Historia del arte

SIGLO XIX.-ARTE CONTEMPORÁNEO

HISTORIA DEL ARTE DEL SIGLO XIX

ARTE CONTEMPORÁNEO

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FUENTE: http://pinterest.com

 

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Artículo principal: Arte contemporáneo.

Arte contemporáneo

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Museo Guggenheim Bilbao, una institución dedicada a patrocinar el arte contemporáneo y un edificio representativo de la arquitectura actual (Frank Gehry, 1997). En su exterior se encuentra una colección de esculturas contemporáneas de grandes dimensiones.

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El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo. El concepto de la contemporaneidadaplicado al arte puede ser entendido de diferentes maneras:

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Siglo XIX

Artículo principal: Historia del Arte del siglo XIX.

Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos –impulso iniciado con laRevolución Francesa–; y, en lo económico, por la Revolución Industrial y el afianzamiento del capitalismo, que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se enfrentan. Surge el arte moderno como contraposición al arte académico, situándose el artista a la vanguardia de la evolución cultural de la humanidad.

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Arquitectura

Artículo principal: Arquitectura del siglo XIX
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La arquitectura decimonónica sufrió una gran evolución debido a los avances técnicos que comportó la Revolución Industrial, con la incorporación de nuevos materiales como el hierro, el acero y el hormigón, que permitieron la construcción de estructuras más sólidas y diáfanas. Cobró cada vez mayor importancia el urbanismo, la preocupación por el entorno habitable, que se tradujo en obras de saneamiento, infraestructuras, mayor atención a los medios de transporte y apertura de espacios verdes para buscar mejores ambientes y condiciones de vida para el ciudadano. Después de unos primeros planteamientos de signo utópico, como los de Robert Owen o Charles Fourier, se produjeron las grandes transformaciones urbanas del siglo XIX: París (plan Haussmann), LondresBruselasVienaFlorenciaMadrid,Barcelona (plan Cerdà), etc.

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Otro gran motor de la arquitectura de la época fueron las exposiciones universales, festivales económico-sociales que pretendían incentivar y difundir el comercio, la industria, la cultura, los avances tecnológicos, etc. Estos eventos fueron un campo de pruebas para las nuevas tipologías arquitectónicas, como se puso de manifiesto en la Exposición de Londres de 1851, la de París de 1889 (con la famosa Torre Eiffel), etc. En jardinería, apareció el llamado «jardín inglés» –que introdujo el concepto de «arquitectura paisajística»–, el cual, frente al geometrismo del italiano y el francés, defendía una mayor naturalidad en su composición, interviniendo únicamente en una serie de detalles ornamentales, como templetes opérgolas, o incluso la colocación de ruinas –naturales o artificiales–, en consonancia con los conceptos románticos de losublime y lo pintoresco (Regent’s Park, de John NashKew Gardens, de William Chambers).

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Estilísticamente, la primera mitad de siglo vio un cierto eclecticismo de las formas, así como un revival de estilos anteriores reinterpretados según conceptos modernos: es el llamado historicismo, que produjo movimientos como el neorrománico, el neogótico, el neobarroco, etc. Entre sus principales artífices cabe recordar a: John NashAugustus PuginViollet-le-Duc, etc. En Estados Unidos surgió una nueva tipología de edificio, el rascacielos, fomentado por la denominada Escuela de Chicago (William Le Baron JenneyLouis Sullivan). A finales de siglo surgió elmodernismo,nota 15 que supuso una gran revolución en el terreno del diseño, con nombres como Victor HortaHenry van de VeldeHector Guimard,Charles Rennie MackintoshOtto WagnerAdolf LoosJoseph Maria OlbrichHendrik Petrus BerlageAntoni GaudíLluís Domènech i MontanerJosep Puig i Cadafalch, etc.109

 

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Historia del arte

PARTE 2.- HISTORIA DEL ARTE

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FUENTE: https://es.wikipedia.org

 

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PREHISTORIA

El arte prehistórico es el desarrollado por el ser humano primitivo desde la Edad de Piedra (paleolítico superiormesolítico yneolítico) hasta la Edad de los Metales, periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte del ser humano. En el paleolítico (25.000-8000 a. C.), el hombre se dedicaba a la caza y vivía encuevas, elaborando la llamada pintura rupestre. Tras un periodo de transición (mesolítico, 8000-6000 a. C.), en el neolítico (6000-3000 a. C.) se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura, con sociedades cada vez más complejas donde va cobrando importancia la religión, y comienza la producción de piezas de artesanía. Por último, en la llamada Edad de los Metales (3000-1000 a. C.), surgen las primeras civilizaciones protohistóricas.

EDAD DE LOS METALES

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La última fase prehistórica es la llamada Edad de los Metales, pues la utilización de elementos como el cobre, elbronce y el hierro supuso una gran transformación material para estas antiguas sociedades. En el llamadocalcolítico surgió el megalitismo, monumentos funerarios en piedra, destacando el dolmen y el menhir, o elcromlech inglés, como en el magníficoconjunto de Stonehenge. En España se formó la cultura de Los Millares, caracterizada por la cerámica campaniforme y las representaciones humanas de figuras esquemáticas de grandes ojos. En Malta destacó el conjunto de templos de Mudajdra, Tarxien y Ggantija. En las islas Baleares se desarrolló una notable cultura megalítica, con diversas tipologías de monumentos: la naveta, tumba en forma depirámide truncada, con cámara funeraria alargada; la taula, dos grandes piedra colocadas una vertical y otra encima horizontal; y el talayote, torre con una cámara cubierta de falsa cúpula.5

ARTE ANTIGUO

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Puede llamarse así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia, iniciadas con la invención de laescritura, destacando las grandes civilizaciones del Próximo OrienteEgipto y Mesopotamia. También englobaría las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes. En esta época aparecieron las primeras grandes ciudades, principalmente en cuatro zonas delimitadas por grandes ríos: elNilo, el Tigris y el Éufrates, el Indo y el Río Amarillo.

EGIPTO

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En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones, con obras de arte elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del artista/artesano. Su arte era intensamente religioso y simbólico, con un poder político fuertemente centralizado y jerarquizado, otorgando una gran relevancia al concepto religioso de inmortalidad, principalmente del faraón,nota 1 para el que se construyen obras de gran monumentalidad. Iniciado alrededor del 3.000 a.C., el arte egipcio perduró hasta la conquista de Alejandro Magno, si bien su influencia persistió en el arte copto y bizantino.

AMÉRICA

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En una evolución paralela a la de los pueblos neolíticos europeos, los antiguos cazadores-recolectores se iniciaron en la agricultura en torno al VII milenio a.C. –especialmente el maíz–, surgiendo las primeras sociedades en las tierras altas de México, donde se observa el predominio de una casta sacerdotal, con grandes conocimientos en matemáticas y astronomía. Los primeros hallazgos artísticos son de alrededor del 1300 a.C. en Xochipala (estado de Guerrero), donde se hallaron unas estatuillas de arcilla de gran vivacidad. La primera gran civilización mesoamericana fue la olmeca, situada en las provincias deVeracruz y Tabasco, donde destacan las esculturas de piedra, de gran naturalismo (Luchador, hallado en Santa María Uxpanapán), o las colosales cabezas monolíticas de hasta 3,5 metros de altura. Loszapotecas, establecidos en Oaxaca, construyeron el magnífico conjunto de la Ciudad de los Templos, en el Monte Albán. En América del Norte destacaron las culturas HohokamMogollón y Anasazi.

ÁFRICA

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El arte africano ha tenido siempre un marcado carácter mágico-religioso, destinado más a ritos y ceremonias de las diversas creencias animistas y politeístas africanas que no a fines estéticos, aunque también hay producciones de signo ornamental. La mayoría de sus obras son de madera, piedra o marfil, en máscaras y figuras exentas de carácter más o menos antropomórfico, con un típico canon de gran cabeza, tronco recto y miembros cortos. También se producían cerámica, joyería y tejidos, así como objetos de metalurgia –el hierro era conocido desde el siglo VI a. C..–. La primera producción de cierta relevancia fue lacultura Nok, en el primer milenio a.C., situada en el norte de la actual Nigeria. Destacan las esculturas de terracota, con figuras humanas –a veces sólo la cabeza– o de animales (elefantesmonosserpientes), de gran sentido naturalista, mostrando expresiones faciales de signo individualizado, con diversos peinados, a veces con collares y brazaletes. En Sudán se desarrollaron las culturas kerma y meroe, caracterizadas por sus monumentales construcciones en barro, sus armas y su cerámica. En Etiopía destacó la ciudad de Aksum, centro de un reino que alcanzó su apogeo en el siglo IV. Con una notable cultura –desarrollaron una escritura en lengua ge’ez, y crearon un sistema monetario–, son de destacar sus estelas en forma depilares monolíticos, de carácter funerario, de hasta 20 metros de altura.

ASIA

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India

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El arte indio tiene un carácter principalmente religioso, sirviendo como vehículo de transmisión de las distintas religiones que han jalonado la Indiahinduismobudismoislamismocristianismo, etc. También hay que destacar como rasgo distintivo del arte indio su afán de integración con la naturaleza, como adaptación al orden universal, teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales (montañas,ríosárboles) tienen para los indios un carácter sagrado.

CHINA

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El arte chino ha tenido una evolución más uniforme que el occidental, con un trasfondo cultural y estético común a las sucesivas etapas artísticas, marcadas por sus dinastías reinantes. Como la mayoría del arte oriental tiene una importante carga religiosa (principalmente taoísmoconfucianismo y budismo) y de comunión con la naturaleza. Al contrario que en Occidente, los chinos valoraban por igual la caligrafía, la cerámica, la seda o la porcelana, que la arquitectura, la pintura o la escultura, a la vez que el arte está plenamente integrado en su filosofía y cultura.

JAPÓN

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El arte japonés ha estado marcado por su insularidad, aunque a intervalos ha ido recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales, sobre todo de China y Corea. Gran parte del arte producido en Japónha sido de tipo religioso: a la religión sintoísta, la más típicamente japonesa, formada alrededor del siglo I, se añadió el budismo en torno al siglo V, forjando un sincretismo religioso que aún hoy perdura.

ARTE CLÁSICO

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Se denomina arte clásiconota 2 al arte desarrollado en las antiguas Grecia y Roma, cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético aportaron a la historia del arte un estilo basado en lanaturaleza y en el ser humano, donde preponderaba la armonía y el equilibrio, la racionalidad de las formas y los volúmenes, y un sentido de imitación («mímesis») de la naturaleza que sentaron las bases del arte occidental, de tal forma que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental.

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ARTE ESPAÑOL

CLAUSTROS ESPAÑOLES

CLAUSTROS ESPAÑOLES

FUENTE: http://cvc.cervantes.es

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Desde el final de la Antigüedad hasta la Alta Edad Media, a lo largo del primer milenio, grupos de religiosas y religiosos cristianos optaron por marcharse a lugares apartados, primero en el Próximo Oriente y en el Norte de África y posteriormente en Europa. Lo hicieron con el fin de llevar una vida retirada, tanto si permanecían en completa soledad —al modo de los ermitaños—, como si constituían pequeñas comunidadesdonde desarrollar con mayor intensidad su espíritu religioso. Es, pues, a partir de esta voluntad de huir del mundanal ruido donde se inicia el nacimiento de los monasterios.

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El espíritu religioso afectaba a la vida en comunidad, es decir, a la organización del día, del tiempo dedicado a la oración y al trabajo, o de aspectos tan básicos como el dormir o el comer. Todo quedaba perfectamente estipulado gracias a unas normas o estatutos preestablecidos, que configuran lo que denominamos «las reglas monásticas».

Hubo, lógicamente, diversas reglas, aunque la dada por San Benito de Nursia en el primer cuarto del siglo VI, conocida como la Regula Sancti Benedicti, fue la que más éxito alcanzó; su interpretación y desarrollo dio lugar a los movimientos monásticos más importantes, tales como los formados por los cluniacenses y los cistercienses entre los siglos X y XIII principalmente. También fueron muy relevantes otros movimientos monásticos que seguían otras reglas como los de los cartujos, los premonstratenseslas órdenes mendicantes (franciscanos y dominicos), losjerónimos, etc.

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Esa vida en comunidad produjo, como era de esperar, el nacimiento de edificios o monasterios perfectamente articulados, que, con el tiempo, llegaron a un alto grado de complejidad y monumentalización. Así se evidencia en el plano del monasterio suizo de San Gallen, del siglo IX.

El claustro se convierte en el corazón del monasterio; toda la vida de la comunidad se articula y se organiza a su alrededor, ya que entorno a él se ubican la iglesia, la sala capitular, el refectorio, la cocina, la cilla o almacén de víveres, el dormitorio, la biblioteca, etc. Con el paso de los años, algunos monasterios llegaron, incluso, a disponer de varios claustro, cada uno de ellos con una función específica. Así, nacen el claustro reglar (siempre el más importante), el de la hospedería, el de la enfermería o el de la portería, etc.

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Pero los claustros no sólo fueron las piezas fundamentales de los monasterios: en el entorno de los claustros de las catedrales y colegiatas organizaban su vida los canónigos, que seguían también unos estatutos o una regla, generalmente la de San Agustín.

Las vicisitudes históricas vividas en España han permitido que se conserven un gran número de claustros de épocas muy diversas y de cualidades muy diferentes; todos ellos constituyen, sin duda alguna, uno de los conjuntos artísticos más importantes del mundo.

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Muchos de los monasterios, colegiatas y catedrales españolas mantienen, aún hoy, junto a la iglesia y otras dependencias, sus claustros en pie. Algunos despliegan grandes ciclos de escultura en sus arcadas; otros, destacan por su austeridad o por su arquitectura; otros deslumbran por los elementos decorativos desplegados en sus techumbres, tumbas o grandes puertas monumentales que aún conservan en sus galerías, etc.

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La especial historia cultural de la península Ibérica ha permitido que muchos patios de palacios se hayan conservado como claustros monásticos, tras ser estos edificios donados por sus dueños a comunidades religiosas para que fundaran en ellos un convento o un monasterio. Patios de mezquitas, incluso, pasaron a desempeñar una función claustral al reconvertirse al culto cristiano.

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El claustro más antiguo que conservamos —y que podrá admirarse en la presente exposicion— es el de la catedral de Córdoba, o lo que es lo mismo, el de la mezquita más importante del califato omeya de Occidente, cuyas piedras superan ya los mil años de historia.

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GLOSARIO DE TÉRMINOS ARTÍSTICOS RELACIONADOS CON LOS CLAUSTROS

Armarium armariolum: Situado en la galería oriental, junto a la puerta de los monjes, era un pequeño nicho excavado en el muro provisto de baldas y puertas de madera en donde se custodiaban los libros que se utilizaban durante la lectura en el claustro y también los libros litúrgicos. En ocasiones se aprovechó la parte más occidental de la sacristía para disponer en ella elarmarium. Perderá su uso, transformándose en altares o lucillos sepulcrales, cuando el volumen de libros comience a crecer y se creen salas específicas destinadas a biblioteca.

Calefactorio: En época medieval es la única sala del monasterio provista de fuente de calor, al margen de las cocinas y la enfermería. Allí acudían los monjes a calentarse los días de mucho frío, a engrasar sus sandalias y a tonsurarse; los copistas acudían a calentar la tinta y los pergaminos; y también aquí se realizaban las sangrías (cuatro veces al año). El sistema de calentamiento solía ser una chimenea central o adosada a uno de los muros, aunque también se conservan ejemplos en los que se utilizó el sistema romano del hipocaustum. Con el tiempo perderá su función original y adquirirá otros usos.

Cilla: Es una dependencia de servicio donde se guardan las provisiones del monasterio; generalmente presenta dos pisos: el inferior solía ser utilizado como bodega, el superior, para almacenar grano.

Compás: Se trata del espacio abierto que precede a la entrada principal del monasterio; delimitado por una cerca, en él se levantaban diversas dependencias secundarias y los hogares de los servidores.

Lavabo: Situado en el centro del claustro o junto a una de las galerías —la más cercana al refectorio—, a él acuden los monjes para lavarse las manos antes de entrar al refectorio y para las abluciones. En ocasiones se trata de un simple pozo o fuente, pero frecuentemente aparece cobijado bajo una estructura arquitectónica.

Locutorio: Pequeña estancia situada generalmente cerca de la sala capitular en donde el prior puede hablar con uno o dos monjes, ordena las tareas a realizar durante la jornada, reparte el trabajo y entrega los instrumentos de labor. También en esta sala el maestro de novicios se reúne con los nuevos monjes para darles ánimos e instrucciones.

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Mandatum: La galería contigua a la iglesia recibe este nombre por celebrarse en ella el ritual del lavatorio de pies o mandatum todos los sábados y el Jueves Santo. Es denominada también «Galería de la Lectura» o «de la Colación», debido a que en ella se instalan los monjes para leer pasajes de los Padres y especialmente las Collationesantes del oficio nocturno de completas. Un banco, de madera o piedra, se situaba a lo largo del muro de la iglesia para servir de descanso a los monjes que leían y para facilitar la ceremonia del mandatum.

Pandas: Cada una de las galerías o corredores cubiertos de un claustro, a las que se abren las distintas dependencias claustrales.

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Refectorio: Comedor común de los monjes, de planta rectangular, situado generalmente en la galería opuesta a la iglesia; las mesas se disponían a lo largo de los muros; la mesa del prior, en uno de sus extremos, presidía las demás. Las comidas se desarrollaban en silencio, roto tan solo por las lecturas de la Biblia que realizaba, generalmente desde un púlpito, uno de los monjes.

Sacristía: Sala generalmente abovedada que comunica directamente con el templo abacial, destinada a guardar los vasos sagrados, las vestimentas litúrgicas y otros objetos. También se preparan aquí el vino y el pan utilizados en los oficios.

Sala capitular: Es una de las dependencias claustrales más importantes para la vida monástica; por ello, recibe un especial tratamiento arquitectónico y decorativo. Sentados sobre unas gradas de madera o de piedra situadas a lo largo de sus muros, los monjes se reúnen aquí diariamente para leer un capítulo de la regla —de ahí el nombre de «sala del capítulo»— que después era comentado por el abad. Además, en él, el abad da consejos espirituales, se tratan los sucesos importantes del monasterio, se distribuyen los trabajos y se termina con la confesión pública. En su interior solían ser enterrados los grandes abades.

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Sala de monjes: Denominada también scriptorium, es el lugar de trabajo intelectual de los monjes, donde escriben y realizan la copia de manuscritos. En los primeros tiempos, antes de que se creasen salas específicas dedicadas a noviciado, también desempeñaba esta función.

San AgustínSan Agustín (Photo credit: sharnik)

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ARTE ESPAÑOL, MUSEO DEL PRADO

SALA VIII Y SALA IX .”LA BELLEZA ENCERRADA”

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Still Life with Salmon,Lemon and three Vessels,oil on canvas,1772 Museo del Prado (Photo credit: Wikipedia)

Still Life with Salmon,Lemon and three Vessels,oil on canvas,1772 Museo del Prado (Photo credit: Wikipedia)

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Español: Bodegón, obra atribuida a Francisco de Burgos Mantilla, Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

Español: Bodegón, obra atribuida a Francisco de Burgos Mantilla, Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

Agnus Dei, 1635-1640, by Francisco Zurbarán

Agnus Dei, 1635-1640, by Francisco Zurbarán (Photo credit: Wikipedia)

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Español: Pedro de Medina, Bodegón de manzanas, nueces y caña de azucar, Madrid, Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

Español: Pedro de Medina, Bodegón de manzanas, nueces y caña de azucar, Madrid, Museo del Prado. (Photo credit: Wikipedia)

FUENTE: http://www.museodelprado.es

Ante la mirada del melancólico Filósofo de Koninck se despliegan bodegonesy floreros que evidencian el concepto de vanitas que subyace en el arte del siglo XVII: el paso del tiempo, la vanidad de la belleza y de las cosas y la presencia de la muerte. Un pequeño retrato de Mariana de Austria, según las facciones que de ella dejó Velázquez, nos recuerda que entre los atributos de las reinas estaban las fl ores, por su belleza y delicado aroma. Brueghel el Joven anuncia las posibilidades del mundo en su alegoría de la Abundancia, que promete los bienes que todo ser humano espera encontrar en su fugaz paso por la tierra y a los que aluden con ligereza las exquisitas frutas de Van der Hamen. Los pintores fl amencos continúan la deslumbradora locura de sus predecesores medievales por captar la realidad. Su magia reside en su capacidad de abstracción, en evitar la pedantería del pormenor y en cambio recurrir a la intensidad selectiva para revivir la materia y conseguir, como Van Vollenhoven en el estornino de su bodegón, que el pájaro sea pájaro y no su imagen pintada, como en las hazañas pictóricas de Parrasios y Zeuxis. La solemne arquitectura que acoge al grupo de pajarillos muertos, con una resonancia de catacumba, no es menos impresionante que el oscuro vacío que rodea al cordero de Zurbarán o al gallo blanco de Metsu. El francés Linard expresa la vanidad del saber y Steenwijck la rapidez con la que se desvanecen los placeres. Sólo queda el recurso de la huida, para la que Brueghel el Joven nos proporciona al bello y fuerte caballo blanco con el que cabalgar por su Paraíso.

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Esta obra ingresó en el Museo como obra de Salomon Koninck, atribución que se mantiene hasta el catálogo de 1963, donde se acepta la adscripción a Abraham van der Hecken (activo de 1635 a 1655) propuesta por Clotilde Briere-Misme y Horst Gerson, según dice Valdivieso (1973). Sin embargo, y a pesar de la dureza del modelado del rostro, la estructura compositiva y, sobre todo, el tratamiento pictórico de los paños y de las luces así como el preciosismo en la reproducción de los diferentes detalles, sobre todo del bodegón de libros, permiten catalogarla como obra de madurez de Koninck. Como es habitual en las representaciones de estudiosos, leyendo o escribiendo, características de Salomon Koninck, el protagonista -quizá un rabino, por la barba y el gorro- aparece sentado delante de su mesa de trabajo en una habitación, de la que tan sólo se percibe al fondo parte de una pared, en este caso articulada por dos nichos rematados en arcos de medio punto que apoyan sobre una pilastra formada por tres semicolumnas acanaladas adosadas al muro. Una cortina separa el primer plano, ocupado por el estudioso, del fondo. El modelo se asemeja al de Anciano rabino sentado (TurínGalleria Sabauda). Aparece en otra composición posterior, El eremita, fechada en 1643 (Dresde, Gemäldegalerie Alte Meister). Por su parte, el paño que cubre la mesa repite el que aparece en Anciano contando monedas (colección privada).  La estructura compositiva y diversos elementos, como el bodegón de libros y la cortina, sitúan esta obra indudablemente en la órbita de Estudioso ante una mesa con libros de Rembrandt, fechado en 1634. Pudo servir de fuente de inspiración aFerdinand Bol (1616-1680), para su grabado Filósofo meditando, fechado en 1655. Incluso la forma de representar la barba a base de finos trazos oscuros superpuestos a una base más clara e indefinida, es similar. El modelo se asemeja al de El eremita, fechado en 1643 (Dresde, Gemäldegalerie Alte Meister) -también en la forma de representar la barba a base de finas pinceladas superpuestas es muy similar en ambos casos-, al Anciano rabino sentado (Turín, Galleria Sabauda), así como al rabino sentado y escribiendo que figura en Daniel explicando su sueño a Nabucodonosor (Kedleston Hall, Derby, NT). Por otra parte, el paño que cubre la mesa repite el que aparece en Anciano contando monedas (colección privada).Existe una repetición de este cuadro, Anciano ante su mesa de trabajo en el Museo de Copenhague (inv. KMSsp487), fechada en 1635, tradicionalmente atribuida a Adriaen Verdoel (h.1620-1675). Sin embargo, Fred Meijer (comunicación a la autora) la considera réplica de taller de este original del Museo del Prado. En 1901 figuró en la venta de la colección Sedelmeyer, como procedente del comercio inglés, y en 1951 en la venta de la colección Adolf Schloss. En 1952 figuró en una exposición organizada por la Sala Parés de Barcelona con obras procedentes del extranjero. Ese mismo año es adquirido por el Museo enMadrid a don Deogracias Magdalena en una venta de cuadros traídos de Barcelona [acta de patronato, núm.438, de 19-12-1952, se cita como propiedad de Deogracias Magdalena] (Texto extractado de Posada Kubissa, T.: Pintura holandesa en el Museo Nacional del Prado. Catálogo razonado, Museo del Prado, 2009, pp. 76-78).

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Atribuida a Peter Brueghel “el Joven”, esta pequeña tabla, procedente de las colecciones del Palacio de La Granja, representa una fascinante metáfora legendaria, la construcción de la Torre de Babel. Se trata de uno de los grandes mitos de la arquitectura y del lenguaje, de origen bíblico, que ha recibido a lo largo del tiempo sucesivos significados añadidos complementando la narración y sus implicaciones, incluidas la masónicas y esotéricas. Del mismo modo, la figuración del mito ha conocido desde la Edad Media diferentes variantes de la forma y contenido de la representación, incluida su ausencia después de derribada. El mito de la construcción de la Torre de Babel y de su posterior destrucción es un mito fundacional de la misma idea de la arquitectura, atando su verosimilitud a la voluntad del poder del monarca o del príncipe y al magisterio y sabiduría del arquitecto, los únicos capaces de subir hasta el cielo, de construir un sueño, de medirse con la misma idea de Dios como Arquitecto del Universo. Una metáfora que puede desvelarse también como símbolo de la confusión, de la destrucción y del castigo. Por ese motivo, la Torre de Babel podía presentase en su proceso de construcción, como ocurre con esta tabla de Brueghel, o en el momento de su destrucción, ya fuera directamente demolida por Dios o sus ángeles, por rayos y truenos, o indirectamente debido al castigo divino de la confusión de las lenguas lo que impidió que los constructores pudieran entenderse. Las lecturas ideológicas, políticas y religiosas que semejantes adaptaciones del mito permitieron durante la Edad Moderna son enormemente elocuentes. Una ulterior lectura arquitectónica del mito y de su representación figurativa es aquella que convierte a la Torre de Babel en metáfora de lo inacabado, de lo que está en permanente construcción, como atributo de lo arquitectónico o en metáfora de la confusión de lenguajes, asumiendo con resignación el castigo divino como condición misma del construir (Texto extractado de Rodríguez Ruíz, D. en: El Real Sitio de la Granja de San Ildefonso: retrato y escena del Rey, 2000, p. 291).

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The Hermit by Salomon Koninck (Photo credit: Wikipedia)

The Hermit by Salomon Koninck (Photo credit: Wikipedia)

Francisco de Zurbarán, Bodegón or Still Life w...

Francisco de Zurbarán, Bodegón or Still Life with Pottery Jars, 1636, Oil on canvas; 46 x 84 cm; Museo del Prado, Madrid (Photo credit: Wikipedia)

Francisco de Zurbarán, Bodegón or Still Life with Pottery Jars, 1636, Oil on canvas; 46 x 84 cm; Museo del Prado, Madrid (Photo credit: Wikipedia)

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ARTE ESPAÑOL, MUSEO DEL PRADO

EXPOSICIÓN SALA V .SAGRADA FAMILIA DEL CORDERO DE RAFAEL

Plantilla prado

Preside la sala una estatua de Afrodita, copia romana, reducida, de un famoso original perdido del siglo V a. C. El orden perfecto, clásico y breve en el tiempo, visible en la Sagrada Familia del cordero de Rafael, se refleja en tono amable en el diminuto San Juan Bautista con el cordero de Andrea del Sarto, y el gusto por la representación del colorido, de lo atmosférico y del lujo de los venecianos, en el Moisés salvado de las aguas de Veronese. El impulso que los venecianos dieron al claroscuro, con escenas nocturnas y ambiciosos contrastes lumínicos, se ilustra con la Adoración de los pastores de Jacopo Bassano y laCoronación de espinas de su hijo Leandro. En ella, este último usó como soporte la pizarra, empleada también porSebastiano del Piombo en obras como Cristo con la Cruz a cuestas, de colorido sombrío y melancólico, que imitará, sobre tabla, Luis de Morales. El manierismo de figuras alargadas, actitudes violentamente forzadas y colores ácidos se muestra en obras del norte de Italia: los Desposorios de la Virgen de Mazzuchelli, un boceto al óleo sobre papel, y la Huida a Egipto de Cerano. El anuncio del naturalismo clasicista, ya en los umbrales del siglo XVII, está reservado a dos de sus máximos exponentes: Annibale Carracci, con su Virgen con el Niño y san Juan, y Guido Reni, con su martirio y gloria de santa Apolonia.

SIGLO XV – XVI

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LA BACANAL DE LOS ANDRIOS

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OFRENDA A VENUS

Tras formarse con Peruggino (c. 1452-1523), Rafael abandonó Perugia y se trasladó a Florencia en 1504, donde permaneció cuatro años asimilando el arte de Leonardo y Miguel Ángel. Su paulatino dominio del clasicismo se percibe en una serie de Madonnas que constituyen una exquisita sucesión de variaciones sobre el tema del amor maternal. Una de ellas es la Sagrada Familia del Cordero, inspirada en el dibujo preparatorio de Leonardo da Vinci para el altar mayor de la Annunziata de Florencia. Aunque el dibujo se ha perdido y el altar no llegó a realizarse, sabemos por una carta fechada en abril de 1501 que la composición mostraba a Santa Ana sujetando a la Virgen, quien trataba de impedir que su hijo abrazase el cordero, en una doble acción que fray Pietro de Novellara, autor de la misiva, interpretaba como la Iglesia (personificada por Santa Ana) no queriendo impedir el sacrificio de Cristo (al que alude el cordero) pese al ademán de la Virgen, que se muestra reacia a aceptarlo. Como el dibujo de Leonardo, del que hay copia en colección particular de Ginebra, la obra de Rafael muestra a la Virgen, el Niño y el cordero, pero Santa Ana ha sido sustituida por San José. Más importante que estos cambios puntuales es que Rafael trocase el significado de la escena, al mostrar a la Virgen ayudando a su hijo a abrazar al cordero ante la mirada, atenta y reflexiva, de un San José que participa del significado premonitorio de la acción. Los rasgos de la Virgen, singulares en la producción de Rafael, se asemejan a los de la contemporánea Madonna dei Garofani (colección duque de Northcumberland), lo que se explica por su común dependencia de modelos leonardescos.El cartón preparatorio se conserva en el Ashmolean Museum de Oxford y se conocen varias copias, una de las cuales (Vaduz, colección particular), es considerada autógrafa por algunos estudiosos.La pintura ingresó en la Colección Real en el siglo XVIII, sin que esté claro el momento y las circunstancias exactas. Depositada en El Escorial, pasó al Museo del Prado en 1837 (Texto extractado de Falomir Faus, M.: Pintura italiana del Renacimiento. Guía, Museo del Prado, 1999, p. 42).

 

SIGLO XVII

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VENUS,ADONIS Y CUPIDO

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HIPÓMENES Y ATALANTA

 

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ARTE ESPAÑOL, MUSEO DEL PRADO

LA BELLEZA ENCERRADA.DE FRA ANGELICO A FORTUNY

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English: Prado Museum, in Madrid (Spain). Español: Museo del Prado, en Madrid (España). (Photo credit: Wikipedia)

 

Prado Museum in Madrid, by Juan de Villanueva

Prado Museum in Madrid, by Juan de Villanueva (Photo credit: Wikipedia)

 

English: Interior of the Prado Museum in Madri...

English: Interior of the Prado Museum in Madrid (Spain). Español: Interior del Museo del Prado de Madrid (España). (Photo credit: Wikipedia)

 

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EXPOSICIÓN

 

La exposición reúne 281 obras de las colecciones del Museo del Prado que tienen como denominador común su pequeña dimensión y unas características especiales de riqueza técnica, preciosismo, refinamiento del color y detalles escondidos que invitan a la observación cercana de estos cuadros de gabinete, bocetos preparatorios, pequeños retratos, esculturas y relieves. La mitad de las obras expuestas no se han visto con regularidad en el Prado en los últimos años. Conservadas en los almacenes o depositadas en otras instituciones, han cedido el paso con humildad a otras más famosas y populares que han brillado sin perder nunca su luz en la colección permanente, aunque no por ello son menos interesantes ni menos bellas. La singularidad del Museo reside en la elevada calidad de sus colecciones, en el sorprendente buen estado de conservación de sus obras y en la variedad de lo acumulado a lo largo de los siglos por los sucesivos monarcas y por las adquisiciones conseguidas por quienes tomaron el relevo del enriquecimiento artístico de la institución desde el siglo XIX.

 

Las obras expuestas se ordenan a lo largo de diecisiete salas en las que se da prioridad a la cronología, a través de un intenso recorrido que comienza a fi nes del siglo XIV y principios del siglo XV en Italia, Francia y los Países Bajos, y culmina a fi nes del siglo XIX en España. Ese concentrado paseo sin escapatoria aviva enel espectador la conciencia del paso del tiempo, que une el pasado con el presente y descubre, además, la singularidad y riqueza del Museo del Prado actual. Por otra parte, las relaciones entre las expresiones artísticas de unos y otros países revelan similitudes y divergencias técnicas y estilísticas de la mano de artistas del máximo relieve; los diálogos entre las obras hablan de las influencias ajenas o de la reafi rmación del sentimiento de lo propio. En determinados casos, los temas toman la iniciativa y se enfoca con mayor intensidad lo representado que a los artistas y sus estilos particulares, invitando al espectador a refl exionar sobre el modo en que los pintores del norte y los del sur entienden una misma iconografía, en una visión totalizadora del arte europeo y de su significado desde la Edad Media y el Renacimiento, a través del Barroco y del rococó, hasta el naturalismo que dará paso al siglo XX.

 

FUENTE: http://www.museodelprado.es

 

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El Prado ha hecho un especial esfuerzo en limpiar y restaurar lo expuesto para presentar las obras en unas condiciones idóneas, que permitan al espectador apreciar la belleza específi ca que encierra la pintura y la escultura de este formato. Sólo las perfectas relaciones tonales de la superficie pictórica, gracias a la transparencia de los barnices, dejan ver la precisión de las pinceladas y, con ello, el sentido y el signifi cado de las figuras y de sus acciones o la poesía de los paisajes y la punzante llamada de atención de la naturaleza muerta, el bodegón. Se puede sacar el máximo partido de la apreciación de esta pintura íntima únicamente cuando su estado de conservación deja ver la intención original del autor, tanto en las obras que se decantan por el preciosismo de la técnica, como en aquéllas cuya abstracción lleva incluso a la violencia expresiva, como en algunos bocetos.

 

La pintura de devoción da paso a los asuntos mitológicos, el paisaje aparece en el siglo XVI con personalidad propia, el retrato está presente desde los inicios y, junto a la melancolía, una de las facetas propias del arte y de todo artista, aparece la sátira y la reflexión irónica sobre el ser humano o la alabanza y la exaltación del poder, para, finalmente, dejar sitio a la vida real, cotidiana y del pueblo, que coincide con el desarrollo de la burguesía a fines del siglo XVIII.

 

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Los artistas demuestran en estas obras su imaginación creadora, pero también su dominio de la técnica y, como siempre, su capacidad de innovación, que les lleva a introducir materiales nuevos para lograr efectos distintos. Así, a la madera inicial le sigue el lienzo, el cobre, la pizarra, la hojalata o las piedras artificiales, cada uno con su específica repercusión en la «personalidad» de la superfi cie pictórica, como sucede con el mármol, el alabastro, la madera policromada, la arcilla y el bronce, que confi guran el mensaje de la escultura.

 

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MUSEO DEL PRADO

LA EXPOSICIÓN

English: "Sketch of Diogenes"

English: “Sketch of Diogenes” (Photo credit: Wikipedia)LA EXPOSICIÓN

LA EXPOSICIÓN

 

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Retrato de Alejo Vera y Estaca realizado por Eduardo Rosales en 1864. (Photo credit: Wikipedia)

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Retrato del pintor Eduardo_Rosales. Óleo sobre lienzo. 46,5 cm x 37 cm (Photo credit: Wikipedia)

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ENTIERRO DE SAN LORENZO EN LAS CATACUMBAS DE ROMA,DE ALEJO VERA

Bajo el título Historias Sagradas. Pinturas religiosas de artistas españoles en Roma (1852-1864), la sala reúne cinco de los mejores lienzos, recientemente restaurados, de artistas como MadrazoRosalesAlejo Vera y Domingo Valdivieso que alcanzaron enorme fama en su tiempo y que encaminaron el rumbo de este género desde el refinado purismo tardorromántico de raíz nazarena hacia el nuevo realismo pictórico. La selección de obras expuestas, realizada por José Luis Díez, jefe de Conservación de Pintura del siglo XIX del Museo, y Javier Barón, jefe de Departamento de esta misma colección, presenta, tras un laborioso trabajo de restauración, un exquisito conjunto de lienzos que tuvieron gran importancia no sólo en su tiempo, sino a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX y el primer tercio del siglo XX. Mediante su exhibición en las mejores condiciones, en continuidad con la primera sala de Pintura de Historia, se les devuelve una visibilidad perdida ya que son obras prácticamente desconocidas no sólo para el público sino incluso para muchos historiadores.

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TOBÍAS Y EL ÁNGEL

 

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ENTIERRO DE SANTA CECILIA EN LAS CATACUMBAS DE ROMA

En las obras de esta sala puede apreciarse el triunfo del purismo académico en la obra de Luis de Madrazo, Entierro de Santa Cecilia en las Catacumbas de Roma, realizada directamente al calor del famoso descubrimiento arqueológico y que ha de considerarse la primera dentro de este género. Este trabajo dio paso a obras cada vez más atentas a un realismo de cuño académico, como el delicado cuadro de Alejo Vera,Entierro de san Lorenzo en las Catacumbas de Roma, que toma como punto de partida el lienzo de Madrazo para dotarlo de un mayor verismo y que culmina en la emocionante pintura de Domingo Valdivieso, El Descendimiento, en la que la influencia de las fuentes artísticas italianas es muy poderosa. El maestro madrileño Eduardo Rosales, en sus dos obras religiosas de juventud, Tobías y el ángel y Estigmatización de santa Catalina de Siena, copia de Il Sodoma, realizadas en Italia, encarna el final de la pintura purista y es la clave precisa para la penetración y el asentamiento del realismo de raíz velazqueña en España.

FUENTE: http://www.museodelprado.es

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EL DESCENDIMIENTO

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Saint Sebastian (d. 288), fictionalized portrait by Il Sodoma, ca. 1525. (Photo credit: Wikipedia)

 

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García Aznar, V conde de Aragón, cuadro de Eduardo Rosales que representa de modo ideal a Galindo II Aznárez, conde de Aragón (893-922). (Photo credit: Wikipedia)

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