exposición surrealista en la galería Goemans de París.

En 1930 regresa a Bruselas huyendo del ambiente polémico parisino, y allí pasa tranquilo el resto de sus días.

FUENTE: http://www.epdlp.com

 

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