ARTE ESPAÑOL, el artista, PINTORES EUROPEOS

JOSÉ DE RIBERA (ESPAÑA,1591-1652)

Puerta de Goya en la fachada norte del Museo d...

Puerta de Goya en la fachada norte del Museo del Prado de Madrid (España). Obra de Juan de Villanueva. En primer plano, monumento a Goya, realizado por Mariano Benlliure e inaugurado en 1902. (Photo credit: Wikipedia)

The Immaculate Conception

The Immaculate Conception (Photo credit: Wikipedia)

Cristo abrazado a la cruz. Óleo sobre lienzo, ...

Cristo abrazado a la cruz. Óleo sobre lienzo, 108 × 78 cm. Madrid, Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

El expolio. Óleo sobre lienzo, 106.8 × 69 cm. ...

El expolio. Óleo sobre lienzo, 106.8 × 69 cm. Madrid, Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

San Sebastián. Óleo sobre lienzo, 115 × 85 cm....

San Sebastián. Óleo sobre lienzo, 115 × 85 cm. Madrid, Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

El Gusto (1616)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 113 x 83 cm.
Localización: Wadsworrth Atheneum. Hartford
Autor: José de Ribera

El Tacto (1616)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 116 x 88 cm.
Localización: Museo Norton Simon. Pasadena. California
Autor: José de Ribera

Platón (1630)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 120 x 99 cm.
Localización: County Museum of Art. Los Angeles
Autor: José de Ribera

Arquímedes (1630)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 125 x 81 cm.
Localización: Museo del Prado. Madrid
Autor: José de Ribera

La mujer barbuda (1631)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 212 x 144 cm.
Localización: Hospital de Tavera. Toledo
Autor: José de Ribera

San Onofre (1637)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 130 x 104 cm.
Localización: Hermitage. San Petersburgo
Autor: José de Ribera

San Pedro (1637)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 205 x 112 cm.
Localización: Museo de Arte Sacro. Vitoria-Gasteiz
Autor: José de Ribera

La desollación de Marsyas (1637)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 182 x 232 cm.
Localización: Museo Capodimonte. Nápoles
Autor: José de Ribera

El martirio de San Felipe (1639)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 234 x 234 cm.
Localización: Museo del Prado. Madrid
Autor: José de Ribera

El patizambo (1642)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 164 x 92 cm.
Localización: Museo del Louvre. París
Autor: José de Ribera

FUENTE:

http://www.epdlp.com

Biografía:


    Pintor barroco español. Nació en Xátiva (Valencia) en 1591 y casi no se conocen datos sobre su primera formación artística, aunque aparece documentado en Italia, concretamente en Parma en 1611. Tras pasar por Roma, donde ingresó en la Academia de San Lucas llegó a Nápoles (1616), ciudad en la que va a desarrollar toda su carrera pictórica hasta su muerte en 1652 como el pintor favorito de los virreyes de España residentes en dicha ciudad, así como de diferentes congregaciones religiosas.

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En Nápoles fue conocido con el sobrenombre de el Españoleto, por su corta estatura. Ribera es el artista del Siglo de oro que participa de una manera más acentuada de los avances estilísticos del naturalismo tenebrista o claroscuro del pintor italiano Caravaggio, en la mayoría de sus dramáticas composiciones religiosas sus figuras destacan siempre gracias al recurso compositivo tenebrista, en el que un foco de luz dirigido en diagonal desde el exterior del cuadro crea las líneas maestras de la composición, dejando generalmente el fondo del cuadro sumido en una gran oscuridad y haciendo aparecer a los personajes muy contrastados con respecto a la luz. De esta forma, en obras como San Andrés (c. 1630-1632, Museo del Prado, Madrid), la representación del apóstol, verista, inmediata, analítica en la caracterización del rostro y el torso, destacando todo lo táctil, figurado a partir de modelos muy vulgares, presenta un claro contraste lumínico entre las zonas de luz y las de sombras. La mayor parte de sus temas pictóricos presentan una iconografía religiosa, el artista plasma de una forma muy explícita e intensamente emocional escenas de martirios como El martirio de San Felipe (1639), en el Museo del Prado, así como representaciones individuales de medias figuras o de cuerpo entero de los apóstoles (Apostolados). Sin embargo, realizó también obras de carácter profano, como figuras de filósofos (Arquímedes, 1630, Museo del Prado), temáticas mitológicas como el Sileno del Museo de Capodimonte de Nápoles de 1626 (es su primer cuadro firmado y fechado), representaciones alegóricas de los sentidos (Alegoría del tacto de 1632, Museo del Prado, conocido como El escultor ciego), y algunos retratos como Retrato de Magdalena Ventura con su marido (1631, Fundación Casa Ducal de Medinaceli, Palacio Lerma de Toledo). Por otro lado, dentro de su evolución estilística debemos destacar un segundo momento en el que Ribera, a partir de la década de 1630, abandona en parte ese tenebrismo caravaggesco tan férreo y se abre a un concepto pictórico más luminista, su paleta se aclara, aparecen en sus obras unos celajes de un vibrante azul junto a una mayor preocupación por el color, con tonalidades más variadas y una pincelada más fluida. Dicho cambio se debe a su propia reinterpretación de la pintura de Tiziano y Pablo Veronés, así como a la influencia que recibe de la pintura de Giovanni Lanfranco y a su conocimiento de la pintura flamenca, ya que tiene acceso a obras de Antonio Van Dyck y Petrus Paulus Rubens presentes en diferentes colecciones privadas napolitanas. Así, en El sueño de Jacob o en La Magdalena fechadas en 1639 y 1640 respectivamente (Museo del Prado), destacan sus típicos cielos azules de esta segunda etapa y la búsqueda de un concepto de perspectiva aérea llena de luminosidad transparente y formas evanescentes y vibrantes. Sin embargo, al final de la década de 1640, Ribera va a experimentar un nuevo cambio estilístico que le vuelve a acercar en cierta medida a las composiciones tenebristas de su primer momento pictórico sin abandonar los avances de su segunda etapa, las causas fueron sus desgraciadas circunstancias personales (una larga enfermedad que le impide casi seguir pintando y la supuesta o posible deshonra sufrida por su hija o sobrina), unidas a los graves problemas de tipo político que se vivían en Nápoles por aquellos años (la revuelta de Masaniello de 1647 contra los virreyes españoles reprimida de forma violenta). Son ejemplos de este momento La Inmaculada Concepción (1650) y San Jerónimo penitente (1652).

English: Museo del Prado, Madrid, Spain

English: Museo del Prado, Madrid, Spain (Photo credit: Wikipedia)

The Holy Trinity, 1577–1579, by El Greco

The Holy Trinity, 1577–1579, by El Greco (Photo credit: Wikipedia)

Rogier van der Weyden's c. 1435 Deposition. Oi...

Rogier van der Weyden’s c. 1435 Deposition. Oil on oak panel, 220cm × 262 cm. Museo del Prado, Madrid (Photo credit: Wikipedia)

Iglesia de la Encarnación y Museo Diocesano de...

Iglesia de la Encarnación y Museo Diocesano de Arte Sacro de Bilbao (Photo credit: agirregabiria)

Museo del Prado

Museo del Prado (Photo credit: Wikipedia)

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Historia del arte, PINTORES EUROPEOS, PINTURAS IGLESIA

JUAN DE FLANDES (ESPAÑA,1465-1519)

Retablo barroco en la Iglesia de San Lázaro, e...

Retablo barroco en la Iglesia de San Lázaro, en la ciudad de Palencia, Castilla y León, España/Spain (Photo credit: Wikipedia)

Detalle del Retablo Mayor plateresco (siglo XV...

Detalle del Retablo Mayor plateresco (siglo XVI) de la Iglesia de San Lázaro, Palencia, España/Spain (Photo credit: Wikipedia.

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RETRATOS DE JUAN DE FLANDES

Retablo barroco en la Iglesia de San Lázaro, e...

Italiano: Iglesia de San Lazaro en Palencia

Italiano: Iglesia de San Lazaro en Palencia (Photo credit: Wikipedia)

Español: Isabel la Católica, Hacia 1500. Atrib...

Español: Isabel la Católica, Hacia 1500. Atribuido a Juan de Flandes (Photo credit: Wikipedia)

Llevar la cruz (1510)

Descripción: Óleo sobre panel. 116 x 148 cm.
Localización: Catedral de Palencia
Autor: Juan de Flandes

undefinedLa resurrección de Lázaro (1518)

Descripción: Óleo sobre panel. 110 x 84 cm.
Localización: Museo del Prado. Madrid
Autor: Juan de Flandes

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Biografía:


    Pintor flamenco, muerto en Palencia alrededor de 1519. Ejerció su profesión en España. No se tiene ningún dato de él hasta 1496, año en el que están fechados unos documentos que acreditan su trabajo para Isabel la Católica. En éstos, no aparece su apellido y es nombrado por el gentilicio de su nacionalidad. De esta época es el Políptico de Isabel la Católica, del que se conserva algo más de la mitad de las 47 tablitas originales. Su estilo muestra la formación flamenca del artista y la ejecución de sus obras lleva a pensar que cultivó la miniatura. También se aprecian elementos de procedencia italiana. La siguiente prueba documental sitúa a Juan de Flandes en Salamanca en 1505. Fruto de este período son los retablos de la universidad (1505-1508) y de San Miguel. En 1509 lo encontramos afincado en Palencia, donde residiría ya hasta su muerte. En ese mismo año contrató el retablo mayor de la catedral de Palencia, obra monumental en la que se representa la Historia de Cristo en doce tablas. En esta misma ciudad también pintó el retablo de la iglesia de San Lázaro. Se le atribuyen algunos retratos de personajes de la realeza española, como el de Isabel la Católica y el de Felipe el Hermoso y Juana la loca.

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Torre de la Iglesia de San Miguel en Palencia.

Torre de la Iglesia de San Miguel en Palencia. (Photo credit: Wikipedia)

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Cabecera de la Iglesia de San Lázaro, Palencia, España/Spain (Photo credit: Wikipedia)

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MUSEO DEL PRADO, PINTORES EUROPEOS

MICHELANGELO MERISI CARAVAGGIO (ITALIA,1573-1610)

undefinedLa buenaventura (1594)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 99 x 131 cm.
Localización: Museo del Louvre. París
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedMuchacho con un cesto de frutas (1594)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 70 x 63 cm.
Localización: Galería Borghese. Roma
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedLos músicos (1596)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 92 x 118,5 cm.
Localización: MOMA. Nueva York
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedBaco (1596)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 95 x 85 cm.
Localización: Galería de los Uffizi. Florencia
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedCanasta de frutas (1598)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 31 x 47 cm.
Localización: Pinacoteca Ambrosiana. Milán
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedLa vocación de San Mateo (1600)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 322 x 340 cm.
Localización: Iglesia de San Luis de los Franceses. Roma
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedMadonna del Rosario (1607)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 364 x 249 cm.
Localización: Kunsthistorisches Museum. Viena
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefined David vencedor de Goliath (1607)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 90,5 x 116,5 cm.
Localización: Kunsthistorisches Museum. Viena
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

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Biografía:


    Pintor barroco italiano. Fue uno de los exponentes más destacados de la pintura del naturalismo barroco de comienzos del siglo XVII. Su utilización de modelos populares para pintar sus primeras obras profanas y posteriores composiciones religiosas atrajo la atención de la Contrarreforma por su realismo directo y por su carácter devocional. Fue asimismo muy importante su utilización del claroscuro para imprimir dramatismo en sus obras.

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Su nombre verdadero era Michelangelo Merisi y nació el 28 de septiembre de 1573 en la ciudad de Caravaggio, en Lombardía, de donde tomó su sobrenombre. Fue discípulo de Simone Peterzano en Milán durante cuatro años antes de ir a Roma en 1593, y allí entró a trabajar en el taller del pintor manierista Giuseppe Cesari, también conocido como el Caballero de Arpino, para quien pintó frutas y flores (hoy perdidas). De su primera época conocida tenemos varias obras como el Baco joven (c. 1592, Galería de los Uffizi, Florencia), Muchacho con cesto de frutas (1593, Roma, Galería Borguese) y David, vencedor de Goliat (1607, Museo del Prado, Madrid) y dentro de la pintura de género (escenas de la vida cotidiana) alguna con hombres jóvenes, como Los músicos (1596, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), realizada para su primer mecenas importante, el cardenal Francesco del Monte. Escenas como La Buenaventura (1594, diferentes versiones en el Louvre, París y en el Museo Capitolino, Roma) ejercieron una atracción especial sobre los seguidores del artista. Caravaggio alcanzó la madurez de estilo alrededor de 1600, cuando se le encargó la decoración de la capilla Contarelli en San Luis de los Franceses, en Roma, con tres escenas de la vida de san Mateo, San Mateo y el ángel, Martirio de san Mateo y Vocación de san Mateo (1599-1600), que se caracteriza por la utilización dramática de la luz dirigida, que irrumpe desde un punto por encima de la escena para iluminar el gesto de la mano de Cristo (inspirado en el Adán pintado por Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina) y a otros personajes, muchos de los cuales van vestidos con ropas de la época. Alrededor de 1601 Caravaggio recibe su segundo encargo importante, el de pintar la Conversión de San Pablo y la Crucifixión de san Pedro para la capilla de Santa María del Popolo de Roma. Caravaggio tuvo una vida turbulenta debido a su temperamento violento y pendenciero, lo arrestaron y encarcelaron varias veces. En 1606, lo acusaron de asesinato y huyó de Roma a Nápoles. Allí pasó varios meses realizando obras como La flagelación de Cristo (San Domenico Maggiore, Nápoles), que fue crucial para la evolución del realismo entre los artistas de esa ciudad. A finales de ese mismo año viajó a Malta, donde le nombraron caballero de la Orden de Malta y pintó uno de sus pocos retratos, el del gran maestre de esta orden Alof de Wignacourt (1608, Museo del Louvre). En octubre de 1608 huyó de nuevo, esta vez a Siracusa, en Sicilia. Allí pintó varios lienzos de gran tamaño entre los que se incluyen el Entierro de santa Lucía (1608, Iglesia de Santa Lucía, Siracusa) y La resurrección de Lázaro (1609, Museo Nacional de Mesina). En ellos emplea muchas figuras y utiliza tonos oscuros y violentos efectos de luz para conseguir un gran dramatismo. Estas obras se cuentan entre las últimas de Caravaggio, ya que murió el 18 de julio de 1610, de malaria, en Porto Ercole, Toscana, después de haber sido arrestado por error. Aunque la utilización de un intenso claroscuro y de personajes cotidianos como modelos había surgido ya durante el siglo anterior en el arte del norte de Italia, Caravaggio aportó intensidad dramática y sentido devocional a su pintura, contribuyó al origen del barroco en Roma. A pesar de que sostenía que la naturaleza era su único maestro, es obvio que estudió y asimiló los estilos de los maestros renacentistas, especialmente el de Miguel Ángel. El impacto de Caravaggio fue decisivo en el arte de su época. No tuvo discípulos pero a lo largo del siglo, tanto en Italia como en otros países, floreció una escuela derivada de su estilo naturalista.

 

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MUSEO DEL PRADO, PINTORES EUROPEOS

PINTURA ITALIANA

Después de la escuela española, por calidad y cantidad, se sitúa la italiana, con más de mil cuadros, muchos de ellos procedentes de la Colección Real.

FUENTE:  http://www.museodelprado.es

De la pintura de los siglos XIV y XV, menos valorada hasta el siglo XIX, hubo muy pocas obras en la Colección Real. Precisamente por ello, también está mucho menos representada en el Museo, aunque cuenta con algunas obras maestras del siglo XV de Fra AngelicoMantegna,Antonello de Messina y Botticelli, que ingresaron en el Prado de forma diversa.

La pintura del siglo XVI conforma un conjunto más coherente y completo, que en su mayoría proviene de la Colección Real. De todas las escuelas la mejor representada es la veneciana. Las obras realizadas para Carlos V y Felipe II convirtieron a Tiziano en el artista distintivo de los Habsburgo. Sólo de él se conservan más de cuarenta cuadros en el Prado. Y también se guardan piezas excepcionales de VeronésTintorettoo los Bassano. El extraordinario grupo de obras de Rafael adquiridas por Felipe IV inició el nuevo gusto por el pintor de Urbino, que con los Borbones desplazó a Tiziano como pintor emblemático. También están representados en el Prado otros grandes maestros como Correggio yParmigianino de la escuela de Parma, Sebastiano del Piombo de la de Roma o Andrea del Sarto de la de Florencia.

El conjunto de pinturas del siglo XVII y XVIII italiano es también uno de los más extensos del Museo del Prado, y de nuevo las colecciones reales tienen el mayor protagonismo. Muchas pinturas llegaron gracias a la gestión de los embajadores y virreyes españoles en Roma y Nápoles para decorar el Palacio del Buen Retiro, construido en el siglo XVII. Otro grupo importante se debe a la presencia en España de artistas italianos como Luca GiordanoCorrado Giaquinto o Giambattista Tiepolo.

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AUTOR : TIZIANO,VECELLIO DI GREGORIO

AUTORRETRATO DEL ARTISTA

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AUTORRETRATO DEL ARTISTA ,portando la cadena de Caballero de la Espuela de Oro, honor que le había sido concedido por el emperador Carlos V (1500-1558) junto al nombramiento de conde Palatino, y sujetando un pincel con su mano derecha, en alusión a la condición de pintor que le había llevado a merecer tales reconocimientos.

La luz resalta sobre el fondo y la vestimenta negra los detalles más importantes de la composición, el rostro, la mano, y la cadena. Además, la posición de perfil del retratado ayuda a resaltar la sensación volumétrica y la expresión de su mirada.

Tiziano fue uno de los pintores más preocupados por su imagen, a la que dedicó diversos autorretratos, dos de los cuales se conservan, siendo el del Museo del Prado el más tardío. El retrato lo muestra a la edad de entre 73 y 75 años.

El retrato perteneció a Rubens y fue adquirido en la almoneda celebrada después de su muerte en 1640. En España se cita por primera vez en el Alcázar de Madrid en 1666.

Museo del Prado

Museo del Prado (Photo credit: Wikipedia)

Museo del Prado (Photo credit: Wikipedia)

"Madonna della Scala" (Virgin of the...“Madonna della Scala” (Virgin of the Stairs), Andrea del Sarto, Prado Museum, Madrid, Spain. (Photo credit: Wikipedia)

PINTURA ITALIANA – SIGLO XVIII

Se conserva una importante colección de paisajes y algunas obras que representan acontecimientos relacionados con la familia real española, como la Vista del Palacio de Aranjuez de Battaglioli y el Embarco de Carlos III en Nápoles de Antonio Joli. De Panini es digno de mención el conjunto de tres obras con el tema de ruinas.

Aunque no son muy numerosos, presentan un gran interés los retratos de viajeros del  “Grand Tour”, como Francis Basset, I barón de Dunstanville y George Legge, vizconde de Lewisham de Batoni.

De la amplia colección de Corrado Guiaquinto que guarda el Prado hay que destacar el boceto para la pintura al fresco del Palacio Real de Madrid, El nacimiento del Sol y el triunfo de Baco, y la obra alegórica La justicia y la paz.

La Inmaculada Concepción de Giambattista Tiepolo, los ocho lienzos de la Pasión de Cristo de la iglesia madrileña de San Felipe Neri de su hijo,Giandomenico, y varios retratos al pastel del otro hijo, Lorenzo, sobresalen del conjunto de pinturas que el Prado posee de la familia Tiépolo.

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La Virgen María aparece sobre la bola del Mundo y la media luna, pisando la serpiente del Pecado Original, coronada por la paloma del Espíritu Santo y rodeada por ángeles y por algunos de los símbolos marianos. Éstos son la vara de azucenas, la palmera, la fuente y el espejo. Esta escena muestra la manera tradicional de representar la Inmaculada Concepción de la Virgen, que fue concebida sin pecado original.

La obra fue un encargo Real para la Iglesia de San Pascual de Aranjuez.

El boceto para este lienzo se conserva en las Courtauld Institute Galleries de Londres.

Portrait of Philip V of Spain

Portrait of Philip V of Spain (Photo credit: Wikipedia)

Portrait of Philip V of Spain (Photo credit: Wikipedia)

Fresco in the Palazzo Medici-Riccardi, depicti...

Fresco in the Palazzo Medici-Riccardi, depicting Charon, Morpheus, and other characters from Greek mythology, 1684-1686. (Photo credit: Wikipedia)

Fresco in the Palazzo Medici-Riccardi, depicting Charon, Morpheus, and other characters from Greek mythology, 1684-1686. (Photo credit: Wikipedia)

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ARTE ESPAÑOL, MUSEO DEL PRADO

MUSEO DEL PRADO

Museo del Prado

Museo del Prado (Photo credit: Jim the Chin)

MUSEO DEL PRADO

El Museo del Prado no sólo constituye una de las referencias esenciales de la cultura española: es una representación nutrida y excelente de la producción artística humana. El Centro Virtual Cervantes se acerca, desde esta sección, a los fondos que alberga la pinacoteca madrileña, mediante diversas selecciones temáticas de su pintura.

Jesús en casa de Anás también conocido como Je...

Jesús en casa de Anás también conocido como Jesús ante el Sumo Sacerdote Casón del Buen Retiro. Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

Jesús en casa de Anás también conocido como Jesús ante el Sumo Sacerdote Casón del Buen Retiro. Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

FUENTE: http://cvc.cervantes.es

INFORMACIÓN SOBRE EL MUSEO DEL PRADO

Prado avenue, CienfuegosPrado avenue, Cienfuegos (Photo credit: lezumbalaberenjena)

Español: Casón del Buen Retiro, Madrid.

Español: Casón del Buen Retiro, Madrid. (Photo credit: Wikipedia)

Español: Casón del Buen Retiro, Madrid. (Photo credit: Wikipedia)

Situado en el centro de la ciudad de Madrid, el Museo del Prado constituye en sí mismo, desde 1819, el núcleo de un ámbito artístico muy amplio, que abarca las obras de maestros de todo el mundo. El museo se articula en dos sedes, muy próximas entre sí: el Edificio Villanueva (el más representativo), situado en el Paseo del Prado, y el Casón del Buen Retiro. En octubre de 2007 se ha inaugurado una ampliación del museo que tiene como protagonista el claustro de la vecina iglesia de los Jerónimos.

En las diferentes salas, el visitante del museo puede encontrar no sólo excepcionales ejemplos de la obra pictórica de autores españoles (Goya, Velázquez, Zurbarán…), sino también obras de grandes maestros de otras escuelas (Tiziano, Rubens o El Bosco, por ejemplo), así como muestras de esculturas de gran calidad y otras expresiones artísticas.

El Museo del Prado es una de las principales y más visitadaspinacotecas del mundo. De historia larga y no siempre plácida, cumplió 190 años de existencia en noviembre de 2009. En sus fondos conserva además de pintura, escultura y artes decorativas muchos valiosos secretos, como su repertorio de piezas bibliográficas clásicas relacionadas, entre otras materias, con la teoría del Arte.

Español: Estatua de Velázquez en la entrada de...Español: Estatua de Velázquez en la entrada del Museo del Prado de Madrid (Photo credit: Wikipedia)

Citas en Claroscuro recopila esos comentarios semanales y ofrece además en cada apartado una interesante galería con imágenes ampliadas de las obras que se estudiaron. Es una muestra que creció a la par de «Claroscuro»: las últimas incorporaciones a sus páginas se pueden ver en la sección de Novedades.

OTRAS NOVEDADES:

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LOS ESPAÑOLES PRECURSORES

Durante la Edad Media, la creación pictórica española se desarrolló de acuerdo con los estilos coetáneos predominantes en el resto de la Europa Occidental. Se centraba en su mayor parte en la temática de inspiración religiosa, en dos vertientes: ya fuera para el ornamento de los templos o como amparo de la devoción privada.

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Se reúnen aquí numerosas muestras de ambos aspectos, patentes en Juan de Flandes, destacado autor de la escuela hispanoflamenca del siglo xv, así como en Miguel Ximénez, Jaime Huguet o Pablo de San Leocadio, entre otros muchos ejemplos. A partir de mayo de 2010 se abrieron en el Museo del Prado siete salas nuevas dedicadas a la pintura española desde el Románico al Renacimiento (ver en Espacio Cervantes).

Rostros del Museo del Prado

Los maestros de la pintura siempre mostraron un marcado interés por la representación próxima del ser humano, ya fuese mediante retratos o mediante otro tipo de creaciones. El Centro Virtual Cervantes los invita a un fascinante recorrido por las salas del Museo del Prado, en busca de los rostros y las miradas que quedaron plasmados en los lienzos de los mejores pintores españoles y europeos desde el sigloXII al XIX.

OTROS ROSTROS DE LA PINTURA EUROPEA

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La exposición avanza por tres atractivos caminos:

Maestros españoles: La riqueza de las colecciones del Museo del Prado abarca también, por supuesto, excelentes cuadros firmados por los mejores pintores españoles (Murillo, Ribera, Sánchez Coello…).

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Entre la amplia colección de obras del Museo del Prado, encontramos muy buenos ejemplos de retrato: la célebre obra de El GrecoEl caballero de la mano en el pecho, y también la imagen que Vicente López Portaña nos transmitió del inmortal Goya. Por otra parte, la importancia del retrato cortesano no puede pasar inadvertida: una esencial aportación a este género es la de autores como Alonso Sánchez Coello y Juan Carreño de Miranda. En cuanto a los rostros que podemos encontrar en las obras de género, destacan los de Murillo (La gallega de la moneda) y la representación del filósofo Demócrito que realizó José de Ribera.

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Estos frescos se encontraban primitivamente en la Capilla de la Santa Cruz, en Maderuelo (Segovia). La ausencia de volumen en la pintura románica y los colores planos reducen la mirada a la expresión del rostro, marcada con sencillez mediante contornos oscuros y breves pistas. No se representa a un personaje, sino una idea: el tema religioso del conjunto de pinturas murales (ángeles, escenas de los Evangelios y del Antiguo Testamento)

Maestros europeos: Una muestra de las obras que autores como Rafael, Tiziano y El Bosco dedicaron al rostro y a sus posibilidades expresivas.

Obras del Bosco, Rafael, Tiziano, Antonio Moro, Tintoretto, Jacob Jordaens y Godfried Schalken ilustran una visita a la rica galería de retratos que atesora el Museo del Prado.

A continuación se pueden contemplar algunas de las principales pinturas de estos grandes maestros, que nos muestran al ser humano captado de cerca, tanto en retrato como en pintura de género.

Siempre se afirma que lo importante en un retrato es representar el carácter del personaje, llegar a lo más profundo a través de la mirada, del gesto. El atuendo del modelo e incluso el espacio en que éste aparece nos ofrecen también una información muy valiosa. En este caso, Rafael logró que el cardenal irradiase una cierta distancia, una inteligencia observadora. El fondo, sin detalles, y el logrado juego de brillos tornasolados de la vestimenta cardenalicia no nos distraen del vértice de atención que supone el rostro, pero nos lo ubican en su contexto.

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El espejo: ¿Cómo se veían los autores a sí mismos? Con los autorretratos, muchos grandes nombres de la historia de la pintura nos legaron sus propias imágenes (Durero, Goya, Rembrandt, Velázquez…).

EL ESPEJO

Un autorretrato puede entenderse como un simple ejercicio de estilo por parte de un autor, o como un intento de anunciar su propia existencia ante el mundo (bien de modo arrogante, bien con serena humildad). Para poder representarse a sí mismos, los pintores se contemplan en un espejo. Sin embargo, el espejo en que los autores se contemplan no es una simple superficie bruñida, de cristal o metálica. Más bien es su propio yo, su carácter y sus aspiraciones, expresadas en el tratamiento de color, fondo y atributos con que ellos mismos se trasladan al lienzo. De este género, tan revelador sobre la personalidad del artista, el Museo del Prado ofrece una recopilación de singular interés.

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De los retratos de Durero que se conservan, el presente data de cuando el autor contaba unos 27 años, y nos revela cierto gusto por su propia imagen. El fondo del cuadro representa ventanas abiertas a paisajes lejanos.

En la Europa del Norte, en plena época de la Reforma, los temas religiosos quedaron postergados a favor de los motivos más humanos, laicos y burgueses.

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ARTE ESPAÑOL, MUSEO DEL PRADO

LAS MINIATURAS EN EL MUSEO DEL PRADO.EXPOSICIÓN

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El Museo expone por primera vez una parte representativa –treinta y seis miniaturas y tres pequeños retratos- de su desconocida colección de miniaturas. Durante la presentación de esta muestra, da a conocer también la publicación, que recoge y analiza en profundidad, también por primera vez, las ciento sesenta y cuatro miniaturas y los dieciséis pequeños retratos que conforman esta curiosa e importante parte de sus fondos.

FUENTE: http://www.museodelprado.es

Pintadas al gouache sobre vitela, tablillas de marfil o papel, las miniaturas representan la faceta más íntima de la pintura ya que, en general, pertenecían a la esfera de la vida privada aunque también desempeñaron una función de Estado, pues los monarcas regalaban joyeles con miniaturas a los embajadores y emisarios extranjeros con motivo de su proclamación, matrimonio o por la firma de tratados, convenios y acuerdos. Con una miniatura se reconocían también las buenas acciones militares o el cumplimiento de las misiones encomendadas.

En España, no hubo miniaturas en sentido estricto hasta el siglo XVIII y la función que desempeñaban las miniaturas en otras cortes de Europa aquí la desempeñaban los pequeños retratos, conocido en España como retratico o retrato de faltriquera, de ahí la importancia de los tres ejemplares que se muestran en la exposición. Aún así, la escuela mejor representada en la exposición es la española, con setenta y seis obras, número suficiente para valorar la labor de los miniaturistas españoles y situar a un nutrido grupo de pintores españoles entre los destacados de Europa. Desde ahora, los nombres de Guillermo Ducker, José Alonso del Rivero, Luís de la Cruz y Ríos, Florentino Decraene, Cecilio Corro, Juan Pérez de Villamayor, Manuel Arbós o Antonio Tomasich, tienen el lugar que les corresponde en el Museo del Prado, y permiten conocer con mucho mayor rigor su producción, dada la excepcional calidad de algunas de las miniaturas del Prado. También hay una representación importante de las escuelas austriaca, italiana, francesa, inglesa, alemana y portuguesa, con una cronología que va desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta los inicios del siglo XX. Con motivo de esta publicación, en la mayor parte de las piezas que componen la colección, los técnicos del Museo del Prado han realizado trabajos de conservación y restauración.

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Esta miniatura presenta rasgos afines a las atribuidas a Genaro Boltri. Sus obras se caracterizan por presentar un formato oval, no superar los 40 mm, presentar al modelo de frente mientras la cabeza ocupa la mayor parte del soporte, y, sobre todo, por aplicar el color con un punteado preciso y bien unido en la carnación, el cabello e incluso en los fondos. Al trabajar con formatos tan pequeños, apenas queda sitio para las vestimentas, y lo poco que de ellas aparece está realizado con minúsculas pinceladas aplicadas sobre una base de color para matizar las luces y las sombras, los brillos o los encajes, como vemos en la gorguerilla de la que pende una cinta negra con una cruz. Esta manera de hacer también la empleó para representar las joyas, como puede verse en los pendientes que luce la dama (Texto extractado de Espinosa, Carmen: Las miniaturas en el Museo Nacional del Prado. Catálogo razonado, Madrid, Museo del Prado, 2011).

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Mariano Luis de Urquijo y Musa (1768-1817) estudió Derecho en Madrid y Salamanca. En 1791 tradujo la obra de Voltaire La mort de César, en cuyo preliminar escribió sobre los abusos cometidos por la legislación penal al amparo del Antiguo Régimen, lo que le ocasionó desavenencias con la Inquisición que fueron paliadas por la protección del conde de Floridablanca y del conde de Aranda, mentores en su carrera política. Fue nombrado primer oficial de la Secretaría de Estado en 1792, secretario de la embajada en Londres en 1795 y embajador de la República Bátava (Holanda) en 1797. Recibió la orden de Carlos III en 1798 y al año siguiente fue nombrado secretario de Estado, cargo que desempeñó por espacio de un año hasta que fue sustituido por Pedro Cevallos Guerra. Fue nombrado diputado general de Vizcaya y padre de la provincia en 1800. Tras su cese, fue confinado en Bilbao, encarcelado en el fuerte de San Cristóbal de Pamplona y desterrado en 1805. Fue secretario de la Junta de Bayona, acompañó a la familia real al exilio y reconoció a José Bonaparte como rey, quién le nombró ministro de Estado y le concedió la orden del Toisón de Oro en 1812. Tras la batalla de Vitoria, que consolidó en el trono a Fernando VII, se exilió a Francia renunciando a la nacionalidad española. Urquijo encarnó al prototipo de hombre ilustrado, desarrolló una intensa actividad literaria y defendió el progreso científico y social. Promovió empresas culturales y científicas como el viaje por la América española de Alexander von Humboldt, fue protector de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, del Real Jardín Botánico, del Real Laboratorio Químico y Estudios de Mineralogía, así como del Real Colegio de Medicina, director de la Sociedad Económica de Segovia y de la Real Sociedad Económica Matritense de los Amigos del País. Este retrato puede estar relacionado con los primeros datos que conocemos de la estancia de Guillermo Ducker en Madrid. En 1799, Francisco de Goya intercede por su amigo Ducker ante Urquijo para que le permita salir de la cárcel y pueda realizar unas copias en miniatura de los retratos de sus majestades pues, en opinión de Goya, no hay mejor miniaturista “ni aquí, ni en Francia o Italia, que él para pintarlos”. Urquijo accede a la petición el 4 de diciembre y Ducker se lo agradecerá un par de días más tarde. Tal vez como agradecimiento, Ducker pudo realizar este espléndido retrato, de carácter íntimo, en el que aparece Urquijo desprovisto de cualquier símbolo de poder. En él se refleja la formación francesa de Ducker, que plasmó en esta obra la estética de la miniatura del periodo revolucionario que recuerda las miniaturas de François Dumont (1751-1831) (Texto extractado de Espinosa, Carmen: Las miniaturas en el Museo Nacional del Prado. Catálogo razonado,Madrid, Museo del Prado, 2011).

English: Prado Museum, in Madrid (Spain). Espa...

English: Prado Museum, in Madrid (Spain). Español: Museo del Prado, en Madrid (España). (Photo credit: Wikipedia)

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ARTE ESPAÑOL, MUSEO DEL PRADO

EXPOSICIÓN SALA X Y SALA XI

La maja desnuda (circa 1797–1800), known in En...

La maja desnuda (circa 1797–1800), known in English as The Naked (or Nude) Maja by Francisco de Goya (Photo credit: Wikipedia)

 

La maja desnuda (circa 1797–1800), known in English as The Naked (or Nude) Maja by Francisco de Goya (Photo credit: Wikipedia)

Portrait of René Descartes, dubbed the

Portrait of René Descartes, dubbed the “Father of Modern Philosophy”, after Frans Hals c. 1648 (Photo credit: Wikipedia)

Portrait of René Descartes, dubbed the “Father of Modern Philosophy”, after Frans Hals c. 1648 (Photo credit: Wikipedia)

Heráclito y Demócrito Peter P. Rubens, 1603 Mu...

Heráclito y Demócrito Peter P. Rubens, 1603 Museo del Prado, Madrid (Photo credit: Wikipedia)

Heráclito y Demócrito Peter P. Rubens, 1603 Museo del Prado, Madrid (Photo credit: Wikipedia)

Torquato Tasso

Torquato Tasso (Photo credit: Wikipedia)

Torquato Tasso (Photo credit: Wikipedia)

Portrait of Torquato Tasso

Portrait of Torquato Tasso (Photo credit: Wikipedia)

Portrait of Torquato Tasso (Photo credit: Wikipedia)

Francisco Goméz de Sandoval y Rojas, Duke of L...

Francisco Goméz de Sandoval y Rojas, Duke of Lerma, Spanish statesman, by Peter Paul Rubens (1603). Located in the Prado. (Photo credit: Wikipedia)

Francisco Goméz de Sandoval y Rojas, Duke of Lerma, Spanish statesman, by Peter Paul Rubens (1603). Located in the Prado. (Photo credit: Wikipedia)

Diego Velázquez - Prince Baltasar Carlos on Ho...

Diego Velázquez – Prince Baltasar Carlos on Horseback – WGA24414 (Photo credit: Wikipedia)

Diego Velázquez – Prince Baltasar Carlos on Horseback – WGA24414 (Photo credit: Wikipedia)

English: Óleo sobre lienzo.English: Óleo sobre lienzo. (Photo credit: Wikipedia)

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PERTENECIENTE A LA SERIE DE HISTORIA DE ARMIDA,  FORMADA POR DOCE COBRES (P01825 A P01836), QUE ILUSTRAN  EL POEMA DE LA JERUSALÉN LIBERTADA DE TORCUATO TASSO; LA PRESENTE ESCENA REPRESENTA EL CANTO XVI DE DICHO POEMA.TENIERS INSISTE EN LA REPETICIÓN DE MOTIVOS; REINALDO, CONOCEDOR DE LAS INTRIGAS DE ARMIDA, ABANDONA LA ISLA Y REGRESA AL CAMPAMENTO DE LOS FRANCOS CON UBALDO Y DANÉS. ARMIDA LLORA DESCONSOLADA Y REINALDO LA OBSERVA INCONMOVIBLE PERO PERTURBADO.LA SUGESTIVA NARRACIÓN DE TASSO, SÍNTESIS DE HEROÍSMO Y AMOR, PENETRÓ EN LA MÉDULA TEMÁTICA DEL BARROCO FLAMENCO (TEXTO EXTRACTADO DE DÍAZ PADRÓN, M.: EL SIGLO DE RUBENS EN EL MUSEO DEL PRADO: CATÁLOGO RAZONADO DE PINTURA FLAMENCA DEL SIGLO XVII, 1995, P.1450).

SALA X

Las escenas de las tumbas egipcias, la cabalgata sin fin de los jóvenes de Fidias en el Partenón o las predelas de los retablos, entre otras manifestaciones del arte desde la Antigüedad, evidencian el gusto por representar de forma seriada la vida que pasa ante el artista. En el siglo XVII, cuadros de gabinete presentan de forma independiente, y por medio de este modo fragmentado y cinético, las facetas de un todo: Murillo con los bocetos moralizantes del hijo pródigo, y Teniers con la historia de Reinaldo y Armida de la Jerusalén libertada de Tasso (1580), que inspiró a artistas, músicos y escritores por sus enredos de magia, poder y amor en un escenario exótico. Otro ejemplo lo encontramos en la sala siguiente en la obra de Van Kessel, que logró reunir las cuatro partes del mundo en 68 diminutas escenas, de las que perviven 39, que ilustran el reino animal, así como ciudades y paisajes de los cuatro continentes reconocidos en el XVII, con el sentido globalizador de entonces, que mostraba ingenuamente el sentimiento de poderío de Europa. Un ansia de clasificación científica empieza a invadirlo todo y se extiende también a la psicología, de lo que Descartes, que pasó la mayor parte de su vida en Holanda, es consciente en su Tratado de las pasiones del alma (1649), resumidas en los divertidos monos de Teniers, con su satírico «retrato» de las actividades de hombres y mujeres. El mono pintor se dedica, precisamente, a los irresistibles cuadritos de gabinete que todos coleccionaban. El archiduque Leopoldo, por el contrario, cuelga en su palacio grandes obras maestras de la pintura, reflejo perpetuo del gusto y el prestigio que emanaba entonces de la realeza y la aristocracia.

SALA XI

Tres cuadros del flamenco Wouwerman enlazan esta sala con las anteriores a través de sus paisajes. La sensibilidad nórdica se centra ahora en la amplitud de los horizontes y en la belleza del cielo. En esas tierras abiertas, de lomas verdes, damas y caballeros salen de caza con sus halcones y sus perros, y es así como el artista recrea la vida ordenada de la sociedad de su país. Técnica y asunto anuncian el siglo XVIII, como también, en la pintura religiosa, lo presagia Murillo, cercano a la ternura, colorido y delicadeza de pincel que caracterizan la centuria siguiente. Así lo demuestran las obras de Goya, visibles a través de la hendidura en el muro y conectadas con las de los que le precedieron en la Colección Real. Giordano ilustra excepcionalmente el último barroco decorativo y en el pequeño formato resume la grandeza de sus frescos. En las dos bellas escenas sobre cobre utiliza su proverbial virtuosismo técnico y su reconocida capacidad de imitación, que le acercan a modelos de artistas alemanes como Durero y Lucas van Leyden o al colorido y la suavidad de Correggio. En los retratos ecuestres de Carlos II y Mariana de Neoburgo incorpora la nobleza de los ejemplos de Velázquez, pero también la habilidad de Rubens para introducir la alegoría: la Fe para el rey y la Abundancia para la reina. La constante referencia al mundo clásico aparece en los paisajes de Panini y de Conca, y en su Autorretrato Solimena se presenta ya como un príncipe de la pintura, como había proclamado Durero en el suyo a fines del siglo XV. La sensibilidad lánguida del desnudo del boloñés Creti anuncia ya el Romanticismo.

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MARIANA DE NEOBURGO,REINA DE ESPAÑA,A CABALLO

La reina Mariana de Neoburgo (1664-1740), segunda esposa de Carlos II, lujosamente vestida, cabalga sobre un hermoso caballo blanco. Es evidente en él el deseo de imitar o emular a Velázquez, pues la silueta toda del caballo y la reina, derivan directamente del retrato velazqueño de Doña Isabel de Borbón (Museo del Prado, P01179), y el exquisito toque, aunque a escala reducidísima, parte, también, de los modos de Velázquez. Pero esa intención de emular al pintor sevillano se combinan con elementos alegóricos, propios de Luca Giordano, con los que se introducían temas que obsesionaban a la Monarquía Española, como es el caso de la falta de un descendiente varón, representado en este cuadro a través de ángeles niños que sostienen una cornucopia de la que obtienen flores y frutos, unas náyades que le ofrecen frutos del mar y la representación alegórica de un río, los cuales probablemente aludan a la fertilidad de la soberana.  Se piensa que los retratos pudieran estar en relación con la entrada de la reina en Madrid y evocar de algún modo los retratos que Francesco Rizzi hizo para la entrada de Maria Louisa de Orleáns en 1692, es posible que se pintasen con intención celebrativa, e incluso que retomasen un proyecto de Claudio Coello, en cuyo inventario post mortem de 1693 figuran dos bocetos de Carlos II a caballo. Compañero de Carlos II, rey de España, a caballo (P000197) y de su misma procedencia, no hay sin embargo testimonio de que llegara a pintarse un lienzo de grandes dimensiones con esta composición, aunque quizás se pensase en ello.Como en el caso de su pareja, Carlos II, rey de España, a caballo, el Museo del Prado conserva otro ejemplar, Mariana de Neoburgo, reina de España, a caballo (P02763), de una calidad que permite considerarlo réplica (Texto extractado de Pérez Sánchez, A. E.: Luca Giordano y España, 2000, p. 198; y de Úbeda de los Cobos, A. en: Cortes del Barroco: De Bernini y Velázquez a Luca Giordano, 2003, p. 80).

FUENTE: http://www.museodelprado.es

Español: Detalle del Príncipe Baltasar Carlos ...Español: Detalle del Príncipe Baltasar Carlos a caballo, pintado por Velázquez. Óleo sobre lienzo.209 cm × 173 cm. Museo del Prado (Photo credit: Wikipedia)

 

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