MUSEO DEL PRADO, PINTORES EUROPEOS

MICHELANGELO MERISI CARAVAGGIO (ITALIA,1573-1610)

undefinedLa buenaventura (1594)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 99 x 131 cm.
Localización: Museo del Louvre. París
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedMuchacho con un cesto de frutas (1594)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 70 x 63 cm.
Localización: Galería Borghese. Roma
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedLos músicos (1596)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 92 x 118,5 cm.
Localización: MOMA. Nueva York
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedBaco (1596)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 95 x 85 cm.
Localización: Galería de los Uffizi. Florencia
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedCanasta de frutas (1598)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 31 x 47 cm.
Localización: Pinacoteca Ambrosiana. Milán
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedLa vocación de San Mateo (1600)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 322 x 340 cm.
Localización: Iglesia de San Luis de los Franceses. Roma
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedMadonna del Rosario (1607)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 364 x 249 cm.
Localización: Kunsthistorisches Museum. Viena
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefined David vencedor de Goliath (1607)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 90,5 x 116,5 cm.
Localización: Kunsthistorisches Museum. Viena
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

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Biografía:


    Pintor barroco italiano. Fue uno de los exponentes más destacados de la pintura del naturalismo barroco de comienzos del siglo XVII. Su utilización de modelos populares para pintar sus primeras obras profanas y posteriores composiciones religiosas atrajo la atención de la Contrarreforma por su realismo directo y por su carácter devocional. Fue asimismo muy importante su utilización del claroscuro para imprimir dramatismo en sus obras.

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Su nombre verdadero era Michelangelo Merisi y nació el 28 de septiembre de 1573 en la ciudad de Caravaggio, en Lombardía, de donde tomó su sobrenombre. Fue discípulo de Simone Peterzano en Milán durante cuatro años antes de ir a Roma en 1593, y allí entró a trabajar en el taller del pintor manierista Giuseppe Cesari, también conocido como el Caballero de Arpino, para quien pintó frutas y flores (hoy perdidas). De su primera época conocida tenemos varias obras como el Baco joven (c. 1592, Galería de los Uffizi, Florencia), Muchacho con cesto de frutas (1593, Roma, Galería Borguese) y David, vencedor de Goliat (1607, Museo del Prado, Madrid) y dentro de la pintura de género (escenas de la vida cotidiana) alguna con hombres jóvenes, como Los músicos (1596, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), realizada para su primer mecenas importante, el cardenal Francesco del Monte. Escenas como La Buenaventura (1594, diferentes versiones en el Louvre, París y en el Museo Capitolino, Roma) ejercieron una atracción especial sobre los seguidores del artista. Caravaggio alcanzó la madurez de estilo alrededor de 1600, cuando se le encargó la decoración de la capilla Contarelli en San Luis de los Franceses, en Roma, con tres escenas de la vida de san Mateo, San Mateo y el ángel, Martirio de san Mateo y Vocación de san Mateo (1599-1600), que se caracteriza por la utilización dramática de la luz dirigida, que irrumpe desde un punto por encima de la escena para iluminar el gesto de la mano de Cristo (inspirado en el Adán pintado por Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina) y a otros personajes, muchos de los cuales van vestidos con ropas de la época. Alrededor de 1601 Caravaggio recibe su segundo encargo importante, el de pintar la Conversión de San Pablo y la Crucifixión de san Pedro para la capilla de Santa María del Popolo de Roma. Caravaggio tuvo una vida turbulenta debido a su temperamento violento y pendenciero, lo arrestaron y encarcelaron varias veces. En 1606, lo acusaron de asesinato y huyó de Roma a Nápoles. Allí pasó varios meses realizando obras como La flagelación de Cristo (San Domenico Maggiore, Nápoles), que fue crucial para la evolución del realismo entre los artistas de esa ciudad. A finales de ese mismo año viajó a Malta, donde le nombraron caballero de la Orden de Malta y pintó uno de sus pocos retratos, el del gran maestre de esta orden Alof de Wignacourt (1608, Museo del Louvre). En octubre de 1608 huyó de nuevo, esta vez a Siracusa, en Sicilia. Allí pintó varios lienzos de gran tamaño entre los que se incluyen el Entierro de santa Lucía (1608, Iglesia de Santa Lucía, Siracusa) y La resurrección de Lázaro (1609, Museo Nacional de Mesina). En ellos emplea muchas figuras y utiliza tonos oscuros y violentos efectos de luz para conseguir un gran dramatismo. Estas obras se cuentan entre las últimas de Caravaggio, ya que murió el 18 de julio de 1610, de malaria, en Porto Ercole, Toscana, después de haber sido arrestado por error. Aunque la utilización de un intenso claroscuro y de personajes cotidianos como modelos había surgido ya durante el siglo anterior en el arte del norte de Italia, Caravaggio aportó intensidad dramática y sentido devocional a su pintura, contribuyó al origen del barroco en Roma. A pesar de que sostenía que la naturaleza era su único maestro, es obvio que estudió y asimiló los estilos de los maestros renacentistas, especialmente el de Miguel Ángel. El impacto de Caravaggio fue decisivo en el arte de su época. No tuvo discípulos pero a lo largo del siglo, tanto en Italia como en otros países, floreció una escuela derivada de su estilo naturalista.

 

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MUSEO DEL PRADO, PINTORES EUROPEOS

PINTURA ITALIANA

Después de la escuela española, por calidad y cantidad, se sitúa la italiana, con más de mil cuadros, muchos de ellos procedentes de la Colección Real.

FUENTE:  http://www.museodelprado.es

De la pintura de los siglos XIV y XV, menos valorada hasta el siglo XIX, hubo muy pocas obras en la Colección Real. Precisamente por ello, también está mucho menos representada en el Museo, aunque cuenta con algunas obras maestras del siglo XV de Fra AngelicoMantegna,Antonello de Messina y Botticelli, que ingresaron en el Prado de forma diversa.

La pintura del siglo XVI conforma un conjunto más coherente y completo, que en su mayoría proviene de la Colección Real. De todas las escuelas la mejor representada es la veneciana. Las obras realizadas para Carlos V y Felipe II convirtieron a Tiziano en el artista distintivo de los Habsburgo. Sólo de él se conservan más de cuarenta cuadros en el Prado. Y también se guardan piezas excepcionales de VeronésTintorettoo los Bassano. El extraordinario grupo de obras de Rafael adquiridas por Felipe IV inició el nuevo gusto por el pintor de Urbino, que con los Borbones desplazó a Tiziano como pintor emblemático. También están representados en el Prado otros grandes maestros como Correggio yParmigianino de la escuela de Parma, Sebastiano del Piombo de la de Roma o Andrea del Sarto de la de Florencia.

El conjunto de pinturas del siglo XVII y XVIII italiano es también uno de los más extensos del Museo del Prado, y de nuevo las colecciones reales tienen el mayor protagonismo. Muchas pinturas llegaron gracias a la gestión de los embajadores y virreyes españoles en Roma y Nápoles para decorar el Palacio del Buen Retiro, construido en el siglo XVII. Otro grupo importante se debe a la presencia en España de artistas italianos como Luca GiordanoCorrado Giaquinto o Giambattista Tiepolo.

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AUTOR : TIZIANO,VECELLIO DI GREGORIO

AUTORRETRATO DEL ARTISTA

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AUTORRETRATO DEL ARTISTA ,portando la cadena de Caballero de la Espuela de Oro, honor que le había sido concedido por el emperador Carlos V (1500-1558) junto al nombramiento de conde Palatino, y sujetando un pincel con su mano derecha, en alusión a la condición de pintor que le había llevado a merecer tales reconocimientos.

La luz resalta sobre el fondo y la vestimenta negra los detalles más importantes de la composición, el rostro, la mano, y la cadena. Además, la posición de perfil del retratado ayuda a resaltar la sensación volumétrica y la expresión de su mirada.

Tiziano fue uno de los pintores más preocupados por su imagen, a la que dedicó diversos autorretratos, dos de los cuales se conservan, siendo el del Museo del Prado el más tardío. El retrato lo muestra a la edad de entre 73 y 75 años.

El retrato perteneció a Rubens y fue adquirido en la almoneda celebrada después de su muerte en 1640. En España se cita por primera vez en el Alcázar de Madrid en 1666.

Museo del Prado

Museo del Prado (Photo credit: Wikipedia)

Museo del Prado (Photo credit: Wikipedia)

"Madonna della Scala" (Virgin of the...“Madonna della Scala” (Virgin of the Stairs), Andrea del Sarto, Prado Museum, Madrid, Spain. (Photo credit: Wikipedia)

PINTURA ITALIANA – SIGLO XVIII

Se conserva una importante colección de paisajes y algunas obras que representan acontecimientos relacionados con la familia real española, como la Vista del Palacio de Aranjuez de Battaglioli y el Embarco de Carlos III en Nápoles de Antonio Joli. De Panini es digno de mención el conjunto de tres obras con el tema de ruinas.

Aunque no son muy numerosos, presentan un gran interés los retratos de viajeros del  “Grand Tour”, como Francis Basset, I barón de Dunstanville y George Legge, vizconde de Lewisham de Batoni.

De la amplia colección de Corrado Guiaquinto que guarda el Prado hay que destacar el boceto para la pintura al fresco del Palacio Real de Madrid, El nacimiento del Sol y el triunfo de Baco, y la obra alegórica La justicia y la paz.

La Inmaculada Concepción de Giambattista Tiepolo, los ocho lienzos de la Pasión de Cristo de la iglesia madrileña de San Felipe Neri de su hijo,Giandomenico, y varios retratos al pastel del otro hijo, Lorenzo, sobresalen del conjunto de pinturas que el Prado posee de la familia Tiépolo.

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La Virgen María aparece sobre la bola del Mundo y la media luna, pisando la serpiente del Pecado Original, coronada por la paloma del Espíritu Santo y rodeada por ángeles y por algunos de los símbolos marianos. Éstos son la vara de azucenas, la palmera, la fuente y el espejo. Esta escena muestra la manera tradicional de representar la Inmaculada Concepción de la Virgen, que fue concebida sin pecado original.

La obra fue un encargo Real para la Iglesia de San Pascual de Aranjuez.

El boceto para este lienzo se conserva en las Courtauld Institute Galleries de Londres.

Portrait of Philip V of Spain

Portrait of Philip V of Spain (Photo credit: Wikipedia)

Portrait of Philip V of Spain (Photo credit: Wikipedia)

Fresco in the Palazzo Medici-Riccardi, depicti...

Fresco in the Palazzo Medici-Riccardi, depicting Charon, Morpheus, and other characters from Greek mythology, 1684-1686. (Photo credit: Wikipedia)

Fresco in the Palazzo Medici-Riccardi, depicting Charon, Morpheus, and other characters from Greek mythology, 1684-1686. (Photo credit: Wikipedia)

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ARTE ESPAÑOL, MUSEO DEL PRADO

MUSEO DEL PRADO

Museo del Prado

Museo del Prado (Photo credit: Jim the Chin)

MUSEO DEL PRADO

El Museo del Prado no sólo constituye una de las referencias esenciales de la cultura española: es una representación nutrida y excelente de la producción artística humana. El Centro Virtual Cervantes se acerca, desde esta sección, a los fondos que alberga la pinacoteca madrileña, mediante diversas selecciones temáticas de su pintura.

Jesús en casa de Anás también conocido como Je...

Jesús en casa de Anás también conocido como Jesús ante el Sumo Sacerdote Casón del Buen Retiro. Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

Jesús en casa de Anás también conocido como Jesús ante el Sumo Sacerdote Casón del Buen Retiro. Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

FUENTE: http://cvc.cervantes.es

INFORMACIÓN SOBRE EL MUSEO DEL PRADO

Prado avenue, CienfuegosPrado avenue, Cienfuegos (Photo credit: lezumbalaberenjena)

Español: Casón del Buen Retiro, Madrid.

Español: Casón del Buen Retiro, Madrid. (Photo credit: Wikipedia)

Español: Casón del Buen Retiro, Madrid. (Photo credit: Wikipedia)

Situado en el centro de la ciudad de Madrid, el Museo del Prado constituye en sí mismo, desde 1819, el núcleo de un ámbito artístico muy amplio, que abarca las obras de maestros de todo el mundo. El museo se articula en dos sedes, muy próximas entre sí: el Edificio Villanueva (el más representativo), situado en el Paseo del Prado, y el Casón del Buen Retiro. En octubre de 2007 se ha inaugurado una ampliación del museo que tiene como protagonista el claustro de la vecina iglesia de los Jerónimos.

En las diferentes salas, el visitante del museo puede encontrar no sólo excepcionales ejemplos de la obra pictórica de autores españoles (Goya, Velázquez, Zurbarán…), sino también obras de grandes maestros de otras escuelas (Tiziano, Rubens o El Bosco, por ejemplo), así como muestras de esculturas de gran calidad y otras expresiones artísticas.

El Museo del Prado es una de las principales y más visitadaspinacotecas del mundo. De historia larga y no siempre plácida, cumplió 190 años de existencia en noviembre de 2009. En sus fondos conserva además de pintura, escultura y artes decorativas muchos valiosos secretos, como su repertorio de piezas bibliográficas clásicas relacionadas, entre otras materias, con la teoría del Arte.

Español: Estatua de Velázquez en la entrada de...Español: Estatua de Velázquez en la entrada del Museo del Prado de Madrid (Photo credit: Wikipedia)

Citas en Claroscuro recopila esos comentarios semanales y ofrece además en cada apartado una interesante galería con imágenes ampliadas de las obras que se estudiaron. Es una muestra que creció a la par de «Claroscuro»: las últimas incorporaciones a sus páginas se pueden ver en la sección de Novedades.

OTRAS NOVEDADES:

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LOS ESPAÑOLES PRECURSORES

Durante la Edad Media, la creación pictórica española se desarrolló de acuerdo con los estilos coetáneos predominantes en el resto de la Europa Occidental. Se centraba en su mayor parte en la temática de inspiración religiosa, en dos vertientes: ya fuera para el ornamento de los templos o como amparo de la devoción privada.

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Se reúnen aquí numerosas muestras de ambos aspectos, patentes en Juan de Flandes, destacado autor de la escuela hispanoflamenca del siglo xv, así como en Miguel Ximénez, Jaime Huguet o Pablo de San Leocadio, entre otros muchos ejemplos. A partir de mayo de 2010 se abrieron en el Museo del Prado siete salas nuevas dedicadas a la pintura española desde el Románico al Renacimiento (ver en Espacio Cervantes).

Rostros del Museo del Prado

Los maestros de la pintura siempre mostraron un marcado interés por la representación próxima del ser humano, ya fuese mediante retratos o mediante otro tipo de creaciones. El Centro Virtual Cervantes los invita a un fascinante recorrido por las salas del Museo del Prado, en busca de los rostros y las miradas que quedaron plasmados en los lienzos de los mejores pintores españoles y europeos desde el sigloXII al XIX.

OTROS ROSTROS DE LA PINTURA EUROPEA

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La exposición avanza por tres atractivos caminos:

Maestros españoles: La riqueza de las colecciones del Museo del Prado abarca también, por supuesto, excelentes cuadros firmados por los mejores pintores españoles (Murillo, Ribera, Sánchez Coello…).

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Entre la amplia colección de obras del Museo del Prado, encontramos muy buenos ejemplos de retrato: la célebre obra de El GrecoEl caballero de la mano en el pecho, y también la imagen que Vicente López Portaña nos transmitió del inmortal Goya. Por otra parte, la importancia del retrato cortesano no puede pasar inadvertida: una esencial aportación a este género es la de autores como Alonso Sánchez Coello y Juan Carreño de Miranda. En cuanto a los rostros que podemos encontrar en las obras de género, destacan los de Murillo (La gallega de la moneda) y la representación del filósofo Demócrito que realizó José de Ribera.

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Estos frescos se encontraban primitivamente en la Capilla de la Santa Cruz, en Maderuelo (Segovia). La ausencia de volumen en la pintura románica y los colores planos reducen la mirada a la expresión del rostro, marcada con sencillez mediante contornos oscuros y breves pistas. No se representa a un personaje, sino una idea: el tema religioso del conjunto de pinturas murales (ángeles, escenas de los Evangelios y del Antiguo Testamento)

Maestros europeos: Una muestra de las obras que autores como Rafael, Tiziano y El Bosco dedicaron al rostro y a sus posibilidades expresivas.

Obras del Bosco, Rafael, Tiziano, Antonio Moro, Tintoretto, Jacob Jordaens y Godfried Schalken ilustran una visita a la rica galería de retratos que atesora el Museo del Prado.

A continuación se pueden contemplar algunas de las principales pinturas de estos grandes maestros, que nos muestran al ser humano captado de cerca, tanto en retrato como en pintura de género.

Siempre se afirma que lo importante en un retrato es representar el carácter del personaje, llegar a lo más profundo a través de la mirada, del gesto. El atuendo del modelo e incluso el espacio en que éste aparece nos ofrecen también una información muy valiosa. En este caso, Rafael logró que el cardenal irradiase una cierta distancia, una inteligencia observadora. El fondo, sin detalles, y el logrado juego de brillos tornasolados de la vestimenta cardenalicia no nos distraen del vértice de atención que supone el rostro, pero nos lo ubican en su contexto.

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El espejo: ¿Cómo se veían los autores a sí mismos? Con los autorretratos, muchos grandes nombres de la historia de la pintura nos legaron sus propias imágenes (Durero, Goya, Rembrandt, Velázquez…).

EL ESPEJO

Un autorretrato puede entenderse como un simple ejercicio de estilo por parte de un autor, o como un intento de anunciar su propia existencia ante el mundo (bien de modo arrogante, bien con serena humildad). Para poder representarse a sí mismos, los pintores se contemplan en un espejo. Sin embargo, el espejo en que los autores se contemplan no es una simple superficie bruñida, de cristal o metálica. Más bien es su propio yo, su carácter y sus aspiraciones, expresadas en el tratamiento de color, fondo y atributos con que ellos mismos se trasladan al lienzo. De este género, tan revelador sobre la personalidad del artista, el Museo del Prado ofrece una recopilación de singular interés.

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De los retratos de Durero que se conservan, el presente data de cuando el autor contaba unos 27 años, y nos revela cierto gusto por su propia imagen. El fondo del cuadro representa ventanas abiertas a paisajes lejanos.

En la Europa del Norte, en plena época de la Reforma, los temas religiosos quedaron postergados a favor de los motivos más humanos, laicos y burgueses.

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ARTE ESPAÑOL, MUSEO DEL PRADO

LA BELLEZA ENCERRADA.DE FRA ANGELICO A FORTUNY.EXPOSICIÓN

SALA XIV,SALA XV,SALA XVII

Luis Paret es uno de los artistas más apreciados del siglo XVIII español por la singularidad de su pintura. Viajó a Italia en su juventud, financiado por el infante don Luis de Borbón, para el que ejecutó a su regreso la serie de acuarelas que dejaron constancia de su excepcional colección de Historia Natural, de lo que es ejemplo la Cebra aquí expuesta. Se centró en cuadros de gabinete, como los de delicados floreros y escenas curiosas, de exquisita factura, que evidencian su conocimiento de la pintura francesa coetánea. Así lo demuestra su temprana pintura Baile en máscaras, o las más tardías Ensayo de una comedia y Carlos III comiendo ante su corte, donde la mirada se detiene en las numerosas figuras y en las bien narradas acciones que ejecutan los personajes, así como en la perfección de los gestos y las fisonomías, que revelan la vida alegre y divertida de la sociedad del Antiguo Régimen. El destino de Paret estuvo unido al de su mecenas, a quien sirvió en los asuntos de tercería que le valieron el fulminante destierro en Puerto Rico. De ese período es su Autorretrato, en el que narra la triste situación del pintor y su amor por las artes. El retrato de su mujer, Micaela Fourdinier, muestra su formación clásica en la inscripción en griego que incluye para su «queridísima esposa». Especial interés reviste el cuadrito, recientemente adquirido, que representa a una muchacha durmiendo en una hamaca propia de la América Central y que se exhibe en una «cámara oscura». El pequeño formato y la forzada perspectiva hacen pensar que pudo pintarse como parte de un juego como éste, que aumenta, además, la intimidad sugerida entre el artista y su modelo.

FUENTE: http://www.museodelprado.es

 

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El italiano Vicenzo Lunardi (1759-1806) llegó a Inglaterra como secretario del embajador napolitano. Gran entusiasta de la última moda de ir en globo, fue el primero en elevar uno en Inglaterra. El evento tuvo lugar en 1784, desde un campo de artillería de Londres, ante la mirada de una enorme multitud entre la que se encontraban el príncipe de Gales y muchos miembros de la nobleza; le acompañaban un perro, un gato y una paloma. La pintura sobre cobre de Rigaud representa el segundo vuelo londinense, organizado por Lunardi en 1785, que despegó en St. George`s Fields, en el sur de Londres. A la izquierda aparecen su compañero George Biggin y Leticia Anne Sage, actriz y belleza de la alta sociedad. Junto a ellos Lunardi levanta su sombrero al aire; aunque en realidad, debido a las restricciones del peso, no se uniría a sus compañeros. La tela del globo era una enorme bandera del Reino Unido. Los dos pasajeros del globo almorzaron en pleno vuelo y después aterrizaron en el campo, donde, antes de ser rescatados por unos escolares de la zona, fueron asaltados por un granjero enfadado. Posteriormente, la señora Sage publicó su experiencia como la primera aeronauta de Gran Bretaña. Rigaud pintó esta obra como base para un grabado destinado a sacar partido a la fascinación del público por este acontecimiento. De origen hugonote  francés, John-Francis Rigaud nació en Turín y se formó en Florencia, Bolonia y Roma antes de trasladarse a París, acompañado por su amigo James Barry. En 1771se estableció en Londres, donde el comercio artístico estaba en auge, y se convirtió en un afamado artista de pintura histórica, retratos y proyectos decorativos. En 1784 fue nombrado miembro de la Royal Academy y en 1788 colaboró con la Shakespeare Gallery de John Boydell (Texto extractado de d`Ors, I.: La isla del tesoro. Arte británico del Holbein a Hockney, 2012, p. 147).

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La pintura de pequeño formato del siglo XIX se presenta aquí como la decoración de un abigarrado salón de la época, donde los últimos coletazos de los románticos seguidores de Goya, Alenza o Lucas se unen al preciosismo de artistas más tardíos, como Jiménez Aranda y Pradilla. Reflejaron unos el misterioso mundo de la calle, que había iniciado el primero, con borrachos, brujas, máscaras y sermones de casticismo quimérico; otros se decantaron por escenas de la historia española, en las que la Inquisición y los flagelantes incidían en sus tintas más negras, o en pasajes que bajo una estética recargada y preciosista de imaginación descriptiva y precinematográfica recreaban asuntos románticos y grandiosos. En el siglo de la burguesía por excelencia, brillan las estancias acogedoras y las damas de elegancia discreta, como Luisa Bassecourt, de Madrazo, la exótica y démi-mondaine modelo de Palmaroli o las jóvenes del bohemio estudio de Muñoz Degrain. Todas ellas ponen de relieve el papel fundamental de la mujer, heroína indiscutible y atractiva de ese siglo: Anna Karenina, Madame Bovary,Fortunata y Jacinta, la Regenta, Madeleine Férat, la Dama de las camelias, Thérèse Raquin o… la camarera del Bar del Folies Bergère. Y aún les quedaba ganar el futuro, como a la joven de la playa, que se abstrae en la visión que le otorga la distancia encerrada en sus prismáticos. Un refinadísimo Fortuny, más allá del mundo de París y de Roma que había afectado a todos los artistas españoles del siglo, entra de lleno en el exotismo que ofrece Marruecos y en la delicada vibración decorativa del arte japonés, aunque de elegir uno de sus cuadros, ¿qué tal el jardín entre sol y sombra de su propia casa?

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Una joven de mirada ausente y soñadora parece contemplar un lienzo colocado sobre un caballete, con un gran paño encima, y estampas en un taburete. La indumentaria de tipo japonés, la brillante policromía y la recargada ambientación de la escena, donde prima el efecto decorativo, muestran la extraordinaria influencia de Fortuny y su orientalismo en la pintura de Palmaroli.

Naturalists Johann Reinhold Forster and his so...

Naturalists Johann Reinhold Forster and his son Georg Forster in Tahiti (Photo credit: Wikipedia)

Naturalists Johann Reinhold Forster and his son Georg Forster in Tahiti (Photo credit: Wikipedia)

Folies Bergères costume, from postcard, first ...Folies Bergères costume, from postcard, first decade of 20th century (Photo credit: Wikipedia)

Isabel de Borbón y Borbón en la adolescenciaIsabel de Borbón y Borbón en la adolescencia (Photo credit: aliciaherasperiodista)

Charles III, statue du Real Jardín Botánico de...Charles III, statue du Real Jardín Botánico de Madrid (Photo credit: Wikipedia)

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ARTE ESPAÑOL, MUSEO DEL PRADO

LAS MINIATURAS EN EL MUSEO DEL PRADO.EXPOSICIÓN

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El Museo expone por primera vez una parte representativa –treinta y seis miniaturas y tres pequeños retratos- de su desconocida colección de miniaturas. Durante la presentación de esta muestra, da a conocer también la publicación, que recoge y analiza en profundidad, también por primera vez, las ciento sesenta y cuatro miniaturas y los dieciséis pequeños retratos que conforman esta curiosa e importante parte de sus fondos.

FUENTE: http://www.museodelprado.es

Pintadas al gouache sobre vitela, tablillas de marfil o papel, las miniaturas representan la faceta más íntima de la pintura ya que, en general, pertenecían a la esfera de la vida privada aunque también desempeñaron una función de Estado, pues los monarcas regalaban joyeles con miniaturas a los embajadores y emisarios extranjeros con motivo de su proclamación, matrimonio o por la firma de tratados, convenios y acuerdos. Con una miniatura se reconocían también las buenas acciones militares o el cumplimiento de las misiones encomendadas.

En España, no hubo miniaturas en sentido estricto hasta el siglo XVIII y la función que desempeñaban las miniaturas en otras cortes de Europa aquí la desempeñaban los pequeños retratos, conocido en España como retratico o retrato de faltriquera, de ahí la importancia de los tres ejemplares que se muestran en la exposición. Aún así, la escuela mejor representada en la exposición es la española, con setenta y seis obras, número suficiente para valorar la labor de los miniaturistas españoles y situar a un nutrido grupo de pintores españoles entre los destacados de Europa. Desde ahora, los nombres de Guillermo Ducker, José Alonso del Rivero, Luís de la Cruz y Ríos, Florentino Decraene, Cecilio Corro, Juan Pérez de Villamayor, Manuel Arbós o Antonio Tomasich, tienen el lugar que les corresponde en el Museo del Prado, y permiten conocer con mucho mayor rigor su producción, dada la excepcional calidad de algunas de las miniaturas del Prado. También hay una representación importante de las escuelas austriaca, italiana, francesa, inglesa, alemana y portuguesa, con una cronología que va desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta los inicios del siglo XX. Con motivo de esta publicación, en la mayor parte de las piezas que componen la colección, los técnicos del Museo del Prado han realizado trabajos de conservación y restauración.

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Esta miniatura presenta rasgos afines a las atribuidas a Genaro Boltri. Sus obras se caracterizan por presentar un formato oval, no superar los 40 mm, presentar al modelo de frente mientras la cabeza ocupa la mayor parte del soporte, y, sobre todo, por aplicar el color con un punteado preciso y bien unido en la carnación, el cabello e incluso en los fondos. Al trabajar con formatos tan pequeños, apenas queda sitio para las vestimentas, y lo poco que de ellas aparece está realizado con minúsculas pinceladas aplicadas sobre una base de color para matizar las luces y las sombras, los brillos o los encajes, como vemos en la gorguerilla de la que pende una cinta negra con una cruz. Esta manera de hacer también la empleó para representar las joyas, como puede verse en los pendientes que luce la dama (Texto extractado de Espinosa, Carmen: Las miniaturas en el Museo Nacional del Prado. Catálogo razonado, Madrid, Museo del Prado, 2011).

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Mariano Luis de Urquijo y Musa (1768-1817) estudió Derecho en Madrid y Salamanca. En 1791 tradujo la obra de Voltaire La mort de César, en cuyo preliminar escribió sobre los abusos cometidos por la legislación penal al amparo del Antiguo Régimen, lo que le ocasionó desavenencias con la Inquisición que fueron paliadas por la protección del conde de Floridablanca y del conde de Aranda, mentores en su carrera política. Fue nombrado primer oficial de la Secretaría de Estado en 1792, secretario de la embajada en Londres en 1795 y embajador de la República Bátava (Holanda) en 1797. Recibió la orden de Carlos III en 1798 y al año siguiente fue nombrado secretario de Estado, cargo que desempeñó por espacio de un año hasta que fue sustituido por Pedro Cevallos Guerra. Fue nombrado diputado general de Vizcaya y padre de la provincia en 1800. Tras su cese, fue confinado en Bilbao, encarcelado en el fuerte de San Cristóbal de Pamplona y desterrado en 1805. Fue secretario de la Junta de Bayona, acompañó a la familia real al exilio y reconoció a José Bonaparte como rey, quién le nombró ministro de Estado y le concedió la orden del Toisón de Oro en 1812. Tras la batalla de Vitoria, que consolidó en el trono a Fernando VII, se exilió a Francia renunciando a la nacionalidad española. Urquijo encarnó al prototipo de hombre ilustrado, desarrolló una intensa actividad literaria y defendió el progreso científico y social. Promovió empresas culturales y científicas como el viaje por la América española de Alexander von Humboldt, fue protector de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, del Real Jardín Botánico, del Real Laboratorio Químico y Estudios de Mineralogía, así como del Real Colegio de Medicina, director de la Sociedad Económica de Segovia y de la Real Sociedad Económica Matritense de los Amigos del País. Este retrato puede estar relacionado con los primeros datos que conocemos de la estancia de Guillermo Ducker en Madrid. En 1799, Francisco de Goya intercede por su amigo Ducker ante Urquijo para que le permita salir de la cárcel y pueda realizar unas copias en miniatura de los retratos de sus majestades pues, en opinión de Goya, no hay mejor miniaturista “ni aquí, ni en Francia o Italia, que él para pintarlos”. Urquijo accede a la petición el 4 de diciembre y Ducker se lo agradecerá un par de días más tarde. Tal vez como agradecimiento, Ducker pudo realizar este espléndido retrato, de carácter íntimo, en el que aparece Urquijo desprovisto de cualquier símbolo de poder. En él se refleja la formación francesa de Ducker, que plasmó en esta obra la estética de la miniatura del periodo revolucionario que recuerda las miniaturas de François Dumont (1751-1831) (Texto extractado de Espinosa, Carmen: Las miniaturas en el Museo Nacional del Prado. Catálogo razonado,Madrid, Museo del Prado, 2011).

English: Prado Museum, in Madrid (Spain). Espa...

English: Prado Museum, in Madrid (Spain). Español: Museo del Prado, en Madrid (España). (Photo credit: Wikipedia)

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ARTE ESPAÑOL, MUSEO DEL PRADO

EXPOSICIÓN.LA BELLEZA ENCERRADA.SALA XII Y SALA XIII

Fernando, príncipe de Asturias, boceto prepara...

Fernando, príncipe de Asturias, boceto preparatorio para La familia de Carlos IV (Photo credit: Wikipedia)

English: Detail of the 1723 painting of the fa...English: Detail of the 1723 painting of the family of Felipe V of Spain (King Felipe V and his sons), Jean Ranc (Photo credit: Wikipedia)

Self-portrait.

Self-portrait. (Photo credit: Wikipedia)

Self-portrait. (Photo credit: Wikipedia)

Anton Raphael Mengs - Maria Luisa of Parma - W...

Anton Raphael Mengs – Maria Luisa of Parma – WGA15036 (Photo credit: Wikipedia)

Anton Raphael MengsMaria Luisa of Parma – WGA15036 (Photo credit: Wikipedia)

Español: Palacio Real de La Granja de San Ilde...Español: Palacio Real de La Granja de San Ildefonso, Segovia (España) (Photo credit: Wikipedia)

Charles IV of Spain and His Family

Charles IV of Spain and His Family (Photo credit: Wikipedia)

Charles IV of Spain and His Family (Photo credit: Wikipedia)

Brooklyn Museum - Time Discovering Truth, sket...

Brooklyn Museum – Time Discovering Truth, sketch – Mariano Salvador de Maella (Photo credit: Wikipedia)

Brooklyn Museum – Time Discovering Truth, sketch – Mariano Salvador de Maella (Photo credit: Wikipedia)

Mariano Salvador Maella - Seascape - WGA13811

Mariano Salvador Maella – Seascape – WGA13811 (Photo credit: Wikipedia)

Mariano Salvador Maella – Seascape – WGA13811 (Photo credit: Wikipedia)

Retrete Room.Retrete Room. (Photo credit: Wikipedia)

Juvarra's central section of the garden facade...Juvarra’s central section of the garden facade: the main garden axis seen from the top of the cascade (Photo credit: Wikipedia)

Carlos II de Austria y Mariana de Neoburgo fl anquean la entrada a la primera sala del siglo XVIII, desde donde reciben al visitante los monarcas de la casa de Borbón, instaurada en España en 1700. A los artistas españoles e italianos, tradicionales invitados de la corte española, les suceden ahora los franceses, que importan usos adecuados a las nuevas exigencias del poder. El boceto de la Familia de Felipe V de Jean Ranc, para un cuadro que quedó inconcluso y que desapareció en el incendio del Alcázar (1734), muestra el género del retrato familiar que culminó con la Familia de Carlos IV de Goya (1800). El escenario de la realeza es ahora un acogedor interior palaciego en el que los reyes, el príncipe heredero y los juguetones infantes desprenden un aire de inédita normalidad y cercanía, acompañados de la bella sirvienta con el té, a la manera de una «pieza de conversación» a la moda. Los dos cuadros de Watteau, de poesía recóndita e íntima, figuraban en 1746 en el palacio de La Granja que tanto amaba el rey, y Fiesta en un parque se podría entender como un espejo idealizado de las que se celebraban en los bellos jardines del Sitio Real. Asimismo María Luisa de Parma, del neoclásico Mengs, aparece anunciando su amable carácter, sonriente y bella en su juventud, y el histórico Escorial de los Austria, renovado por los Borbones, brilla al sol en que lo vio Houasse. En la última y revuelta década del siglo, el naufragio de Pillement habla de esa Naturaleza que se reconoce por primera vez como sublime y grandiosa, de la que son meros juguetes los frágiles seres humanos.

Fuente: http://www.museodelprado.es/exposiciones/

 

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La obra es típica de las fiestas galantes de Watteau, pequeñas escenas de comienzos del Rococó que representan placenteras fiestas rodeadas de árboles y naturaleza exuberante llenas de exquisita sensualidad, delicadeza y lirismo. Watteau muestra en estas piezas escrupulosos estudios de la sociedad del momento sin dejar escapar algún toque cínico proveniente de su conocimiento de la escenografía teatral de la Commedia dell Arte. En esta obra el artista ha representado a una serie de parejas y grupos de personajes en el claro de un bosque, presididos por las fuentes de Neptuno, dios de los Océanos, y Ceres, diosa de la fecundidad y del matrimonio. Es un claro ejemplo de su técnica, de pincelada rápida y jugosa, y gran sensibilidad para el uso de la luz, características que tomó de los cuadros barrocos de Pedro Pablo Rubens y de la pintura veneciana. Este cuadro aparece registrado en el inventario de 1746 de la colección de Isabel de Farnesio (1692-1766) en el Palacio de La Granja de San Ildefonso, en 1794 en el Palacio de Aranjuez y en 1814 en el Palacio Real de Madrid.

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Boceto muy acabado para una composición de mayores dimensiones, seguramente para el cuadro del mismo tema que ejecutó con destino al convento de San Pascual de Aranjuez y que se encontraba en el refectorio. En total, Maella realizó con destino a ese convento seis cuadros, sustituyendo cuatro de ellos a los pintados por Tiépolo pocos años antes para la iglesia y que fueron retirados por indicación del padre Eleta, amigo de Mengs y confesor de Carlos III. Los de Maella desaparecieron en 1836.En este boceto, la escena se desarrolla en la penumbra, huyendo de soluciones escenográficas en los fondos, lo que le sirve de pretexto al artista para plantear el juego de luces de gran efectismo, y felices resultados. Lo mismo ocurre con la distribución de las figuras de los apóstoles, muy acertada y de inspiración napolitana. Se completa la secuencia con la presencia de los sirvientes de la mesa que preparan el vino. También las diferentes iconografías son de origen italiano aunque adaptadas a la tradición española. La de Cristo es, tal vez, la menos afortunada. Actitudes, ademanes y gestos, con dinámicos escorzos, animan la composición. Años después, Maella volverá a repetir este tema en el cuadro conservado en el Palacio Real del Pardo, en el que mantiene el mismo esquema, aunque con importantes variantes (Texto extractado de Morales y Marín, J. L.: Mariano Salvador Maella. Vida y Obra, 1996, pp. 102-103).

 

El Alcázar de los Austria ardió en la noche del 24 de diciembre de 1734. Con él desaparecieron pinturas excepcionales de la Colección Real, pero se abrió el camino a la construcción de un nuevo edificio de estética moderna, según el clasicismo a la italiana. La decoración planteada para el centro administrativo del poder de España y para las salas destinadas al rey y a su familia tuvo en cuenta las numerosas pinturas que se salvaron del incendio, que volverían a ocupar los muros de las salas nobles. Lo que seguramente revistió mayor atractivo para los artistas vinculados a la recién fundada Academia de Bellas Artes de San Fernando fue el conjunto de frescos que decorarían esas estancias según la moderna estética neoclásica, basados en complicadas alegorías sobre la historia y los objetivos de la monarquía española. El Pradocuenta con muchos de los bocetos realizados como preparación o presentados al rey para su aceptación, obras que evidencian el estilo personal de sus creadores, y que van desde el carácter rococó, etéreo, ilusorio y colorista de Giaquinto y Tiepolo, hasta un neoclasicismo más puro, inspirado por Mengs, como los perfectos ejemplos de Bayeu. Este conjunto de bocetos representa, además, un género nuevo, ya que su terminación elaborada hizo que se valorasen como pinturas independientes por los conocedores de la época, que los buscaron para decorar los nuevos espacios pequeños y sofisticados de los palacios y palacetes de la época. Junto a estos bocetos se exhiben otros de asunto religioso para frescos de iglesias, claustros y cuadros de altar, como la bella composición de Maella para la catedral de Toledo o los de Bayeu para la colegiata de La Granja.

Portrait of Charles IV of SpainPortrait of Charles IV of Spain (Photo credit: Wikipedia)

Oil on canvasOil on canvas (Photo credit: Wikipedia)

FUENTE : HTTP://WWW.MUSEODELPRADO.ES/
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ARTE ESPAÑOL, MUSEO DEL PRADO

EXPOSICIÓN SALA X Y SALA XI

La maja desnuda (circa 1797–1800), known in En...

La maja desnuda (circa 1797–1800), known in English as The Naked (or Nude) Maja by Francisco de Goya (Photo credit: Wikipedia)

 

La maja desnuda (circa 1797–1800), known in English as The Naked (or Nude) Maja by Francisco de Goya (Photo credit: Wikipedia)

Portrait of René Descartes, dubbed the

Portrait of René Descartes, dubbed the “Father of Modern Philosophy”, after Frans Hals c. 1648 (Photo credit: Wikipedia)

Portrait of René Descartes, dubbed the “Father of Modern Philosophy”, after Frans Hals c. 1648 (Photo credit: Wikipedia)

Heráclito y Demócrito Peter P. Rubens, 1603 Mu...

Heráclito y Demócrito Peter P. Rubens, 1603 Museo del Prado, Madrid (Photo credit: Wikipedia)

Heráclito y Demócrito Peter P. Rubens, 1603 Museo del Prado, Madrid (Photo credit: Wikipedia)

Torquato Tasso

Torquato Tasso (Photo credit: Wikipedia)

Torquato Tasso (Photo credit: Wikipedia)

Portrait of Torquato Tasso

Portrait of Torquato Tasso (Photo credit: Wikipedia)

Portrait of Torquato Tasso (Photo credit: Wikipedia)

Francisco Goméz de Sandoval y Rojas, Duke of L...

Francisco Goméz de Sandoval y Rojas, Duke of Lerma, Spanish statesman, by Peter Paul Rubens (1603). Located in the Prado. (Photo credit: Wikipedia)

Francisco Goméz de Sandoval y Rojas, Duke of Lerma, Spanish statesman, by Peter Paul Rubens (1603). Located in the Prado. (Photo credit: Wikipedia)

Diego Velázquez - Prince Baltasar Carlos on Ho...

Diego Velázquez – Prince Baltasar Carlos on Horseback – WGA24414 (Photo credit: Wikipedia)

Diego Velázquez – Prince Baltasar Carlos on Horseback – WGA24414 (Photo credit: Wikipedia)

English: Óleo sobre lienzo.English: Óleo sobre lienzo. (Photo credit: Wikipedia)

P01832

PERTENECIENTE A LA SERIE DE HISTORIA DE ARMIDA,  FORMADA POR DOCE COBRES (P01825 A P01836), QUE ILUSTRAN  EL POEMA DE LA JERUSALÉN LIBERTADA DE TORCUATO TASSO; LA PRESENTE ESCENA REPRESENTA EL CANTO XVI DE DICHO POEMA.TENIERS INSISTE EN LA REPETICIÓN DE MOTIVOS; REINALDO, CONOCEDOR DE LAS INTRIGAS DE ARMIDA, ABANDONA LA ISLA Y REGRESA AL CAMPAMENTO DE LOS FRANCOS CON UBALDO Y DANÉS. ARMIDA LLORA DESCONSOLADA Y REINALDO LA OBSERVA INCONMOVIBLE PERO PERTURBADO.LA SUGESTIVA NARRACIÓN DE TASSO, SÍNTESIS DE HEROÍSMO Y AMOR, PENETRÓ EN LA MÉDULA TEMÁTICA DEL BARROCO FLAMENCO (TEXTO EXTRACTADO DE DÍAZ PADRÓN, M.: EL SIGLO DE RUBENS EN EL MUSEO DEL PRADO: CATÁLOGO RAZONADO DE PINTURA FLAMENCA DEL SIGLO XVII, 1995, P.1450).

SALA X

Las escenas de las tumbas egipcias, la cabalgata sin fin de los jóvenes de Fidias en el Partenón o las predelas de los retablos, entre otras manifestaciones del arte desde la Antigüedad, evidencian el gusto por representar de forma seriada la vida que pasa ante el artista. En el siglo XVII, cuadros de gabinete presentan de forma independiente, y por medio de este modo fragmentado y cinético, las facetas de un todo: Murillo con los bocetos moralizantes del hijo pródigo, y Teniers con la historia de Reinaldo y Armida de la Jerusalén libertada de Tasso (1580), que inspiró a artistas, músicos y escritores por sus enredos de magia, poder y amor en un escenario exótico. Otro ejemplo lo encontramos en la sala siguiente en la obra de Van Kessel, que logró reunir las cuatro partes del mundo en 68 diminutas escenas, de las que perviven 39, que ilustran el reino animal, así como ciudades y paisajes de los cuatro continentes reconocidos en el XVII, con el sentido globalizador de entonces, que mostraba ingenuamente el sentimiento de poderío de Europa. Un ansia de clasificación científica empieza a invadirlo todo y se extiende también a la psicología, de lo que Descartes, que pasó la mayor parte de su vida en Holanda, es consciente en su Tratado de las pasiones del alma (1649), resumidas en los divertidos monos de Teniers, con su satírico «retrato» de las actividades de hombres y mujeres. El mono pintor se dedica, precisamente, a los irresistibles cuadritos de gabinete que todos coleccionaban. El archiduque Leopoldo, por el contrario, cuelga en su palacio grandes obras maestras de la pintura, reflejo perpetuo del gusto y el prestigio que emanaba entonces de la realeza y la aristocracia.

SALA XI

Tres cuadros del flamenco Wouwerman enlazan esta sala con las anteriores a través de sus paisajes. La sensibilidad nórdica se centra ahora en la amplitud de los horizontes y en la belleza del cielo. En esas tierras abiertas, de lomas verdes, damas y caballeros salen de caza con sus halcones y sus perros, y es así como el artista recrea la vida ordenada de la sociedad de su país. Técnica y asunto anuncian el siglo XVIII, como también, en la pintura religiosa, lo presagia Murillo, cercano a la ternura, colorido y delicadeza de pincel que caracterizan la centuria siguiente. Así lo demuestran las obras de Goya, visibles a través de la hendidura en el muro y conectadas con las de los que le precedieron en la Colección Real. Giordano ilustra excepcionalmente el último barroco decorativo y en el pequeño formato resume la grandeza de sus frescos. En las dos bellas escenas sobre cobre utiliza su proverbial virtuosismo técnico y su reconocida capacidad de imitación, que le acercan a modelos de artistas alemanes como Durero y Lucas van Leyden o al colorido y la suavidad de Correggio. En los retratos ecuestres de Carlos II y Mariana de Neoburgo incorpora la nobleza de los ejemplos de Velázquez, pero también la habilidad de Rubens para introducir la alegoría: la Fe para el rey y la Abundancia para la reina. La constante referencia al mundo clásico aparece en los paisajes de Panini y de Conca, y en su Autorretrato Solimena se presenta ya como un príncipe de la pintura, como había proclamado Durero en el suyo a fines del siglo XV. La sensibilidad lánguida del desnudo del boloñés Creti anuncia ya el Romanticismo.

P00198

MARIANA DE NEOBURGO,REINA DE ESPAÑA,A CABALLO

La reina Mariana de Neoburgo (1664-1740), segunda esposa de Carlos II, lujosamente vestida, cabalga sobre un hermoso caballo blanco. Es evidente en él el deseo de imitar o emular a Velázquez, pues la silueta toda del caballo y la reina, derivan directamente del retrato velazqueño de Doña Isabel de Borbón (Museo del Prado, P01179), y el exquisito toque, aunque a escala reducidísima, parte, también, de los modos de Velázquez. Pero esa intención de emular al pintor sevillano se combinan con elementos alegóricos, propios de Luca Giordano, con los que se introducían temas que obsesionaban a la Monarquía Española, como es el caso de la falta de un descendiente varón, representado en este cuadro a través de ángeles niños que sostienen una cornucopia de la que obtienen flores y frutos, unas náyades que le ofrecen frutos del mar y la representación alegórica de un río, los cuales probablemente aludan a la fertilidad de la soberana.  Se piensa que los retratos pudieran estar en relación con la entrada de la reina en Madrid y evocar de algún modo los retratos que Francesco Rizzi hizo para la entrada de Maria Louisa de Orleáns en 1692, es posible que se pintasen con intención celebrativa, e incluso que retomasen un proyecto de Claudio Coello, en cuyo inventario post mortem de 1693 figuran dos bocetos de Carlos II a caballo. Compañero de Carlos II, rey de España, a caballo (P000197) y de su misma procedencia, no hay sin embargo testimonio de que llegara a pintarse un lienzo de grandes dimensiones con esta composición, aunque quizás se pensase en ello.Como en el caso de su pareja, Carlos II, rey de España, a caballo, el Museo del Prado conserva otro ejemplar, Mariana de Neoburgo, reina de España, a caballo (P02763), de una calidad que permite considerarlo réplica (Texto extractado de Pérez Sánchez, A. E.: Luca Giordano y España, 2000, p. 198; y de Úbeda de los Cobos, A. en: Cortes del Barroco: De Bernini y Velázquez a Luca Giordano, 2003, p. 80).

FUENTE: http://www.museodelprado.es

Español: Detalle del Príncipe Baltasar Carlos ...Español: Detalle del Príncipe Baltasar Carlos a caballo, pintado por Velázquez. Óleo sobre lienzo.209 cm × 173 cm. Museo del Prado (Photo credit: Wikipedia)

 

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